National Lampoon: Drunk Stoned Brilliant Dead

De chaval solía ver mucho lo de National Lampoon en los títulos de crédito de películas que, en su mayoría, eran descacharrantes. Ni idea de donde venía aquello, pero uno lo acababa identificando como un sinónimo de que te ibas a reír. Era casi como el "Steven Spielberg presents" de los 80.
Luego uno se hace mayor y empieza a escarbar y descubre que aquello era un grupo de tipos la mar de cachondos que editaban una revista y se pasaron al celuloide.

National Lampoon: Drunk Stoned Brilliant Dead es uno de los muchos documentales que nos están llegando los últimos años. Aquello de que los únicos documentales que habían eran los del National Geographic que se emitían en la 2 para coger el sueñecito de cara a la siesta, ha pasado a la historia. Quizá fuese gracias a Michael Moore, que llevó el género al las masas, o yo qué sé. Pero que ahora podemos disfrutar de montones y didácticos reportajes de cosas antes inimaginables es un hecho. Que si los sinsabores de Tim Burton a la hora de hacer su Superman, que si las alegrías y miserias de la serie Z con Claudio Fragasso al frente, la industria cinematográfica australiana, las movidas detrás del record del Donkey Kong... es buscar y no parar de sacar más y más documentales.

Pero regresemos al que hoy nos ocupa, al de National Lampoon. Un documental que sin demasiados aspavientos y de forma bastante formal nos explican los entresijos de unos universitarios que empezaron a editar una revista satírica que tuvo un gran éxito.
 

Llegaron hacer un disco que también fue un éxito. Y aquello dio pie a un espectáculo en vivo llamado Lemmings para grabarlo y lanzarlo como segundo disco, pero el espectáculo tuvo tanto éxito que se quedó como un show en vivo (por ahí estaba John Belushi haciendo de Joe Cocker y Chevy Chase). Y como todo éxito empezaron las rencillas y envidias. La disputas entre algunos por quien se follaba a quien, llevó a que crearan el programa radiofónico Radio Hour que se llegó a emitir en mas de 600 emisoras. El programa tenía bastante problemas para encontrar patrocinadores a causa de un humor muy bestia, donde abundaban bromas de violadores. Ya por la época aparece Gilda Radner, Bill Murray o Harold Ramis.

  

Como los choques de ego seguían, muchos se fueron al Saturday Night Live. Y como el asunto empieza a tambalearse y uno de sus fundadores, Doug Kinney, decide irse, le ofrecen una película para retenerlo y como su parodia del anuario escolar fue el número de más exito de la revista, decidieron tirar por ahí. Ivan Reitman y Harold Ramis empezaron a trabajar el guión, en la que, en una primera versión se hablaba de Charles Manson y sus seguidores mientras iban al instituto. Pero aquel guión acabó plagado de drogas y sexo, lo que hizo que mutara a la universidad. El proyecto acabó materializándose en la hoy tan conocida Desmadre a la americana, (considerada la precursora del subgénero de universitarios) que la Universal prohibió a Reitman dirigirla por su poca experiencia en la dirección (sólo había dirigido Mujeres Caníbales) y se la ofrecieron a un John Landis que que estaba haciendo Made in USA (Kentucky Fried Movie).
La película fue un pelotazo, lo que hizo que le siguieran nuevas producciones y muchos del grupo partieran hacer películas. Cosa que influyó mucho en la revista, que cayó en calidad y en ventas.

Con la nueva época dorada de la televisión, los nuevos fichajes también fueron reclutados para guionizar series como Los Simpson o Padre de familia. Lo que hizo que la revista muriese a finales de los 90. Aunque ha nivel cinematográfico la marca sigue pero, desde hace años, con subproductos que son poco menos que vomitivos.

Para los que nos tira más el celuloide el documental nos sabe a poco. Está enfocado desde el punto de vista de la revista, lo que hace que todo lo que tenga que ver con las películas esté tocado muy de aquella manera. Más por exigencias de explicar el porqué la fuga de cerebros en varias etapas, que por que realmente quieran explicar como se produjeron.

