Máxima tensión

A bote pronto, si te plantas con un telefilm que se llama Máxima tensión, está protagonizado por Casper Van Dien y te lo visten con semejante cartel, lo primero que piensas es en huir sin mirar atrás. Pero ojito, que cuando leemos la sinopsis la cosa cambia.

Un periodista (Casper) venido a menos y con un pasado traumático, ya que unos compañeros murieron por su culpa mientras cubrían el incendio de una central nuclear, acaba en un periódico de mala muerte, puro sensacionalismo barato. En su primer día en la redacción se dedica a mirar en la base de datos, donde se encuentra fotografías de diferentes desastres en la historia de la humanidad (el Titánic, el dirigible Hindenburg, etc). Y cual es su sorpresa que en todas las fotos aparece la misma persona. Siempre idéntica, sin envejecer o cambiar lo más mínimo.


Parece que al final Máxima tensión mola, ¿no? Pues nada, es una mierda. Pero muy gorda.
Cierto es que el punto de partida es muy bueno, con ese estilo de relato corto de ciencia ficción, pero es que eso es lo que te explican los primeros 15 minutos, luego es un rollo de acción barato, donde los dos protagonistas son perseguidos por el FBI y otra pareja que se supone que son los "malos". Porque en ese primer cuarto de horas vemos claro que todo no es más que ATENCIÓN SPOILER una nueva tuerca de El sonido del trueno.

Aunque tampoco uno se lleva muchas sorpresas cuando ve que el título original del telefilm es The Time Shifters; pese a que luego, en su distribución a DVD y vídeo, la retitularon como Thrill Seekers (¿Buscadores de emociones? No me jodas).

Una de las pocas cosas que me sorprendió positivamente fueron un par de secuencias que técnicamente están fetén: una colisión de dos aviones y el descarrilamiento de un tren. Todo tremendamente sospechoso, ya que luego había unos efectos de explosiones que eran patéticos. Al final, para descubrir los trucos hay quedarse a los títulos de crédito finales. Resulta que la productora compró secuencias de otras películas de mayor empaque, a saber: Asalto al tren del dinero y Turbulence.

Cuidao, que voy toloco. Tolocooo!

Me resulta curiosísimo como el loser de Casper (que, la verdad sea dicha, me cae bien) en 1999 podía hacerte dos telefilms verduleros como este Máxima tensión y Shark attack y luego tener un papel con bastante protagonismo en el Sleepy Hollow de Tim Burton. Si alguien pensaba que apuntaba alto cuando hizo Starship troopers lo llevaba claro.

Dirigida por un tal Mario Azzopardi, un maltés que ha hecho carrera en televisión, básicamente con series basadas en películas de éxito: Robocop, Los inmortales, F/X: efectos mortales, Stargate o Desafío total.
En el reparto, aparte de Van Dien poco o nada que destacar. Si acaso Julian Richings, actor de pintoresco aspecto visto en Cube o en la serie Kingdom Hospital. Y luego tenemos un brevísimo papel, que debió grabar en una mala tarde, a Martin Sheen, dispuesto a lo que sea por coger un cheque.

Lo dicho, punto de partida más que interesante, que podía haber dado mucho de sí en el caso de haber dilatado más la trama (como ocurría en Huida a través del tiempo, telefilm con Jeff Daniels de 1992 con un argumento idéntico), acaba enmerdado en una trama de persecuciones y tonterías varias (¿no he comentado que Casper, aparte de su trauma por sus compañeros fallecidos, está separado y lucha para que el vástago de dicha unión lo vea como un buen padre? Pues eso, más mierda) que acaba como el rosario de la aurora. O mejor dicho, como un telefilm de sobremesa en Antena 3.

Troll

Carátulas míticas hay muchas, pero, sin duda, ésta era de las mejores que podíamos encontrar en los videoclubs. De la época, se entiende.

