¡Juguetes! (y II)

(Viene de aquí)

Aunque cayeron algunos Airgamboys no les di demasiada cancha, yo era más de Playmobil. De estos tenía un arsenal. De hecho, los guardaba en los bidones de cartón del detergente de la ropa y tenía un par. Y aunque no cayó el fuerte (aunque sí el de Comansi, que dejaba un poco que desear, la verdad) ni el barco pirata, tenía una ambulancia, un par de coches (uno de ellos descapotable muy del estilo de Pontiac del coche fantástico), una casade época y no sé cuantas pijaditas más.

Por el camino hubo un tímido intento con los Battle beast, unos adelantados a su tiempo que usaban ese concepto tan Pokemon y Gormiti de coleccionismo. Estas figuras de poco tamaño y menos movilidad tenían un pequeño holograma en su pecho, que al frotarlo nos mostraba a que bando pertenecían, ya fuese madera, fuego o agua. Sí, todo muy en la linea piedra papel o tijera, cada elemento podía vencer a otro y ser vencido por un tercero. Recuerdo que en el blister venían dos figuras, pero del precio ni idea. No tuvieron ningún éxito.                                                                                                   

Los Masters/Secret Wars me duraron 4 o 5 años para sustituirlos rápidamente por los G.I. Joe, muchísimos más articulables, con mogollón de mini armas que se perdían a las que las sacaba del blister, y, los más importante, el precio, por lo que pagabas por un Master casi podías llevarte dos figuras de las fabricadas por Hasbro.
Como buen hijo de vecino tenía mis favoritas. Uno que me gustaba mucho era uno llamado Jungla, un pirado de la supervivencia que tenía un fuerte ramalazo a Chuck Norris. Otros que me flipaban era Boa, Muskrat (que me recordaba a uno de los personajes de La fuerza de la venganza de Michael Dudikoff), Rompeolas, Sombra y muchos más que ni recuerdo.

Pero si bien tenía bastantes figuras iba más escaso de vehículos. Tuve alguna espinita clavada como un pedazo de avión llamado Phantom o el Hovercraft. Pero lo que me traía loco era la Máquina de truenos de Cupra/cobra. Simplemente era un coche de combate estilo Mad Max con un mega cañón en el techo. Que todo lo que escupiera ese trabuco lo compararán con truenos me dejaba atontado. Era algo así como la Impaciente de Depredador.
Luego comenzaron a emitir en Telecinco la serie de animación en algún programa de Miliki y Rita Irasema, pero no me molaba. Igual era por aquel doblaje latino, ¡Varonessssa!
A principio de los 90 sacaron la edición Tiger, que era una especie de equipo especial, que en el fondo eran algunos de los mismos personajes que ya habían aparecido pero con estética atigrada, O sea, una manera de volvernos a vender el mismo perro con distinto collar. También se inventaron una versión de los personajes de Street fighter aprovechando el estreno de la película. Ahí ya dejaron de interesarme.

Las Tortugas ninja hicieron furor, ya fuese en animación o en películas, por lo que su versión juguetera era normal que triunfara. Como en la mayoría de colecciones cuando se les acabaron los personajes a explotaron comenzaron a sacar nuevas versiones de los personajes, con movimientos de ataque, otros colores/ropa, con transformaciones...

Por el camino se quedó el intento de resucitar la maquinaria de Masters del Universo, pero la nueva colección de figuras y, sobre todo, la nueva serie de animación (Las nuevas aventuras de He-man) no ayudaron en absoluto a que las nuevas generaciones se interesasen en ellos.
Paralelamente vivimos una fiebre por la lucha libre con la eclosión de Pressing catch en Telecinco, a la que en Catalunya se le unió la emisión de Musculman.
Y ahí teníamos las figuras de Hulk Hogan, el Último Guerrero y compañía. Si los Masters eran limitados en articulaciones estos rozaban la paraplégia. Cada figura tenía un golpe característico y de ahí no pasaba. Me cayeron El Serpiente, Ash y para de contar. La verdad es que no daban para más.

Hubieron unos productos que no eran exactamente colecciones de muñecos, eran más bien chucherías que acaban en tus manos y, al cabo de pocos días, se pudrían en algún cajón/armario: el cococrash, los chinitos de la suerte, de los que intentaron repetir la formula en los 90 con aquellos chupetes de plástico), los relojes que se transformaban en robot, manos locas, las pulgas mágicas (unas píldoras que gracias al plomo de su interior se movían), los guerreros de la basura (sucedaneo de la pandilla basura que iban en una bolsa de papel que al contacto con el agua se disolvía)...