Aun y así es un documental a tener en cuenta para los que mamamos las movidas de Chevy Chase y su familia. 

Festival de trailers (XXXVI)

Pulgarcita (Thumbelina, 1994) de Don Bluth y Gary Goldman. Animación.

Toyland. El país de los juguetes (Babes in Toyland, 1997) de Toby Bluth, Charles Grosvenor y Paul Sabella. Animación.

Tarón y el caldero mágico (The Black Cauldron, 1985) de Ted Berman y Richard Rich. Animación.

 
La espada mágica. En busca de Camelot (Quest for Camelot, 1998) de Frederik Du Chau. Animación.

Superman. El último hijo de Krypton (Superman: The Last Son of Krypton, 1996) de Bruce W. Timm, Curt Geda, Scott Jeralds y Dan Riba. Animación.

El resplandor (Mini serie)

De sobras es conocido el enfrentamiento entre Stephen King y Stanley Kubrick en la gestación del rodaje de El resplandor. Y, la verdad, que el escritor acabara echando pestes de la adaptación me parece más un problema personal con Kubrick que una auténtica mala opinión de la adaptación. ¿Que posiblemente el director llevará a otro terreno a la familia Torrance, el Overloock y a sus habitantes? Seguramente. Lo que hace que como adaptación no sea todo lo respetuosa que debería ser con la obra original, pero como película, más allá de su relación con el manuscrito, está fuera de toda duda. Poco menos que una obra maestra. O al menos así está considerada por muchos.
Así que una nueva adaptación era poco menos que escupir hacia arriba. Pero me imagino que ahí estaría King diciendo lo mismo que en el trailer de Maximun Overdrive, aquello de "si alguien quiere hacerlo bien, ha de hacerlo él mismo", pero claro, su película, no nos engañemos, era/es una mierda y había que endiñarle el muerto a otro. Y que debería pensar que si él mismo apadrinaba una nueva versión quizá dejarían a la de Kubrick en un segundo lugar. Lo que decía antes: escupitajo arriba. Porque al final nos encontramos ante un producto mediocre, aburrido, soso y cualquier otro adjetivo que se te ocurra para definir esta cosa descafeinada.
Y es que si le das el proyecto a una mediocridad con patas como es Mick Garris ¿qué esperas?

Este hombre de melena de anuncio de champú escribió algunos guiones para Cuentos asombrosos (además de dirigir un capítulo), uno de los cuales se recicló para un largo, la muy mediocre Nuestros maravillos aliados (mucho más chulo el título original: *batteries not included), también estuvo en el guión en una fase muy temprana de El retorno de las brujas, cuando la cosa pintaba más sería y que acabaría materializándose varios años después con un tono totalmente infantil; debutó en el largo con la secuela de Critters y firmó Psicosos IV. Y ahí llegó Sonámbulos, su primer contacto con King, que además hacía un cameo en el film.

Luego llegarían las adaptaciones de Apocalipsis, en formato mini serie; Quicksilver Highway como telefilm de dos historietas, una escrita por King y otra por Clive Baker; y en 1997 llegaría la que nos interesa, El resplandor como miniserie de 3 capítulos de 90 minutos cada uno. Y ojito que Altaya la sacó en una de sus colecciones como El resplandor II. Y se quedaron tan a gusto.

Si bien aquí quieren ser totalmente respetuosos con el libro, la cosa no arranca. Vale que Nicholson tiene cara de demente desde el minuto uno y con él no cuela aquello del viaje de la cordura a la locura, pero que el sosainas de Steven Weber nos deja más fríos que el hielo es un hecho. Aceptamos barco con la hoy cara de botox Rebecca de Mornay por aquello que se ajusta más a lo escrito por King, aunque de sobras es conocida la anécdota de cuando Nicholson le propuso a Kubrick a Jessica Lange.