Del argumento de Troll (también conocida como Torok el troll) poco habría que decir porque todo el mundo la debe conocer. Pero para hacer "cinc cèntims": familia compuesta por papá, mamá, hijo mayor y niña pequeña se mudan de casa, aterrizando en un edificio con unos vecinos que no tienen nada que envidiar a los de La que se avecina. Por ahí aparece un troll que acaba tomando la apariencia humana de la niña, con la intención de ir apoderándose de cada uno de los apartamentos del edificio cual promotor inmobiliario para convertirlos en bosques llenos de seres mitológicos.



Troll comenzó en los lares de la Empire, productora de serie B que hacía las delicias del respetable con cositas del calibre de Ghoulies, Re-Animator y "secuela" o Dolls.
Todo gestado a partir de un tratamiento de guión por parte de John Carl Buechler, que luego fue pasado a Ed Naha que escribió el libreto definitivo.

Como suele ser habitual en las producciones de la Empire, toda la producción contaba con los "habituales": John Carl Buechler (que había estado detrás de los efectos de Ghoulies o Trancers) como director; Ed Naha (Dolls y luego Cariño, he encogido a los niños) en el guión; Richard Band (Zone Troopers, Re-Animator, TerrorVision), como no, en la banda sonora; y, por supuesto Albert y Charles Band produciendo.



Y con un reparto lleno de caras que, en su mayoría, conocieron mejores tiempos y que en la época de la película (1986) estaban en su punto decadente: Noah Hathaway, el Atreyu de La historia interminable; Michael Moriarty, visto en tropecientas pelis, sobre todo en las de Larry Cohen; Shelley Hack, la que fuera una de Los ángeles de Charlie; Sonny Bono (!!!!), más conocido por ser pareja de Cher y que en Troll saldrá no más de 15 minutos; Phil Fondacaro, enanito visto en muchas pelis bajo capas de maquillaje, entre ellas La pandilla basura; y una debutante Julia Louis-Dreyfus, que unos años después saltaría a la fama gracias a la serie Seinfeld.

Viva er Beti manque pierda

Mucho se ha hablado sobre que el padre de la familia se llame Harry Potter y su hijo Harry Potter Junior, siendo éste un chavalín que acaba luchando contra duendes y demás seres fantásticos, con lo que le podemos buscar serios paralelismos con la obra de J. K. Rowling. O sobre el famoso gorro de pescar con un escudo del Betis que luce el padre de familia. Muy posíblemente porque la Empire estaba rodando al mismo tiempo Eliminators en tierras españolas; con lo cual que alguien le llevara un souvenir en forma de gorra del Betis a Moriarty es más que probable. No olvidemos que en aquella época casi todas las películas de la Empire se rodaban en Italia, en los estudios de Roma que le compraron a Dino De Laurentiis.



Aunque fue un film con poca distribución debió tener suficiente éxito (costó un millón de dólares y racaudó cinco veces más solamente en los cines americanos) que unos años después apareció una secuela, en la que la Empire nada tuvo que ver, producida por Joe D'Amato y que aquí sacó en vídeo la Columbia con el título Monster Valley. Y que si es conocida es por su condición de ser conocida por ser una de las peores (para algunos la peor) películas de la historia. En nuestras tierras llamada Monster valley y lanzada por la mismísima Columbia.

Volviendo al Troll de 1986. La película, pese a que se vendía como de terror, está más cercana al género de fantasía. Que salvo la escena de Sonny Bono (seguramente lo más truculento del film) es muy para todos los públicos, con cierto tufillo a peli de aventurillas juveniles.
Los efectos, o más bien maquillajes, cumplen. El troll protagonista está genialmente hecho, no así el resto de personajes, que en su mayoría no muppets biscosos con demasiadas similitudes a los Ghoulies. Con lo que nos queda una producción de serie B que aguanta bastante bien el tiempo, teniendo su ritmillo, sumándole que apenas supera los 80 minutos se nos hace agradable de ver y no llega hacerse pesada.