Los 90 pecaban de una fiebre por la miniaturización. Todo tenía que ser minúsculo, y los juguetes no escaparon de esta moda. Aparecieron los Micro Machines (¿quién no recuerda el concurso de otro de los programas de Miliki y Rita Irasema donde te regalaban tantos blisters de los coches como veces fueses capaz de decir "Si no son Micro machines no son los auténticos" en un tiempo determinado?), las Polly Pocket y su versión maculina, Mighty Max. Y me dejo más, seguro.

Nos volvimos a encontrar la enésima colección de Star Wars, mucho mejor hechos que los aparecidos en la década pasada. De estos también me calleron unos cuantos, pero nunca me engancharon.
Por el 93 aparecieron los muñecos de la serie de animación de Batman, que si bien seguían esa política de no doblar codos y rodillas, eran muy fieles a los dibujos.
Estos los coleccioné (y todavía los conservo), pero era una cuestión puramente de frikismo con el personaje y la serie. Me quedaron dos espinitas clavadas, por un lado la figura de el pingüino y por otro el batmobile. La figura nunca la conseguí y el vehículo lo pude pillar en alguna de estas subastas por internet por pocos euros. Luego, cuando tuve el armatoste, que tenía mugre de sobra, entre las manos me di cuenta que eso solamente me iba a ocupar espacio y precisamente este año acabó en la basura.
Ya por aquella época me era imposible coger las figuras y ponerme a recrear aventurillas, se me había pasado el arroz y si me fijaba en alguna figura/colección era para ver su acabado. Mi espíritu de Peter Pan había vuelto a Nunca jamás para eso, no regresar nunca jamás.

¡Juguetes! (I)

Ahhhh, los juguetes. Aunque a muchos les haga gracia lo del espíritu navideño y demás paparruchas lo que aquí nos importa es el afán consumista y que nos regalen cuanto más mejor y cuando uno es niño solamente piensa en una cosa: ¡juguetes!

2013: Rescate en L.A.

 

Mañana se supone que es el fin del mundo, así que mejor despedirnos con un film que acontece en 2013, ya que no lo veremos in situ, lo veremos en la tele. O al menos eso decían los mayas. Y mira, si no es el fin del mundo seguro que en 2013 nosotros también tendremos nuestro propio rescate. Aunque sea económico.

2013: Rescate en L.A. es la secuela de 1997: Rescate en Nueva York, o mejor dicho, un remake hecho con los medios con los que se podía contar a mediados de los 90.

Si en el film de 1981 la ciudad de Nueva York se había convertido en una cárcel, de la que era imposible salir y los presos habían creado su propia sociedad, en la que se estrellaba el Air Force One y el presidente de los EEUU era capturado para luego ser rescatado por Snake Plissken (como todo el mundo sabe, el inspirador de Solid Snake), en 2013: Rescate en L.A., Los Ángeles ha sufrido un terremoto, convirtiéndola en una isla, la cual utilizan como cárcel. La hija del presidente roba un arma y se esconde en la isla, con lo que mandan a Plissken a recuperar el arma y rescatar a la chica. Además, en ambas películas el protagonista tiene un límite de tiempo para el rescate ya que introducen en su organismo un virus/bomba para que en 24 horas acabe con él.

El primer film había sido una producción tirando a modesta que sabía aprovechar cada uno de los dólares invertidos para parecer mayor de lo que era. Su mezcla de futuro apocalíptico, acción, antihéroes y crítica social funcionó muy bien en taquilla. Además de dar pie al subgénero postapocalíptico, donde los italianos se hicieron los reyes del cotarro con varios productos que, en su mayoría, era serie Z infecta, rodadas con muy pocos medios y aprovechando cualquier descampado, edificio a medio derruir y naves industriales.

El universo de Snake Plissken quedó congelado durante casi 15 años, hasta que Kurt Russell se empecinó en retomarlo. Quizá porque su carrera iba falta de éxitos  o porque, según él mismo declaró, el Serpiente era su personaje favorito de cuantos había interpretado.

A Carpenter tampoco le sentaban muy bien los 90. Su intento de una serie con tintes a Historias de la cripta no pasó del episodio piloto, Body Bags (Bolsa de cadáveres), y Memorias de un hombre invisible y El pueblo de los malditos fracasaron en taquilla, mientras que En la boca del miedo, sin llegar a ser un fracaso, no acabó de funcionar como se esperaba.