También se respetó lo de los arbustos con forma de animales que cobran vida. Justamente Kubrick tuvo que descartarlos por imposibilidades técnicas de la época. ¿Y en pleno 1997 cómo los recrean? Efectivamente, con el puñetero CGI diarreico de la época. Todo hay que decirlo (posiblemente por problemas de presupuesto) no los sacan mucho en pantalla y lo hacen muy de aquella manera, lo que hace que no sean todo lo vomitivos que se les supondría, además de dar para el cliffhanger del tercer episodio. Aun y así, la idea de Kubrick de cambiarlos por el laberinto sigue siendo mejor a todas luces.

Tampoco puedo dejar de catalogar como lamentable el recurso de Tony, el amigo imaginario de Danny Torrance (aquí interpretado por un chaval muy asqueroso con cara de hamster). Tony es un tipo con pinta de pasmao flotando por el aire. 
Y por último, posiblemente, el personaje más importante: el Overlock. Se supone que en esta mini serie se rodó en un hotel auténtico. Concretamente donde se hospedó King a mediados de los 70 y tuvo la idea de la novela. Pues lo que tenemos aquí es un hotel de chichinabo que no tiene nada de personalidad ni denota todo el terror que impregnaba las paredes del de la película. 

De lo poco salvable son los escasos maquillajes, pocos pero que lucen al máximo nivel. Como el caso de la mujer de la bañera, que como es habitual en en el director nos encoloma a su mujer, Cynthia Garris. Tampoco hay que dejar de mencionar la aparición de Elliot Ghould como el director del hotel; Pat Hingle (el que fuese comisario Gordon en las pelis de Batman noventeras), y cameos de Sam Raimi, Frank Darabont, Stephen King y el propio Garris.

No voy a ser yo el que ponga en duda el arte de Stephen King a la hora de aporrear su máquina de escribir, pero lo que está claro es que el tema cinematográfico es otro menester del cual debería dejar en manos más capacitadas. Porque ahí están las muestras que cuando en sus propios guiones ha tenido nombres como Romero (Creepshow), Mary Lambert (Cementerio viviente) o hasta un impersonal pero en estado de gracia Lewis Teague (Los ojos del gato), la cosa ha desembocado a productos de mayor enjundia.

Festival de trailers (XXXV)

Made in América (Made in America, 1993) de Richard Benjamin. Con Whoopi Goldberg, Ted Danson, Will Smith, Nia Long, Frances Bergen, Jennifer Tilly y Phyllis Avery.

 
Recién nacido y ya coronado (Splitting Heirs, 1993) de Robert Young. Con Eric Idle, Rick Moranis, Barbara Hershey, Catherine Zeta-Jones, John Cleese, Sadie Frost, Brenda Bruce, Eric Sykes y Stratford Johns.

Don Quijote cabalga de nuevo (1973) de Roberto Gavaldón. Con Fernando Fernán Gómez, Mario Moreno "Cantinflas", María Fernanda D’Ocón, Paca Gabaldón, Ricardo Merino, José Orjas, Emilio Laguna, Alberto Fernández de Rosa, Laly Soldevila y María Luisa Ponte.

Ganar de cualquier manera (Blue Chips, 1994) de William Friedkin. Con Nick Nolte, Mary McDonnell, J.T. Walsh, Ed O'Neill, Alfre Woodard, Bob Cousy, Shaquille O'Neal, Anfernee 'Penny' Hardaway, Matt Nover, Cylk Cozart, Anthony C. Hall, Robert Wuhl, Bobby Knight, Rick Pitino, Allan Houston, Calbert Cheaney, Larry Bird, Jim Caviezel, Louis Gossett Jr., Rick Fox y Kevin Garnett.

El golpe perfecto (Diggstown, 1992) de Michael Ritchie. Con James Woods, Louis Gossett Jr., Bruce Dern, Heather Graham, Thomas Wilson Brown, Oliver Platt, Duane Davis, Randall 'Tex' Cobb y Roger Hewlett.