Vidocq

Eugène-François Vidocq fue el primer director de la Brigada de seguridad en la Francia de principios del siglo XIX. La vida de Vidocq es sumamente interesante. Desertó del ejercito después de golpear a un superior para evitar la pena de muerte; se convirtió en contrabandista y ladrón, amigo de las fiestas y prostitutas; pasó innumerables veces por la trena pero siempre acababa escapando; se reconvirtió en maestro en un pequeño pueblo, pero fue expulsado de él al propasarse con las alumnas; finalmente, a cambió de ser perdonado de todas sus penas, se convirtió en informador de la policía aprovechando sus contactos. Una vez dentro del sistema consiguió crear la Brigada de seguridad, formada en su mayoría por ex delincuentes. Finalmente, después de abrir una imprenta y publicar sus memorias, abrió la primera agencia privada de detectives.

Ángel de la muerte (Dark angel)

Reunión de todos los tics de la serie B en el ámbito acción-policíaco que hacía las delicias de los habituales del videoclub hace 20 años. Con un Dolph Lundgren a la cabeza una vez ya asentado en la segunda división de los action hero.
Con unos inicios prometedores con Rocky IV y Masters del Universo (dejemos de lado Panorama para matar), pero con Red scorpion y El vengador (The punisher) la cosa derivó a esa segunda división regentada por Seagal y Van Damme. Para más tarde caer en los "directo a DVD" por mucho que Sly le haya dado unos minutos en su película pajera.



Por aquí nos encontramos a Lundgren (conservando todavía el tinte de pelo que le colocaron en The punisher) haciendo de poli que se toma su trabajo de policía poco más que como una religión (cosa que acaba afectando a su vida sentimental, of course) y mientras está preparando una redada, se mete en medio de un atraco a un super, dejando a su compañero (el negro que palma siempre, vamos) sin cobertura en la operación y acaba relleno de plomo.
Los mafiosetes que se han cargado a su compi son a la vez asesinados brutalmente, con lo que nuestro héroe se enfrasca en este nuevo caso a la vez que le endosan un nuevo compañero, un agente del FBI, con el que descubrirá que los asesinatos son obra de un ser extraterrestre.

¿Algún problema?

Con este argumento, que nos puede recordar ligeramente al Hidden de Jack Sholder, nos encontramos una peli sencillita pero agradable de ver.
Donde por mucho marciano que haya son de aspecto humanoide. Pero pese a no encontrarnos a un ser repulsivo y baboso tiene su encanto. Sobre todo cada vez que espetaba un "vengo en son de paz" sabías que alguien iba a palmarla con ese tubito que le salía del brazalete para absorver las endorfinas de sus víctimas, ya que en su planeta es una droga. Vamos, el camello galáctico de toda la vida. Aunque lo que más recordaremos es el famoso CD (cuando todavía era época que lo veíamos como algo futurista) que rebana pescuezos.



Aparte de Lundgren, la estrella de la función, tenemos a Brian Benben haciendo de agente federal, actor no muy conocido pero que nos puede sonar de aquellas serie llamada Sigue soñando. Aparte, mini aparición de Michael J. Pollard (Bonnie & Clyde, Los fantasmas atacan al jefe) y de nuestro chino favorito, Al Leong.
Dirigiendo Craig R. Baxley, que empezó como coordinador en las escenas de acción y director de segundas unidades (Depredador, Mr. Majestyk) para reciclarse en director puro y duro, especializado en telefilms basados en la obra de Stephen King (La tormenta del siglo, Rose red, Hospital Kingdom).


Lo dicho, con un estilo de acción muy "para todos los públicos", escenas de persecuciones, tiroteos pero con poca mala leche y una ingenuidad bastante cercana a El equipo A, por hacernos una idea. La peli, siendo un producto bastante blanco, es agradable de ver para el que no pida demasiadas estridencias.