Como he comentado, la cosa acabó siendo una nueva versión del anterior film y una reunión de amigos. Porque además de volverse a reunir Russell y Carpenter, este último volvió a echar mano de algunos de sus colaboradores: Debra Hill, que había sido productora de sus primeros films, producía y escribía el guión junto al director y el protagonista; Shirley Walker, compositora de la serie de animación de Batman y colaboradora habitual de Danny Elfman, hacía la banda sonora a medias con el propio Carpenter; Rick Baker se encargaba del maquillaje como ya hiciera en Starman y Body bags; y en cuanto a actores repetía con Robert Carradine y Stacy Keach, con los que ya había coincidido en Body bags.

 

El film fue vapuleado en su estreno, y a día de hoy mucha gente lo cataloga como la peor película de su director. Personalmente no iría tan lejos. Quizá parto con ventaja ya que el film de 1981 nunca me ha parecido gran cosa, por eso me parece que esta secuela/remake es bastante más entretenida que el original. Sí que es cierto que adolece más que nunca de ser serie B. Si en 1997: Rescate en Nueva York, las maquetas y los fondos pintados era lo que había y había que pasar por ahí sí o sí, en la segunda parte los cromas cantan mucho más (ahí está la escena surfera) y como estábamos en los 90 metieron efectos digitales, que es lo peor que podían hacer, ya que en la época todavía eran muy caros y si no te dejabas un fortunón en ellos podías caer en el ridículo más espantoso. Es el caso de la escena del submarino y el tiburón es más que alarmante.

Por lo demás es una de las macarranadas a las que nos tenía acostumbrados el tito John a finales de los 90 (Vampiros, Fantasmas de Marte) que o eras cómplice y te la tomabas en coña o las acababas de ver ridículas, y que su cast estaba bastante guay con Steve Buscemi, Pam Grier haciendo de travesti (recuperada a primer nivel por Burton en Mars Attacks! y este Carpenter, que fueron antes del Jackie Brown de Tarantino), un irreconocible Bruce Campbell y Peter Fonda.

Como es habitual en la filmografía de Carpenter, el film fracasó en taquilla sumando poco más de 40 millones cuando había costado 50. Pero eso no fue impedimento para que Snake Plissken siguiera dando guerra, al menos en el mundo de los cómics, donde, allá por 2003, tuvo una colección titulada John Carpenter's Snake Plissken Chronicles.

También hubo otro proyecto en el que se narraban los hechos anteriores al primer film, esto iba a ser una serie para televisión pero los atentados del 11S hicieron que el proyecto quedara en aguas de borrajas. Después se habló de un largo animado y de una tercera parte en imagen real titulada Escape from Earth, pero nada de esto ocurrió.

Lo que parece más probable es que acaben haciendo un remake de 1997: Recate en Nueva York. Y yo digo: ¿para qué?

Golpe en la pequeña China

Hay películas que van cogidas de la mano a nuestra infancia, y Golpe en la pequeña China es una de las que me alegraron en esos días. Una apuesta segura a última hora de la tarde de esos sábados que no sabías muy bien que hacer.

Por casa corría una copía original en VHS y solamente teniendo entre las manos esa carátula que remite a los seriales pulp, nada que ver con el cartel puramente zetoso de la edición gabacha (Les aventures de Jack Burton), ya sabías que algo bueno te ibas a encontrar.

Carpenter venía de unos inicios muy prometedores, aunque fue con La noche de Halloween (en su momento la película más rentable de la historia) que consiguió meterse de lleno en la industria. Pero los fracasos de La cosa o Christine (más en cuanto a expectativas que a recaudaciones) le ponían en una situación incomoda, fruto de la cual tuvo que hacer a regañadientes Starman.

No hay que ser muy avispado para ver la devoción del director por el western, la mayoría de sus películas son historias de cowboys: Asalto en la comisaría del distrito 13, 1997: Rescate en N.Y., Vampiros... Golpe en el pequeña China no podía ser menos, ya que la primera versión del guión que data de principios de los 80 trataba de un cowboy al que le roban el caballo, después de reescribirla y ambientarla en la actualidad se cambió el equino por el camión.

A Carpenter le llegó el proyecto casi de rebote, después de rechazar otro film muy similar, El chico del oro, y porque la Fox quería a alguien que rodase rápido. El director acabó imponiendo a varios actores pasando por encima de las preferencias del estudio: Kurt Russell, Kim Cattrall (que venía de pelis de comedias como Porky's o Loca academia de policía y una década después volvería a sus días de gloria con Sexo en Nueva York), James Hong (el fabricante de ojos de Blade Runner), Al Leong (el eterno chino de cualquier película de artes marciales que se precie), Victor Wong (el Miyagi de serie B de pelis como Tres pequeños ninja y secuelas).