En busca del Rey del Sol

A Don Bluth muchos lo recordarán por estar detrás de clásicos (algunos bastante olvidados) de la animación como Nimh. El mundo secreto de la señora Brisby, o, incluso, los más ligados al videojuego por Dragon's Lair. Pero este mormón practicante que se formó en Disney para abandonarla después de formar una rebelión, pues decía que la compañía del tito Walt se había quedado anticuada y estancada, y llevarse media plantilla a su recién formada Don Bluth Productions y luego trabajar bajo el amparo de Spielberg y George Lucas y acabar de éstos hasta los mismísimos, tiene varias producciones de las que muchos no recuerdan (o no quieren recordar).

Una de ellas es la que hoy nos toca repasar. En busca del rey Sol (o Rock-A-Doodle en su V.O.) va de un niño al cual si madre le explica la historia de Chanticleer, un gallo que cuando canta por la mañana hace que salga el Sol. Pero un día, después de una pelea con uno de los esbirros enviado por su archienemigo el malvado Gran Duque, no llega a tiempo de entonar su canto y el astro rey asoma por el horizonte como cualquier otro día. Chanticleer queda devastado al darse cuenta que su canto no tiene nada de especial y el Sol saldrá cada mañana cante o no cante, a lo que hay que añadir que se convierte en el hazmerreír de la granja, con lo que decide irse a la gran ciudad.
A todo esto, en el mundo real se desata una tormenta y aparece Gran Duque, que convierte al niño en un gatete con la intención de comérselo. Pero el niño/gato escapa y, junto a otros animales de la granja, parten a la ciudad en busca de Chanticleer, el único que puede hacer que vuelva a salir el Sol.

La película es de esas que no es demasiado recordada. No es casualidad. Estamos ante un producto regulero, de esos que no destaca ni para bien ni para mal. Una cosa tirando a mediocre, aunque la escena final, donde se mezcla al actor real con los personajes animados es sumamente cutre. Casi a la altura de los Evil Toons de Fred Olen Ray. La animación en general es correctita y gracias, con alguna cosa hecha en rotoscopia. Y a nivel de canciones tampoco hay ninguna que nos deje poso.

La historia es un queso gruyere (¿por qué desaparece el sol y por qué Chanticleer es la solución si había quedado claro que su canto no sirve para nada?), con cosas tan elementales como el que nunca queda claro si el protagonista es el niño/gato o Chanticleer.
Por otro lado apuntar un detalle que canta bastante de la edición que nos llegó aquí. Si bien las escenas de acción real cuentan con un doblaje en castellano de aquí, toda la animación (el 95% del metraje) tiene doblaje sudamericano. Muy posiblemente porque en aquella época todavía nos llegaba mucha animación doblada en aquellas tierras y porque a la distribuidora le sería mucho más barato.

En busca del Rey del Sol estuvo a punto de materializarse en 1982, justo después de Nimh, pero quedó aparcada en favor de otros proyectos hasta que se activó en 1989 justo cuando Todos los perros van al cielo estaba al 80% de finalizar su producción. Lamentablemente para Bluth y sus socios el film fue considerado un fracaso. Además, coincidió su estreno con el de La Sirenita, con lo que la comparación era inevitable. Y aunque no te lo creas, la peli de Disney nunca llegó a ser número 1 (estaba por ahí Regreso al futuro II), pero aguantó entre las 5 primeras muchas semanas y amasó más de 100 millones sólo en los USA. Y, claro, la comparativa con Todos los perros van al cielo era un abismo, habiendo costado ésta unos 15 millones y racaudando 27, lo que se consideró un relativo fracaso. Aunque, después, cuando apareció en vídeo fue un éxito rotundo, siendo en su momento la película con más ventas en formato doméstico (más de 3 millones de ventas en su primer mes).

