Navigator, una odisea en el tiempo

Recuerdo que esta peli me llevaron a verla al cine Comedia, allá por primavera del 90 (aunque la película es del 88, esas cosas que tiene la distribución de films pequeños) y salí bastante emparanoiado porque a quien se le ocurre meter a un niño de 9/10 años a ver estas historias rocambolescas. Esas cosas que tienen los padres mal informados, que ven un niño en plan medieval y ya se piensan que es infantil.

Pero pese a que Navigator está ambientada en la mitad o más de su metraje en la época medieval muy poco tiene de ese género. Aquí ni hay brujas, dragones y seres fantásticos, espadas, magos, reyes, castillos ni nada de eso.


Sino que tenemos a un chavalín que en el siglo XIV vive en un poblado del norte de Inglaterra que vive asolado por la llegada de la peste. El chaval tiene sueños premonitorios y en uno de ellos sueña que un acto de fe les librará de la peste, con lo que acaban montando una expedición para colocar una cruz de bronce en la torre más alta de la cristiandad, que está en las antípodas. Con lo que la expedición comenzará a cavar un túnel en dirección al otro lado del planeta.
Y ahí entramos en la trama fantástica, ya que consiguen atravesar todo el globo y una vez en el otro lado aparecen en la Nueva Zelanda del siglo XX.


Yo creo que es una idea bastante generalizada, pero personalmente me resultan muy cansinas estas películas donde personajes de épocas anteriores aparecen en la actualidad con el inevitable choque de mentalidad. Cosa que además siempre acaba derivando en la comicidad, ahí están los Austin Powers, Los pasajeros del tiempo, Los visitantes no nacieron ayer... Vale, quizá sean ejemplos muy drásticos pero ya me entendéis.

Por suerte aquí no juegan excesivamente con ese elemento, juegan más con el apartado fotográfico. Toda la parte que acontece en el siglo XIV está rodada en blanco y negro, rompiendo con los colores azulados y anaranjados del presente, dando justificación a los inicios pictóricos de Vincent Ward, el director, y que recuerdan a los vitrales eclesiásticos.


Navigator tuvo bastante éxito, sobre todo a nivel de premios y crítica. Y ya se los pudieron dar porque la producción pasó por numerosa penalidades.
Tardaron 4 años en rodarla, después de los 2 primeros no tenían suficiente dinero para seguir y tuvieron que suspender la producción y destruyeron todos los decorados que tenían. Un año después consiguieron reiniciarla aunque no con todo el presupuesto que tenían pensado. Se habla que necesitaban como mínimo 20 millones de dólares para poder rodarla como querían y no llegaron a esas cifras ni por asomo.
Aparte de tener que rodarla en lo más alto de los Alpes neozelandeses, donde curiosamente, muy cerca de allí, también se estaba rodando Willow, que acabaron "robándoles" a muchos de sus técnicos ya que en la peli de Ron Howard pagaban mejor.



Después del relativo éxito del film, Vincent Ward fue fichado para dirigir Alien 3, pero lo que pasa en estos casos, las insuflas de artista chocaron con los productores y acabó saliendo de la producción.
A partir de ahí se dedicó hacer un par de dramas y un documental. Aunque por en medio tuvo tiempo de meterse de lleno en el corazón de Hollywood con Más allá de los sueños, un tostón protagonizado por Robin Williams y Cuba Gooding Jr. que fracasó en taquilla que sólo destacaba por la dirección artística y los efectos (no por nada acabó ganando los Oscar en esos apartados).

Incident at Loch Ness

Hace 6 0 7 años se anunció que Werner Herzog estaba filmando un documental sobre el monstruo del lago Ness. Pero no solo eso, si no que se anunció que habían pasado sucesos extraños y que había muerto gente durante el rodaje. Evidentemente la sorpresa fue generalizada, ¿Herzog, un director más cercano al arte y ensayo, metido en un proyecto que seguía la estela de El proyecto de la bruja de Blair?

El documental tiró hacia adelante, se estrenó y no pasó absolutamente nada. Y no me extraña, porque Incident at Loch Ness tiene bastante tela. Pero vayamos por partes.
La historia de este supuesto documental parece una muñeca rusa ya que es un falso documental dentro de otro falso documental.
John Bailey, director de fotografía de films como Atrapado en el tiempo o En la línea de fuego, se dedica a rodar un documental llamado Werner Herzog in Wonderland sobre la figura de Herzog, que precisamente en ese momento está a punto de iniciar el rodaje de un reportaje sobre el monstruo del lago Ness. Así que veremos como el director de Fitzcarraldo se mete en la piel del narrador/presentador de un documental.