Lo que pasó con esta película es muy curioso. La Fox estaba convencida que iba ser el gran éxito del año, lo tenía todo: efectos especiales, aventuras, fantasía, artes marciales (tan de moda en la época), un personaje chanante y carismático como Jack Burton... Todos se estaban frotando las manos hasta que llegó el momento de estrenarla, Golpe en la pequeña China no recaudó ni la mitad de los 25 millones que costó.

Al parecer, el mayor problema es que el estudio nunca supo como venderla. La película mezclaba demasiadas cosas y el supuesto héroe del film no era tal, todo lo contrario, era un tipo que no se enteraba de nada, que casi nunca estaba en medio de las peleas y era un bocazas. Así que la Fox no sé mojó demasiado en la publicidad confiando que el film se vendería solo, cosa que al final no sucedió.
Por contra el film tuvo una segunda oportunidad en el mercado doméstico, donde triunfó entre VHS y Betas para terminar de convertirse en otro de los muchos films de culto que pueblan las estanterías de los grandes almacenes.


A estas alturas de la vida dudo que quede alguien sin haber disfrutado de las aventuras del alter ego de Kurt Russell, así que poco más se puede añadir de este clásico moderno. Si acaso, como dice Jack Burton, ¿pero qué pasa?

Asesinato en 8mm

Parece que por estos lares el termino snuf movie lo inventó Amenabar con Tesis, pero mucho antes ya habíamos tenido contacto con Videodrome de Cronenberg. Cosas que pasan.

Evidentemente esto viene a cuento porque Asesinato en 8 mm habla de eso, de las películas en las que vemos asesinatos reales. Todo ello en la época buena de Nicolas Cage (que no la divertida), cuando ganaba Oscars y rodaba con De Palma o Scorsese.

Aquí lo tenemos haciendo de un investigador que es contratado por una millonetis que acaba de quedarse viuda. En una de las cajas fuertes de su marido encuentra una película de 8 milímetros en la que se puede ver como torturan y matan a una chica. Aquí es donde entra el investigador que encarna Cage, él será el encargado de investigar si esa película es real o ficticia.

Cuando uno se enfrenta a una película de Joel Schumacherse ha de preparar para lo peor (sus Batmans, Número 13) o cositas muchos más agradables (Un día de furia, última llamada), que aparte de esta irregularidad es un tío con una filmografía más bien incoherente.
Asesinato en 8 mm no es que fuese un proyecto personal, si no que se metió en él a modo de encargo cuando recibió la llamada de la Columbia para dirigiese un guión firmado por Andrew Kevin Walker.
  
Andrew Kevin Walker es un guionista que dio el pelotazo a mediados de los 90 cuando escribió Seven, cosa que le catapultó a ser uno de los más cotizados en su gremio, llegando a ser guionista en la sombra de The game, El club de la lucha u Horizonte final. Después de Asesinato en 8 mm se hizo cargo de Sleepy Hollow y desapareció del mapa durante años, hasta que en 2010 escribió El hombre lobo.

Con semejante currículum hay dar por sentado que el tipo suele darle un toque oscuro a todo lo que pasa por sus manos. Y eso es precisamente lo que pasó con el guión de la película protagonizada por Nicolas Cage, que era demasiado oscuro. La productora y Schumacher querían hacer algo más ligero y como el guionista se negó en redondo tuvo que ser el propio director el que hiciera retoques.

La película tiene muchísimas conexiones con Hardcore. Un mundo oculto, cambiando que en el film de Paul Schrader George C. Scott buscaba a su hija en el mundo del porno. Eran otros tiempos y en los 90 el cine X era otra historia.
En el film de Schumacher está todo muy contenido (fruto de esas reescrituras), con un Cage como en el de los buenos tiempos, que se mete de pleno en la investigación, llegando a empatizar con la supuesta víctima aun y sin conocerla. Algo así como lo que pasaba en Laura de Preminger. Cosa que ayuda mucho la figura de su hija recién nacida, lo que hace aflorar todavía más su vena paterna. Dando buena cuenta de su bajada a los infiernos al final del film (aunque con un anexo demasiado made in Hollywood).