Esta primera impresión que Todos los perros van al cielo había sido un tropiezo, desembocó en que Goldcrest Films, la compañía socia de Sullivan Bluth Studios que por aquellas s ehabía instalado en Irlanda, exigiera una revisión del proyecto de En busca del Rey del Sol para hacerlo más comercial. Lo que hizo que mirasen de reojo a ¿Quién engañó a Roger Rabbit? y decidiesen apostar por la mezcla de animación y actores reales. Aunque dadas las dificultades técnicas y presupuestarias de la mezcla, se eligió una solución menos aparatosa como es rodar unos primeros minutos en acción real y el resto del metraje en animación. Más o menos como se hiciera La puerta mágica décadas atrás.

Goldcrest Films decidió no dar más apoyo a Bluth cuando la película estaba prácticamente terminada, dejando las producciones animadas. Sin ningún tipo de posibilidades de hacer un estreno en cines, todo indicaba que acabaría siendo lanzada directamente a vídeo, hasta que apareció la Metro Goldwyn Mayer y se comprometió a lanzar las siguientes 3 películas del estudio.
También cambiaron varias veces la fecha de estreno para no coincidir con otro film animado, además de suavizar y eliminar cualquier tono oscuro del guión para hacerlo cuanto más infantil.

Contrataron a Victor French (el barbudo amigo de Michael Landon en Autopista hacia el cielo) para que dirigiese las escenas con actores de carne y hueso, pero éste apenas tuvo un par de reuniones con el equipo ya que fue al médico por problemas de espalda y le acabaron diagnosticando un cáncer de pulmón en fase terminal y murió un par de meses después.
 
Con todo esto percance y con la producción en marcha no tuvieron demasiado tiempo a buscar otro director y el propio Don Bluth cogería las riendas como director de las escenas de acción real.

Don Bluth nunca más volvió a contar con el respaldo del público. Sus siguientes producciones (Pulgarcita, El jardín mágico de Stanley, Hubi) se contaban por fracasos en taquilla (aunque luego recuperaban algo en el mercado doméstico) hasta que se asoció con la Fox, que fundaba una división de animación para competir con Disney, y lanzaron Anastasia que ya funcionó bastante mejor. Pero lo peor estaba por llegar. En el 2000 lanzaban Titan A.E. que sería uno de los grandes fracasos financieros del mundo de la animación. De los casi 100 millones que costó apenas recuperaron la mitad, haciendo que la Fox cerrara el departamento de animación.

Curioso que Bluth de visionario no tuviera nada, y es que apenas un par de años antes del estreno de Toy story decía algo así como que la animación por ordenador no era el futuro y que la técnica clásica de dibujar a mano prevalecería.

Actualmente trabaja en Dragon's Lair. The movie, largometraje animado del famoso "videojuego", consiguiendo la financiación para crear una presentación del proyecto a través de una plataforma crownfunding. Una vez que hayan conseguido terminar la presentación del proyecto, lo moverán por los estudios para conseguir los 70 millones de dólares que necesita para producir el film. Veremos qué pasa, pero la cosa pinta negrísima.

Festival de trailers (XXXIV)

Daniel el travieso (Dennis the Menace, 1993) de Nick Castle. Con Walter Matthau, Joan Plowright, Mason Gamble, Christopher Lloyd, Lea Thompson, Robert Stanton, Amy Sakasitz y Natasha Lyonne.

Jumanji (Jumanji, 1995) de Joe Johnston. Con Robin Williams, Kirsten Dunst, David Alan Grier, Bonnie Hunt, Jonathan Hyde, Bradley Pierce y Bebe Neuwirth.

Rex, un dinosaurio en Nueva York (We’re Back: A Dinosaur’s Story, 1993) de Simon Wells, Phil Nibbelink, Dick Zondag, Ralph Zondag. Animación.

Babe, el cerdito valiente (Babe, 1995) de Chris Noonan. Con James Cromwell, Magda Szubanski, Paul Goddard, Zoe Burton, Marshall Napier y Brittany Byrnes.