Hasta ahí podríamos pensar que estamos ante un making of puro y duro, como en su momento lo fueron Lost in La Mancha o Full Tilt Boogie, pero no, ya que en ese momento entra el falso documental, ya que el productor, Zack Penn (auténtico director de este Incident at Loch Ness y guionista habitual del cine superheroico con X men 2 y 3) tiene planeado, sin decirle nada a Herzog, usar diferentes efectos para hacer creer que hay algo en el fondo del lago.

Para darle más verosimilitud al asunto meten por en medio gente con nombre y apellidos, profesionales reconocidos que hacen sus tareas técnicas en el falso documental: Gabriel Beristain (director de fotografía de Blade II o Los dueños de la calle) o Russell Williams II (técnico de sonido ganador de dos Oscar's por Tiempos de gloria y Bailando con lobos). Además hay un par de apariciones la mar de bizarras: Jeff Goldblum y Crispin Glover, que casi ni se le ve.


Pero ni por esas, ni poniendo ahí a la creme de la creme del star system le pueden dar un mínimo de credibilidad a este falso documental. Se nota muchísimo que todos están actuando. A los 15 minutos ya notas que algo va a mal (mucha discusión forzada sin venir a cuento) pero a los 20 minutos ya sabes que se están riendo del espectador en su cara. Evidentemente no falta el momento que el productor amenaza a Herzog con una pistola para que siga rodando al igual que éste hizo en su día con Kinski (véase foto inferior).
Y encima la música, madre del amor hermoso ¡que música! Parecen los descartes de Solo en casa. Tienen un tono de comedieta de los años 20 con cámara acelerada y pastelazos en la cara que tira al traste cualquier intento de causarnos un mínimo de incomodidad.
Al final de todo esto uno no puede dejar de pensar que Pauly Shore is dead era gloria bendita.


Viendo esta caquita prefiero quedarme con otro falso documental que también seguía la estela de El proyecto de la bruja de Blair, El experimento de Francesville del "gran" (léase las comillas) Ted Nicolaou, film mucho más pobre y precario pero mucho más divertido y con algún que otro momento que da canguelo.
Avisados quedan.

El retorno del dragón (The green hornet)

Ni me interesa este nuevo The Green Hornet que acaban de estrenar (¿la gente todavía pica viendo semejantes trailers?) y mucho menos cualquier cosa que vaya firmada por Gondry (no se me ocurre un director menos adecuado para un blockbuster de estas características), que su filmografía hasta el momento me parece bastante olvidable por decirlo de forma suave.

Peeero el serial de los 60's sí que me parecía que podía tener gracia (cuan equivocado estaba), que si el coche ese tan chulo, Bruce Lee, las máscaras, la entrada secreta... vamos, que ahí veía cositas interesantes.


Un año después de la muerte de Bruce Lee se estrenó en salas espanyolas dos presuntas películas de la serie The green hornet o más conocida aquí como El avispón verde que en el fondo simplemente eran un conjunto de episodios remontados uno detrás del otro. Ni siquiera se molestaron en unos títulos de crédito e incrustaron los de la serie, que tanto le deben gustar a Tarantino que fusiló la sintonía en Kill Bill.

La primera peli simplemente se llamaba El avispón verde, la segunda, estrenada (o remontada) dos años después fue este El retorno del dragón.

La peli tiene la gran cagada de ser tres episodios al uso, con lo que si uno no sabe nada del personaje, de su compinche Kato, del coche, etc., pues seguirá si enterarse de nada porque aquí van directos al grano en historietas de lo más ramplonas. Con una realización parca y ramplona, llena de interiores, planos medios y más estáticos que un carámbano.


Leído lo escrito ya vemos que nos encontramos con otro serial más de los 60's, que en su momento estaría muy bien pero en la actualidad está más pasado que las maracas de Machín.
Al final lo único salvable es el coche y ni siquiera se le saca mucho partido, algo así como en el serial del Batman de Adam West.

Comparación nada al azar, ya que ambas series se emitían en la misma cadena, ABC, tenían al mismo productor, usaban unas cortinillas de transición similares y además hicieron un crossover donde los dos protagonistas de la serie aquí comentada hacían una visita a la Gotham City televisiva.

Por lo demás Green Hornet eso otra de esas series que nos puede llamar la atención pero que cuando la revisionamos... ¡vendita nostalgia!

Clásicos Keaton: Caballero y asesino (The Merry Gentleman)

Debut de Michael Keaton en la silla del director (anteriormente ya había estado en labores de productor ejecutivo en La última noche y La última oportunidad), a la que fue a parar de forma casi rocambolesca, ya que en principio el film tenía que ser dirigido por Ron Lazzeretti, también autor del guión, pero un ataque de apendicitis le obligó a cederle el cargo al protagonista de los primeros Batman. Eso sí, aceptaba siempre y cuando él pudiera hacerse cargo de la elección de algunos participantes en la película. Entre sus elecciones estaba el director de fotografía Chris Seager, con el que ya había coincidido en White noise, y la protagonista Kelly Macdonald (No es un país para viejos).