Y aunque Asesinato en 8 mm es una película que empieza y acaba en sí misma y no necesita de ninguna continuación, en 2005 salió directamente a DVD 8mm 2, lo que se nos presenta como una secuela es simplemente un telefilm cochambroso que se aprovecha de usar el título porque no tiene absolutamente nada que ver con el film de Schumacher. Dirigida por J. S. Cardone, que tiene una filmografía como director repleta de bodrios infumables pero que como guionista ha hecho alguna cosa algo más con cara y ojos como Alien hunter, La alianza del mal de Renny Harlin o los remakes de El padrastro y Prom night; además de porquerías de pseudo-acción para lucimiento de Tom Berenger y Wesley Snipes. Tela marinera.
La película es una coproducción entre USA y Hungria donde un político de tres al cuarto se va con su mujer a un hotel y le da mandanga de la buena. Un buen día recibe unas fotos del tórrido encuentro sexual a modo de chantaje, con lo que el tipo, viendo peligrar su carrera política, comienza a investigar quien le ha grabado.
Efectivamente, más allá del título la relación entre este telefilm mugriento y el original es nulo. Ni siquiera es que detrás estén los mismos guionistas o productores, nada. A no ser que hubieran comprado los derechos del título no hay mucha explicación que darle a este pseudo thriller erotiquillo de tres al cuarto.

 

Ace Attorney

La Nintendo DS fue una portátil que me alegró algunas horas. No a los niveles de la antigua Game Boy, pero déu n'hi do.
Uno de los juegos que más disfruté en la consola fue Phoenix Wright: Ace Attorney, bueno, realmente casi toda la saga compuesta por cuatro títulos: Phoenix Wright: Ace Attorney, Phoenix Wright: Ace Attorney - Justice For All, Phoenix Wright: Ace Attorney - Trials and Tribulations y Apollo Justice: Ace Attorney. Luego habría un quinto, Ace Attorney Investigations: Miles Edgeworth, pero este no ha salido traducido y un servidor no está por esas labores.Hay que decir que esta saga lanzada por Capcom empezó en GameBoy Advance y ya en la DS adquirió otro tipo de jugabilidad gracias a la pantalla táctil.

The Warriors (Los amos de la noche)

Aunque desde chavalín que conocía la existencia de la película nunca me llamó demasiado la atención, es por eso que la vi siendo adulto. Seguramente por eso nunca le he sabido ver el porqué de todo ese culto. Ojo, que el film me gusta, pero me falta ese puntito para ponerla entre mis esenciales como la tienen otros.

Basada en la novela homónima de Sol Yurick de mediados de los 60, nos encontramos en pleno Nueva York, en una reunión de las diferentes bandas que pueblan la ciudad. Más de 100 mil tipos sedientos de sangre y violencia que han sido reunidos por Cyrus, un gurú de las bandas, que quiere juntarlos a todos ya que superarían en número al cuerpo de policía, con lo que podrían dominar la ciudad. Durante este celebración alguien le dispara y hace creer que han sido los Warriors, que deberán ingeniárselas para regresar a su barrio, Coney Island, mientras esquivan al resto de bandas.

Rodada por las noches hasta que salía el sol durante 2 meses y con mil extras en la reunión de bandas es a lo que se tuvo que enfrentar Walter Hill cuando su carrera todavía era notable. Este había recibido un ejemplar del libro enviado por el productor Lawrence Gordon, que simplemente se había encaprichado de él porque le gustó la cubierta.
Hill también se encargó del guión, siendo en una primera versión todo bastante más violento, muriendo varios de los componentes de los Warriors.

Una de las cosas que más me llaman la atención cada vez que la veo es su inicio. Ese plano nocturno de la noria del famoso parque de atracciones de Coney Island con una música de fondo que le da un aspecto puramente de película de terror. Es más, la estaba viendo con otra persona y me preguntó si era de miedo.
También es sensacional el montaje del inicio, donde se van encadenando planos del metro y de las diferentes bandas que nos introducen en la trama del film, consiguiendo una estética muy de cómic, que era lo que quería hacer en un primer momento su director, pero el presupuesto no daba para mucho más y la cosa se quedó ahí.

Curiosamente, en un primer montaje, este inicio era diferente, ya que ocurría de día y eso le quitaba la gracia de que todo el film ocurría de noche y terminaba al amanecer. Sin duda un acierto no incluir ese inicio.

Una de las cosas que más gracia me hacen del film es que muchos de los que participaron en ella acabaron en Xanadú: Lawrence Gordon y Joel Silver fueron los productores de ambas; Barry De Vorzon llegó hacer algunos arreglos en la banda sonora del film protagonizado por Olivia Newton-John; y, por supuesto, Michael Beck protagonizó ambas. Este comentó que toda la fama que le aportó The Warriors Xanadú se la quitó. Bueno, si luego se dedicó con horteradas como Megaforce, pues él mismo.