La matanza de Texas (y secuelas)

De niño era habitual que cuando te referías a La matanza de Texas era hacerlo de la cosa más bestia y sanguinaria que se había impreso en celuloide. Sólo con mentar el título ya te venía el repelús. Pero luego resultaba que no era para tanto, que aquello de sangre y vísceras más bien poco. Yo tuve la suerte de verla por primera vez de adulto (en un pase de BTv en época navideña de 2003) y sabiendo lo que me encontraría y por eso me gustó. Y es que su primer visionado suele ser decepcionante porque todo lo que esperamos de ella no lo vamos a ver. Lo bueno de la película es que no iban por el gore gráfico, si no por la ambientación malsana y el mal rollo, que aquello no iba de seres sobrenaturales, si no de gente que podía ser tu vecino, ese que los domingos sale a comprar el pan en chándal con su perrita Fifí, pero luego tiene a su madre embalsamada y hace ganchillo con el pelo de los niños que secuestra y esconde en el altillo.

No por casualidad este tipo de terror más terrenal y real se puso muy de moda en Norteamerica allá principios de los 70. Era un género agradecido para el low cost como demuestra La última casa a la izquierda. También ayudaba mucho un tema tan en boga en la época como era el sectario con la familia Manson a la cabeza.
El hecho que ocurriese en Texas no era más que un punto a favor. Para los norteamericanos aquello es lo mismo que la América profunda, donde cualquier tipo de aberración puede suceder. Coño, si hasta tienen allí a James Wallestein por algo será. Los yankis tenían La matanza de Texas y nosotros... El crimen de Cuenca.

Tobe Hooper era un treintañero tejano que venía de hacer una película llamada Eggshells, una cosa muy arty y psicódelica hecha con muy poco dinero y protagonizada por un grupo de hippies. Su siguiente proyecto lo escribió junto a Kim Henkel, que había sido uno de los actores de Eggshells.

Según el propio Hooper, el guión tenía una fuerte influencia de las historias que le contaban de niño unos parientes. Según ellos, tenían un vecino que usaba piel humana para hacer lamparas y muebles, lo que hacía morir de miedo al pequeño Tobe. Al parecer, ese vecino era Ed Gein. Con el tiempo, el propio Hooper diría que cuando escribió el guión no sabía la identidad real del vecino.

Lo que en un primer momento se llamó Leatherface (y en algún momento mutó a Head cheese), para acabar en un más comercial The Texas Chain Saw Massacre, fue una producción de bajo presupuesto, empezaron con menos de 100 mil dólares que aumentó en la post producción, donde la mayoría de implicados cobrarían porcentajes de lo que se sacara en los cines.
Evidentemente el cast era en su mayoría estudiantes de interpretación y las sesiones de rodaje interminables. Rodada casi de forma cronológica en agosto de 1973, los siete días de la semana y en sesiones de 12 o 16 horas, lo que hacía que el hedor de la carne podrida que había en el set diera arcadas a todo el que pasaba por ahí. El propio Leatherface tuvo que llevar durante toda la filmación la misma ropa, pues no querían llevarla a una tintorería y que se la perdiesen.

De la gente implicada tenemos al técnico de sonido que no era otro que Ted Nicolau, que luego trabajaría en las diferentes productoras de Charles Band (Empire, Full Moon...) y sería director, entre otras, de la descacharrante TerrorVision.
John Larroquete era el narrador. El actor había conocido a Hooper en los 60 gracias a un amigo común. Un buen día recibió una llamada de este último pidiéndole si podía grabar unas unas líneas. Detalle que se recuperó en el remake de 2003, pues volvieron a contratar a Larroquette para narrar el inicio.

La matanza de Texas fue un bombazo en su estreno norteamericano. Al final de su carrera amasó más de 30 millones. Siendo censurada en un puñado de países. Pero sin duda, su gran logro fue el gran impacto que tuvo en la sociedad y en el posterior cine de género. Y un personaje como Leatherface que, pese a los posteriores intentos de convertirlo en una estrella pop simpática estilo Jason o Freddy, nunca ha terminado de estar a ese nivel por su origen mucho más desagradable y crudo.
Aquí tuvo un estreno de tapadillo en las salas de versión original allá por 1977. Y no sería hasta finales de los 80 que TVE la emitió doblada.