Las aventuras secretas de Tom Thumb

Película que vendría ser una revisión del cuento de Pulgarcito (para los anglosajones Tom Thumb), donde un matrimonio tiene un hijo diminuto, con más pinta de feto que otra cosa (explicado en la película pero que dejaré en el aire para sorpresa del posible espectador), que acaba siendo capturado por unos científicos que quieren experimentar con él.

La pandilla basura

No sé si todavía se hará, pero me acuerdo que de chinorri había días que uno salía del colegio y veía una aglomeración de gentío poco habitual. Un adulto rodeado de mocosos encolerizados con los ojos fuera de órbita solamente podía significar una cosa: estaban repartiendo cromos y álbumes de alguna nueva colección.

Entre tomas (VI)

John Phillip Law y Mario Bava

A finales de los 30 nació John Phillip Law, hijo de un sheriff llamado John Law (Juan Ley). Siendo un bebé ya hizo sus pinitos en el cine, pero no fue hasta su estancia en la universidad, mientras estudiaba psicología, que decidió matricularse en interpretación con el simple propósito de librarse de su gran timidez.

No fue hasta después de algunos papeles como extra y algunas obras de teatro que haría su primer papel importante en Hollywood con ¡Que vienen los rusos! Después se incorporaría al rodaje de La noche deseada de Otto Preminger, donde coincidiría con Jane Fonda, la que le recomendó a Roger Vadim para su nueva película, Barbarella. Pero el retraso de su filmación hizo que acabara fichando por otro film del productor Dino De Laurentiis, Diabolik. Ambas rodadas en Italia, con lo que Phillip Law acabó viviendo en la mansión de la pareja Fonda y Vadim, donde se dice que hubo bacanales para parar un tren como él mismo recordaba: "Celebraban orgías con gente llegada de todas partes. Vadim me insinuó que le gustaría verme haciendo cosas con Jane (Fonda). Pero las orgías no me acabaron de gustar, me sentía incomodo."

Apunto estuvo de convertirse en uno de los grandes en Hollywood, pero las dos películas que lo tenían que catapultar (Diabolik & Barbarella) no funcionaron, a eso hay que añadirle que rechazó participar en dos films que le podían haber dado un vuelco a su carrera: Easy Rider (En busca de mi destino) y Cowboy de medianoche. Aunque él siempre dijo que "nunca quise ser una estrella sino un actor, que no es lo mismo".

Pero pese a ese culto, entrados los 70 hasta el 2008, año en el que murió, se movió (salvo alguna excepción como El viaje fantástico de Simbad) básicamente entre la serie B y la Z. Films (muchos italianos) que en su mayoría eran puramente alimenticios: Striker de Castellari, Alienator de Olen Ray o La maldición del 49 de John Carl Buechler.

Pero aunque no llegó a lo más alto hoy en día a se le tiene como un actor de culto, "porque soy el protagonista de tres películas de culto, Diabolik, Barbarella y El viaje fantástico de Simbad. He rodado más de sesenta películas, pero siempre se me recuerda y rinde homenaje por estas tres."

El misterio de la dama blanca

Clasicista película de fantasmas que piden ayuda. Esta vez enmarcada en un pequeño pueblo americano de principios de los 60, donde el racismo sigue latente. El protagonista, un chavalín de 10 años, víctima de una gamberrada de sus compañeros, se queda encerrado la noche de halloween en la escuela. Allí presenciará la aparición del fantasma de una niña que fue asesinada años atrás. En medio de este susto será sorprendido por un hombre que lo atacará, dándolo por muerto. Una vez pasados estos acontecimientos el chico tendrá que descubrir qué pasó con la niña y quien es esa figura que le ha intentado matar.