Y aunque este es el debut de Keaton en un largo ya había estado dirigiendo un chorto a mediados de los 80 para el programa de su amigo David Letterman y un documental sobre el mundo del rodeo que, evidentemente, no tuvo ningún tipo de repercusión.


The Merry Gentleman narra la extraña amistad que surge entre un asesino a sueldo (Keaton) con tendencia suicida, que durante el día es costurero en una tienda de ropa, y una chica (Macdonald) que ha cambiado de ciudad escapando de su marido maltratador. Por en medio aparecerán la pareja de policías que investigan un asesinato de Keaton que tiene como testigo a la chica maltratada y la aparición del marido maltratador.


Aunque en un principio pueda dar la sensación que la película es de un estilo love que tira de espaldas nada más allá de la realidad, se podría catalogar más bien como drama crepuscular. La relación entre los dos protagonistas es de amistad, de dos personajes lacónicos (tan lacónicos que Keaton durante la primera media hora no pronuncia ni una sola palabra) que están solos en época navideña.

El film no es una obra maestra, ni mucho menos, pero se deja ver muy bien. Y si no fuera porque es muy rebuscado diría que es una especie de versión moderna de Jinete pálido, al menos tiene muchos puntos en común.
Sin caer en el cutrismo se le nota la modestia (poco presupuesto y apenas 4 semanas para rodarla), aunque no molesta ya que es un film de personajes que se centra básicamente en la pareja protagonista.
Un detalle que me ha hecho mucha gracia es la banda sonora, que tiene un estilo minimalista muy del estilo que estaba tan de moda en los 90 para este tipo de películas independientes.

Diferentes cartelicos de la peli

La película fue posible gracias a un grupo de cineastas independientes (que calificativo más ridículo, ¡por Dios!) de Chicago que pusieron los 6 millones que costó.
Y ya se sabe que en estos proyectos indies o independientes siempre hay problemas de distribución. En un principio Samuel Goldwyn Films se hizo con su distribución en USA que tenía previsto estrenarla en navidades de 2008 (previo pase por Sundance, donde obtuvo muy buenas acogida) pero sus problemas financieros retrasaron su estreno un año más tarde en circuito minoritario. En el resto del mundo ha salido directamente en DVD de forma muy minoritaria y por aquí ni está ni se le espera.
A todo esto hay que añadirle que Keaton acabó renegando del montaje definitivo, lo que propicio una guerra entre él y los productores que le acusaban de no haberla promocionado como es debido. La cosa acabó en los tribunales. Como tiene que ser.

Nota (octubre de 2012): Al final Versus a tenido a bien editarla en DVD por estos tristes lares.

Capitán América

Como ya comenté en su día, la Cannon, esa productora que vivió sus días de gloria en los 80, se había ido al traste por culpa de la pobre acogida que tuvieron sus producciones más ambiciosas: Lifeforce, Masters del universo y Supermán 4.
Uno de los hombres fuertes de la productora, Menahem Golan decidió dejarla y meterse de lleno con la 21 Century Film, que realmente ya existía desde principios de los 70 y que, aún produciendo algún film, se dedicaba a la distribución. Ella distribuyó en los USA bastantes películas italianas y chinas: El pájaro de las plumas de cristal, Los supergualdaspaldas o Manhattan baby, entre muchas otras.

Fue con la entrada de Golan que la 21 Century Film volvió a meterse de lleno en la producción, con algunos títulos, cuanto menos, llamativos: El fantasma de la ópera (versión Robert Englund), La noche de los muertos vivientes (el remake de Tom Savini) o Lambada, el baile prohibido (¿alguién se acuerda de esto?).

Y es en este preciso momento cuando entra el capitán América. La jugada de Menahem Golan era clara, repetir el éxito que había tenido el Batman de Tim Burton en el verano americano del 89. Capitán América tenía que tener un estreno por todo lo alto en verano del 90 aprovechando los 50 años del nacimiento del personaje del cómic.

Cartel del estreno en cines en el 79

Hay que decir que el personaje creado por Simon y Kirby ya había tenido su encarnación en el celuloide. La primera vez fue interpretado por Dick Purcell a mediados de los 40 en un serial de 15 episodios que apenas llegaban al cuarto de hora producidos por la Republic Pictures.
Tuvieron que pasar más de 30 años para que el capitán América volviera a la pantalla, concretamente en 1978, en un telefilm que la Universal produjo para la cadena CBS, que también se encargó de emitir las series de Spiderman y Hulk. Este telefilm fue dirigido por Rod Holcomb (especialista en telefilms y teleseries) y protagonizado por Red Brown (Strike Commando).
Un año después se rodó una segunda parte titulada Captain America II: Death Too Soon, que aquí se proyectó en cine bajo el título de Captain América. En la secuela repetía Red Brown como protagonista y como villano Christopher Lee hacía de un terrorista latino; y en la dirección estaba Ivan Nagy (otro habitual de telefilms y series).