Masacre en Texas 2 (The Texas Chainsaw Massacre 2, 1986). Ni aun habiendo "dirigido" una producción de Spielberg, Hooper volvió a marcarse un hit como el de La Matanza. Es por eso que cuando ficha por la Cannon y sus dos películas (Liferforce e Invasores de Marte) son dos fracasos que dejan a la productora al borde de la quiebra, decide retomar la película que le catapultó a la fama y agarrarse a ella como un clavo ardiendo. Pero aun y así, tuvo la genialidad de no hacer una burda fotocopia y realizó un giro que dejó al público con el culo torcido. Aquí era ir al splatstick, una comedia llena de locuras (el cartel es bien sabido que es una parodia de El club de los cinco), bestialidades y concursos de comida con carne humana, donde cambiaba a los hippies de la primera por los yuppies ochenteros. Básicamente teníamos a Dennis Hooper como agente de la ley que sigue la pista de la familia matarife, ya que el chico de la silla de ruedas de la primera era su sobrino. Por en medio tenemos a una disk-jockey que es secuestrada por la familia y enamorará a cara de cuero. Mucha sangre y cabezas cercenadas por obra y gracia del siempre bueno Tom Savini, unos decorados loquísimos y una banda sonora muy Psicosis. Además de un pasadísmo Dennis Hooper, tenemos a Bill Moseley haciendo de, según el propio director, Chop-Top, el hermano gemelo del autoestopista de la anterior entrega que por aquellas estaba en Vietnam; Jim Siedow, el único que volvió del cast original; Caroline Williams, que luego se convirtió en una cara habitual del cine de terror; Bill Johnson sustituyendo a Gunnar Hansen como Leatherface; y cameo del propio director como el barbudo con gorra de cuernos que recibe una lluvia de latas de cerveza en el hotel.
Pese a que no perdió pasta, se consideró que los 8 millones recaudados (costó el doble) eran insuficientes y Hooper salió trasquilado de su pasó por la productora de Golan y Globus, con los que sufrió de lo lindo pues durante la producción el presupuesto iba menguando y los primos iban llevando los maletines de fajos de billetacos según les llegaban. La crítica y el público la pusieron a caer de un burro, aunque en la actualidad se ha ganado cierto estatus de culto.

La matanza de Texas III (Leatherface: Texas Chainsaw Massacre III, 1990). New Line había pasado de estar a un paso de desaparecer a tener una franquicia multimillonaria como es Pesadilla en Elm street, y alguien de la productora pensó que sería buena idea adquirir los derechos de La matanza de Texas aprovechando que la Cannon estaba prácticamente finiquitada. Para dirigir esta nueva entrega se contrató a Jonathan R. Betuel, director de Mi proyecto científico, algunos episodios de Las pesadillas de Freddy y que acabaría con aquella ponzoña titulada Dino Rex. Pero el tipo abandonó la producción y pensaron en un Peter Jackson que salía de Tu madre se ha comido a mi perro, pero la cosa tampoco prosperó y acabó en manos de Jeff Burr, que venía de dirigir la decepcionante Gritos en Oldfield y El padrastro 2. Tal era el poco poder que le dieron al director que éste, antes de iniciar le rodaje, fue al cine a ver la quinta entrega de Elm street y se encontró aquel famoso trailer de Leatherface mirando a un lago y como de él, cual leyenda artúrica, una mano le lanza una motosierra. El tipo flipaba que el estudio no le hubiera dicho nada de ese trailer.
Del argumento muy poco donde rascar. Parejita que va por una de esas interminables carreteras americanas que acaba cruzándose con cara de cuero y su familia. Ya poco o nada queda de las intenciones del original de Hooper, virando aquí ya de forma más que evidente al slasher noventero pre-Scream. En cast un par de nombres conocidos: Ken Foree, Viggo Mortesen, y un cameo de Caroline Williams. Y en el maquillaje la siempre solvente KNB.
El film, se pegó un buen palo en la taquilla. En parte porque la película es un desbarajuste perpetrado por la New Line en la sala de montaje. En su intento por conseguir la calificación R comenzaron a eliminar escenas directamente del celuloide original, amputando la historia dando resultado absurdidades como la muerte de Ken Foree para, misteriosamente, resucitar minutos después. Esto viene porque hicieron un pase de prueba en Nueva York y vieron que ese personaje gustaba al público asistente, así que cogieron a un equipo reducido y rodaron un nuevo final dirigido por Michael Knue, montador en nómina de la New Line.
Aunque te suene a coña, aquí se llegó a estrenar en cines. 