Más caras conocidas que nos encontramos en The Warriors: James Remar (A la caza, The Phantom), David Patrick Kelly (Las aventuras de Ford Fairlane, Twin Peaks), Steve James (El guerrero americano, La fuerza de la venganza) y el stuntman de Craig R. Baxley, que luego sería director de Acción Jackson y Ángel de la muerte.

El film tuvo un moderado éxito en su estreno, recaudando 16 millones de dólares (costó 7). Los productores se quejaron de la rápida desaparición de las copias en las salas ya que les habían acusado de fomentar la violencia. Cosa que hoy en día es de risa.
Y pese a que no rompió taquillas sí que  generó unas cuantas copias, sobre todo llegadas desde Italia como 1990: Los guerreros del Bronx y secuela (también influenciada por 1997: rescate en Nueva York).

Con el tiempo comenzó a generar cierto culto que propició la aparición de los ya clásicos muñequitos. Y como pasó con alguna película como Reservoir dogs, muchos años después aparición un juego para PlayStation 2, Xbox y PSP de la mano de Rockstar Games a modo de precuela.

Juego de cartas de Batman Returns

Todos conocemos la campaña publicitaría que generó el Batman de 1989. Montones de objetos con el logo del murciélago, todo valía con tal de vender.
Con Batman Returns intentaron repetir la jugada pero no les funcionó tan bien. La gente había acabado un tanto saturada de la batmanía y 3 años después ya no tenía gracia el chiste.

Una de las curiosidades que rondan por mis estantes es este juego de cartas de la inevitable casa Fournier.
Si vamos siguiendo el orden marcado podremos ir viendo instantanes del film mientras nos explican el argumento. Todo muy de aquella manera, muy para el público más infantil.
Y, además, con varias cagadas. No solamente en cuanto alguna que otra falta ortográfica, si no de traducción o incompeténcia del que escribió los textos. Nunca se menciona a Bruce Wayne, siempre es Batman y a Catwoman se la españoliza como Mujer Gato. Además de encontrar a un misterioso personaje llamado "Chico". Según la rumorología, en uno de los primeros borradores de guión aparecía el personaje de Robin, que iba a ser interpretado por Marlon Wayans que confirmó que había llegado hacer una prueba de vestuario. Ese personaje iba a ser un chaval negro fanático de Batman y un experto en mecánica, cualidad que le convertiría en el personaje que arregla el batmobile cuando Batman lo medio destroza para encontrar el localizador del pingüino. El nombre real de este personaje seríe Robin, pero cuando fuese el ayudante del hombre murciélago sería un simple "the kid". Todo esto daría a entender que los textos que aparecen en la baraja de cartas provienen de un versión muy temprana del guión.

El juego viene a ser el habitual en estos casos: conseguir una serie correlativa de cartas mientras se las robamos al rival. O sea, que el juego tiene menos gracia que el piedra, papel y tijeras.

Aunque en el fondo nunca me he puesto a jugar, al igual es hasta divertido. Ahí dejo las instrucciones para el deleite del personal

 

Parecidos clónicos (VI)

Max Wright (el pobre Willie de Alf) vs. Cristobal Montoro (cabronazo)

El secreto de la pirámide

Esta es una de las películas que siempre me trae a la cabeza esos días invernales de niñez que en la calle llovía y te quedabas en casa junto a la estufa de butano y de la cocina te llegaba ese calorcillo señal que tu madre estaría preparando una sopita. Nostalgia aparte, El secreto de la pirámide es de esas pelis que ahora, cuando comienza a notarse que llega el fatídico invierno, viene de gusto revisionar. Y si es con una sesión de sofá y mantita, mejor que mejor.

CQ

Si uno se pone delante de un film con este título, se entera que el director es Roman Coppola, que costó un dineral y que no recaudó ni lo que se gastaron en cafés, es entendible que uno no corra raudo a visionarla.
Y si un servidor le dio una oportunidad fue por el simple hecho que había leído en algún sitio que tenía referencia a Diabolik.

La acción pasa a finales de los años 60, Paul Ballard es un cineasta americano que se traslada a París para trabajar como montador en una película de ciencia ficción llamada Codename: Dragonfly, paralelamente se dedica a rodar un film más experimental con una pequeña cámara en blanco y negro a modo de diario.
La producción Dragonfly se convierte en un tira y afloja entre el director, que quiere darle un toque artístico a la historia, y el productor, que solamente quiere una película con mucha acción y que de dinero, con lo que este último acaba despidiendo al primero. Pero como falta por rodar un final se hace con los servicios de un tal Felix DeMarco, un director de películas de vampiras ligeras de ropa, pero cuando este tenga un accidente dejará que el montador Paul Ballard acabe de rodar el film.