Volvamos con la película de la 21 Century.
Lo que hizo Golan fue buscar la mayor cantidad de dinero posible asociándose con otras productoras: Marvel Enterprises, que la única experiencia que tenía eran aquellas series (des)animadas bochornosas de sus personajes en los 60, y Jadran Film, productora croata que en aquella época era una de las compañías más fuertes de Europa central especializada en coproduciones (varias de ellas ganadoras de Oscar).


Así lo que tenía que ser una producción de cierta envergadura (se hablaba de más de 10 millones de la época) acabó por no conseguir el dinero suficiente para ser la gran superproducción esperada y se acabó contando con un equipo de segunda fila.
En la dirección un clásico de la Cannon, Albert Pyun. Aunque en un principio Dolph Lundgren tenía todas las papeletas para interpretar al capitán América acabó declinando el papel ya que estaba rodando otra adaptación Marvel, The Punisher, para acabar interpretado por una especie de Herman Monster con flequillo, Matt Salinger, que quien lo iba a decir es el hijo de J. D. Salinger.
El malo de la función no podía ser otro que Cráneo Rojo, que acabó en manos de otro desconocido, Scott Paulin.
Y para el resto del reparto se podía encontrar alguna cara conocida: Francesca Neri, Ned Beatty (que apenas sale 15 minutos), Michael Nouri (Flashdance, The hidden) y Ronny Cox (el malo de Robocop y Desafío total).
Entre la falta de presupuesto, un reparto bastante desangelado y que la mayoría de la película se rodó en Yugoslavia nadie podía esperar nada bueno.
Por eso el gran estreno que tenía previsto en verano del 90 se fue post poniendo hasta que en verano del 92 apareció directamente en vídeo (aquí de la mano de la terrible Record Vision).


Capitán América realmente no es tan mala como pueda parecer. Este Capitán América sigue bastante fielmente la historia del cómic (salvando algunos cambios) y el traje de látex no está mal del todo (fue fabricado por la misma empresa que hicieron el traje del primer Batman de Michael Keaton) salvando las orejitas de plástico. Incluso los primeros minutos, cuando pasan en la base de Cráneo Rojo pintan bastante bien, no a un nivel de superproducción pero sí de telefilm de lujo (para la época). Pero esas buenas sensaciones se van desvaneciendo mientras pasa el metraje y vemos como los medios van disminuyendo, evidente caso de que el presupuesto se les agotó rápidamente.
O por tocar otro tema, la banda sonora. Terrible! De lo peor que he escuchado en una película por muy zetosa que fuera. Todo lleno de sintetizadores de videojuego rancio.

Bueeeno, es malilla, pero una vez sepamos lo que vamos a ver (una serie B) la película se deja visionar e incluso asistimos atónitos a escenas con un montaje muy trepidante con varios planos por segundo. Es en este punto cuando nos damos cuenta que algo ha pasado durante el montaje, porque es extraño ver escenas tan bien resueltas y otros fragmentos tan mal hechos donde no paran de verse los micros colgando por encima de los actores o sombras de grúas.
No es de extrañar que Steve Tolkin, el guionista, acusó a Golan de todo el desastre, ya que el primer montaje del film duraba cerca de 4 horas y el productor se encargó de la edición final dando tijeretazo a cualquier secuencia sin reparar que los cortes afectaban a la trama. Por ejemplo, nos quedamos sin ver una lucha en un circo romano entre el capitán América y unos gladiadores enviados por Cráneo Rojo, persecuciones acuáticas o la parte donde el protagonista intenta entender la mentalidad de los años 90.

Top 5 de las mejores muertes de Argento (y V)

Y por fin el número 1.
Terror en la ópera (1987). Con este film Argento comenzó su personal declive del que nunca salió. Realmente el film fue una venganza personal después de haber estado preparando para teatro una versión vampírica del Rigoletto de Verdi/Piave que los responsables del Sferisterio Teatro di Macerata le arrebataron en plena preparación para entregársela a otro director de cine italiano, Mauro Bolognini.

La prota es perseguida por el maloso de la película. Se esconde en el piso de Daria Nicolodi. No hay luz en el edificio. Alguien llama al timbre de la puerta. La Nicolodi mira por la mirilla para ver la "supuesta" placa de policía del que está al otro lado de la puerta y... ¡mamá, ya soy un hombre!