Dirigida por Frank LaLoggia, que aquí ejerce de hombre para todo componiendo la banda sonora, produciendo, guionizando y dirigiendo. Y ya sabemos que el que mucho abarca... Aunque, todo hay que decirlo, su banda sonora es soberbia.
Entre los actores tenemos al protagonista, un Lukas Haas que seguía aprovechando la fama que Único testigo le había dado 3 años atrás, y que le da al personaje ese tono de fragilidad que le va estupendo al papel.
Y poco más, si todo caso destacar a Jared Rushton, el amigo de Tom Hanks en Big o uno de los protagonistas de Cariño, he encogido a los niños.


El principal problema del film es que, al igual que su director, intenta abarcar demasiado: películas de fantasmas, cine costumbrista con esa familia italiana, investigación, toques humorísticos y crítica social. Todos esos elementos hacen que la duración se eleve en demasía (2 horas) y que el ritmo sea una montaña rusa que sube y baja constantemente; donde lo que nos mantiene enganchados es todo lo que respecta al misterio de fantasmas y asesinos.
Además de contar con unos efectos especiales (básicamente cromas) que son realmente infectos, incluso para ser un film de 1988.


Aun y así merece la pena darle una oportunidad y catar el sabor añejo del que hace gala, con esa estética tan de la época (la escena de la fiesta de halloween en el colegio seguro que fue tenida muy en cuenta en la estupenda Truco o trato unas décadas después) y una magnífica fotografía.
La película pasó totalmente inadvertida en la taquilla americana, apenas recaudó menos de 2 millones de dólares, y eso que costó 5. Seguramente ese pseudofracaso, entre otras cosas, le ha ayudado a tener un pequeño culto.

Blancanieves. La verdadera historia

Aunque pueda parecer que ahora han descubierto que de los cuentos clásicos se le puede sacar una lectura adulta y se están apresurando a sacar películas del estilo. El año pasado teníamos una muy mediocre Caperucita roja (¿A quién tienes miedo?) y actualmente se están ultimando dos proyectos demasiado parecidos (algo así como cuando teníamos aquellos duelos de Robin Hood, príncipe de los ladrones vs Robin Hodd, el magnífico o Cristobal Colón. El descubrimiento vs 1492. La conquista del paraíso) Blancanieves (Mirror, mirror) y Blancanieves, la leyenda del cazador con Julia Roberts y Charlize Theron haciendo de malas. Aunque el proyecto que más promete es el de Maléfica con Angelina Jolie, que tenía que haber dirigido Tim Burton y ahora dicen que acabará en manos del debutante Robert Stromberg.

Entre tomas (V)

Hay binomios en el cine que son inseparables. De la misma manera que hay un Hitchcock/Herrmann, un Cronenberg/Shore o un Burton/Elfman, la filmografía de David Lynch no se podría entender sin Angelo Badalamenti.
Este señor con nombre de filósofo griego comenzó en la filmografía del director con Blue velvet, a partir de ahí se ha encargado de la mayoría de su filmografía: Corazón salvaje, Carretera perdida o Mullholand Drive, donde hizo un pequeño papel como el tipo que escupe el café.
Aunque curiosamente su trabajo en el cine ha pasado bastante desapercibido cuando ha trabajado para otros directores: Pesadilla en Elm street 3, La ciudad de los niños perdidos, La playa o Cabin fever.

La batalla del planeta de los ewoks

Muy bien le debió ir a George Lucas con el telefilm de los ewoks que un año después ya tenía preparada una segunda parte.
Aquí la acción se desarrolla justo después del primer film. La familia de humanos que se estrellaron en Endor tienen la nave reaparada y a punto para volver a su casa cuando el poblado ewok es asaltado por los marauders, que se cargan a todos los humanos menos a la hija pequeña, que se queda vagando por los bosques acompañada por su amigo ewok, Wicket, ya que el resto del poblado ha sido capturado y encencerrado en las mazmorras de Terak, una especie de rey para los marauders.