Vivir rodando, Ed Wood, La sombra del vampiro, State and main... a un servidor siempre le han gustado estas películas de cine dentro del cine y CQ, sin duda, entra en el mismo saco.

Viendo un poco su argumento podemos darnos cuenta que en (muy) resumidas cuentas estamos ante una recreación del rodaje de Barbarella. Tenemos un director con insuflas de autor que se acaba enamorando de la protagonista (Roger Vadim); un director italiano que le importan un pimiento los logros artísticos mientras lo filmado dé dinero (De Laurentiis); todos ellos alrededor de una película con muchos efectos especiales repletos de maquetas y falsas perspectivas.
Aunque en cierto momento pasamos de una "recreación" a un "what if..." si a Vadim lo hubieran despedido cuando todavía no tenían rodado un final.

Pero no solo de Barbarella vive el hombre, también hay homenajes y referencias a Modesty Blase, Diabolik, 8 1/2, Teléfono rojo o El diario de David Holzman. O a personajes reales, el protagonista tiene un rollo Jim McBride o Félix de Marco es un cruce entre Jesús Franco y Jean Rollin.

A todo ello hay que añadirle genialidades como el ver como hacían esos trucajes de perspectiva tan Mario Bava, o como con una pecera y algo de tinta se marcaban unos planos psicodélicos.

En el film nos encontramos un montón de caras conocidas: Jeremy Davies, más conocido por ser el Faraday de Perdidos, es el protagonista; Angela Lindvall (Kiss kiss bang bang) y Billy Zane son los protagonistas de la película ficticia Codename: Dragonfly y John Phillip Law es uno de los jefes de la agente secreto Dragonfly; Gérard Depardieu, es el director que no consigue tener un final para el film y es despedido, no sin antes destrozar una puerta a puñetazo limpio; Jason Schwartzman es el director pasado de vueltas que tiene un accidente y deja el rodaje; Giancarlo Giannini es el productor italiano al que le importa más la taquilla que los logros artísticos de sus films; Dean Stockwell es el padre del protagonista. Además hay un cameo de Sofia Coppola, hermana del director.

Como comentaba antes el film fue un fracaso. Costó 7 millones de dólares y no ingresó ni medio millón en los USA, por estos lares ni se estrenó. Aquí te das cuenta de como están de aprovechados esos millones, todo luce a un nivel espléndido, la recreación de finales de los 60 es perfecta, nada de los aspavientos exagerados del kitsch colorista de Austin Powers.

Y es una lástima porque el film vale mucho la pena, con una banda sonora fabulosa (que por momentos parece sacada de algún disco de G. Milkywall, sobre todo el tema CQ Song), que seguramente muchos pensarán que es un rollo demasiado arty por estar firmada por Roman Coppola, pero nada más lejos de la realidad.

Un cos al bosc (Cuerpo en el bosque)

Joaquim Jordà seguramente es más conocido en su faceta de guionista (El Lute 1 y 2, Pau i el seu germà) o como director de documentales (Numax presenta..., Más allá del espejo), por eso un film como el que nos ocupa, una película detectivesca donde hay que encontrar al asesino de una chica, es algo que se escapa en su filmografía.

Runaway, brigada especial

De Michael Crichton todos conocemos su carrera en el mundo literario. Muchas de sus obras han sido llevadas al cine como Devoradores de cadáveres (El guerrero número 13), Esfera, Congo y, sobre todo, el mega blockbuster de Parque Jurásico.

Pero posiblemente es más desconocida, o menos conocida, su carrera como director de cine, aunque, curiosamente, muchos de estos títulos son bastante conocidos. Empezó a principios de los 70 escribiendo algún que otro episodio de una serie llamada Insight, para debutar como director en un telefilm titulado Pursuit y basado en su novela Binario. Como iremos viendo era muy amigo de adaptar al celuloide su obra.
Después de ese telefilm llegó Almas de metal, un clásico de culto protagonizado por Yul Brynner y James Brolin. Después vino Coma, una adaptación del libro del mismo nombre de Robin Cock protagonizada por Michael Douglas. De ahí pasamos a El primer gran asalto al tren con Sean Connery y Donald Sutherland, peli de época con ladrones de guante blanco que estaba basada en su novela El gran robo del tren.