La matanza de Texas. La nueva generación (The Return of the Texas Chainsaw Massacre, 1994). Después del batacazo de la anterior entrega, la New Line vio truncadas sus esperanzas de tener entre manos otra franquicia de terror, por lo que se olvidó de ella. Al menos hasta que el guionista de la original, Kim Henkel, escribió y dirigió esta cuarta entrega, que si por algo pasará a la historia es por tener como protagonistas a Renée Zellweger y Matthew McConaughey (aquí pasadísimo de speed) antes de saltar al estrellato. La película fue rodada en 1994 pero no estrenada hasta 1997, cuando ella aparecería en Jerry Maguire y él Tiempo de matar, lo que hizo que Tri-Pictures quisiera aprovecharse, cosa que los agentes de los actores intentaran impedir. Aun y así el estreno fue muy limitado y no recaudaría ni una tercera parte de lo que costó (600 mil $), pero es que estábamos ante una producción de muy bajo presupuesto que, además, no aportaba nada ni a la saga ni al género. Como mucho ese final que nos deja a entender que detrás de la familia matarife hay una sociedad secreta estilo Iluminati que se dedican a atemorizar al personal que pasa por allí. Por lo demás, monotonía absoluta. Unos jóvenes van en coche, tienen un accidente y, catacroquer, se topan con los malos.
La peli, que originalmente se iba a llamar The return of Texas Chainsaw Massacre y fue remontada por la distribuidora, tuvo un estreno limitado y no sacó ni para pagar los cafés. Aquí nos llegó directamente a vídeo.


Y hasta aquí el repaso de la saga "original". Aunque no hay que dejar de mentar muy por encima que la saga se queda congelada casi durante una década, hasta que aparecería el remake de Marcus Nispel y producida por Michael Bay, que funcionaría muy bien en taquilla. Un par de años después tendríamos una precuela como La matanza de Texas. El origen, que ya no funcionó tan bien. Luego, en un intento por subirse al carro de la moda 3D tuvimos La matanza de Texas 3D que tampoco acabó de cuajar. Y ya este año se estrena Leatherface.

Festival de trailers (XXXIII)

Miedo azul (Silver bullet, 1985) de Daniel Attias. Con Corey Haim, Everett McGill, Gary Busey, Leon Russom, Robin Groves, Terry O'Quinn, Megan Follows, Bill Smitrovich y Joe Wright.

La mitad oscura (The Dark Half, 1993) de George A. Romero. Con Timothy Hutton, Michael Rooker, Amy Madigan, Julie Harris, Robert Joy, Kent Broadhurst y Beth Grant.

Los ojos del gato (Cat's Eye, 1985) de Lewis Teague. Con Drew Barrymore, James Woods, Alan King, Kenneth McMillan, Robert Hays, Candy Clark, Mary D'Arcy, James Rebhorn, James Naughton, Patricia Kalember, Mike Starr y Charles Dutton.

Geek (Backwoods, 1987) de Dean Crow. Con Christine Noonan, Jack O'Hara, Brad Armacost, Dick Kreusser, Leslie Denise y Gary Lott.

Testigo mudo (Mute Witness, 1995) de Anthony Waller. Con Marina Sudina, Fay Ripley, Evan Richards, Oleg Yankovskiy, Igor Volkov y Alec Guinness.