Ya en los 80 dirige Ojos asesinos, donde Albert Finney era un cirujano plástico al que se le morían las pacientes. Y ya, por fin, en 1984 dirige Runaway, brigada especial. Protagonizada por Tom Selleck, que ya había tenido un papelillo en Coma y que vivía días de gloria gracias al éxito de Magnum, aunque su carrera cinematográfica no era precisamente para tirar cohetes después de tener que rechazar el papel de Indiana Jones o el escaso éxito que cosecharon La gran ruta hacia China o Lassiter.

Selleck interpreta a un policía experto en robótica que, en un mundo futuro donde los robots campan a sus anchas como un electrodoméstico más, se las tiene que ver con mecanismos que dejan de funcionar correctamente y acaban amenazando la vida de las personas. Justo cuando se le asigna una nueva compañera comienza a investigar a un tipo que utiliza los robots como armas mortíferas.

Junto a Magnum tenemos a Cynthia Rhodes, la prota de Staying alive (La fiebre continúa); Kristie Alley; Stan Shaw, el boxeador untado de Snake eyes; Joey Cramer, el niño de El vuelo del navegante; Chris Mulkey, el Hank de Twin Peaks y que luego protagonizó K-9000, un exploitation de Superagente K-9; G.W. Bailey, el Capitán Thaddeus Harris de Loca academia de policía; y el debut de Genne Simmons, el bajista y cantante de Kiss que aquí hace del malo de la función.

Runaway, brigada especial parece más bien un intento de hacer Blade runner pero sin demasiado presupuesto. No solamente el título nos recuerda vagamente al del film de Ridley Scott, si no que aquí también tenemos una banda sonora (cortesía de Jerry Goldsmith) llena de sintetizadores, y robots que dejan de hacer sus funciones para cargarse el personal.
Lo bueno de esa falta de presupuesto es que no tenemos naves espaciales o mega ciudades abarrotadas, si no que nos presentan una ciudad normal de la época, lo que nos da una sensación de un futuro más tangible, lo que además hace que, pese a sus casi 30 años, el film no haya quedado anticuado estéticamente. Eso sí, rodaron en Canadá para avaratar costes y usar un truquillo muy de la época (Perseguido, Robocop), buscar localizaciones reales con cierto aire "futurista" para ahorrarse decorados pero no dejar de darle al film una estética moderna.
Los robots que vamos viendo en el film nos pueden parecer terriblemente cutres (alguno parece una minicadena de la época con patas), sobre todo comparándolos con los de otros films, pero si lo pensamos detenidamente son muy reales, ya que si nos fijamos en los que manda la NASA a Marte veremos que parecen chasis de coches teledirigidos, algo con muy poco glamour. Así que punto positivo para Crichton, que supo darle cierto realismo a los androides pese a no tener dinero.

Parecidos clónicos

Por lo demás nos encontramos con mogollón de clichés: el prota es viudo y tiene un hijo; le meten una compañera de la que, evidentemente, acabará enamorándose; tiene un pasado tortuoso ya que se culpa a si mismo de la muerte de una familia a la que no pudo ayudar; y padece de vértigo, con lo que ya podemos intuir que el clímax de la película ha de acontecer en las alturas para que nuestro héroe pueda redimirse.
Es precisamente este final lo mejor del film, bien llevado y consiguiendo darnos angustia. Además de ser recordado por las arañas robóticas que lanzan ácido, detalle por el que todo el mundo recuerda la película.

La película pasó muy desapercibida en su estreno, haciendo que Crichton tardase 5 años en volverse a sentar en la silla de director, en este caso con Contra toda ley, un thriller protagonizado por Burt Reynolds que fue un auténtico fracaso en taquilla. Después de este film nunca más volvió a rodar, aunque irónicamente se hicieron películas basadas en sus novelas que tuvieron buenas taquillas o muy buenas, como es el caso de la saga de dinosaurios iniciada por Spielberg.

Ejecutivo ejecutor

Si en los 80 reinaron los asesinos enmascarados de los slasher, en los 90 pasaron de moda para dar paso a unos psychokillers más reales y tangibles. Personajes que ni llevaban máscaras ni tenían un aura sobrenatural, se trataba de darles un toque más terrenal, lo que hacía que nos afectara más la película. Ahora ya no eran seres resucitados los que perseguían a los pobres infelices con los que se topaba, si no tíos normales y corrientes con los cables cruzados, cualquiera podía ser el psychokiller: el vecino de al lado que se había cargado a toda su familia y las tenía enterradas en el patio, el panadero que carboniza a sus víctimas en el horno del pan... cualquiera era valido para darle tensión al asunto.