La aventura de los ewoks

Si el Tiburón de Spielberg fue el que creó el blockbuster veraniego en los USA, Star Wars fue quien, no sólo lo asentó, si no que también le dio un nuevo empaque gracias al merchandising.

Con la burrada de millones que sacó George Lucas, tanto con la original como con las secuelas, el universo Star Wars no paraba de expandirse. Y una forma de seguir fue con esos spin of que tuvieron en forma animada con Los ewoks y Droids, pero antes hubo un telefilm de los ewoks.


Una familia estrella su nave en el planeta Endor. Los padres salen en busca de un transmisor cuando son capturados por un ser gigantesco llamado Gorax. Los hijos acaban siendo acogidos por una familia ewok, que harán una expedición en busca de los padres de los chicos.

Una de las cosas que siempre me había resultado curiosa es que durante su primera media hora la película casi parece un documental del National Geographic, ya que los ewoks hablan su propio idioma y nos enteramos de todo gracias a la voz en of de un narrador.


No debió tener suficiente el amigo Lucas con el famoso The Star Wars Holiday Special que decidió hacer esta aventura para la televisión, aunque a su favor hay que decir que aquí se involucró más y supervisó bastante, más que nada para evitar el sonrojo de su anterior aventura televisiva.
Si en los USA se estrenó a finales del 84 aquí tuvimos que esperar al verano de 1985, eso sí, estrenada por todo lo alto en cines. Incluso llegó aparecer un libro de la película en tapa dura (¡yo lo tuve!)

Foto del rodaje

El reparto es bastante más que anónimo. Se podría destacar a la niña Aubree Miller, que parece un clon de Drew Barrymore; y a la madre Fionnula Flanagan, que ahora nos acordaremos de ella por Los otros y Lost. Y con los clásicos enanitos que siempre hacen de personajes maquillados hasta el cogote: Warkick Davis (Willow, Leprechaun), Debbie Lee Carrington (Desafío total) o Tony Cox (Yo, yo mismo e Irene, Bad santa).

Su director, John Korty, es un don nadie que ha dirigido tropecientos telefilms que, en su mayoría, aquí ni se habrán estrenado. Más curioso me parece que en tareas de diseño de producción tenemos a Joe Johnston, que acabó reciclado a director con Cariño, he encogido a los niños, Jumanji, Jurassic Park 3 o la nueva Capitán América.


La aventura de los ewoks (que para su pase televisivo se le añadió un espantoso redoblaje, además de cambiarle el título a Caravana del valor. Una aventura de los ewoks) cumple perfectamente su cometido de film de aventuras infantiles-juveniles. Ya sea con todos sus tics (un grupo ha de rescatar a alguien de un ser malvado y en su camino van encontrando nuevos aliados, cada cual con una cualidad determinada), con unos efectos especiales muy cuidados para el tipo de producto que es (lleno de stop motion, matte painting, perspectiva forzada) y otros más vergonzosos (la araña de plástico) y una gran banda sonora de Peter Bernstein que no se amedrenta ante la fanfarria de Williams.
Por contra tenemos a un actor protagonista que es para lincharlo, porque entre lo mal que lo hace y que su personaje es ya de por sí antipático se lleva la palma.
Como mínimo sabemos que en este telefilm George Lucas no pondrá su zarpa encima y ni hará añadidos digitales ni la restrenará en 3D.

La crisis aprieta

Burlesque

Ali es una chica que trabaja de camarera en un bar de carretera en medio de la nada más absoluta. La chica tiene una gran voz y se muda a Los Ángeles, buscando una oportunidad para triunfar.
En Los Ángeles se topa con el Burlesque, un pequeño teatro donde por las noches hay números musicales, regentado por Tess, una tipa que ha tenido épocas mejores y está hasta el cuello de facturas.

Navidades negrísimas

11-11-11

Me encanta ver pelis que pasen en mi ciudad, Barcelona. Prefiero las que tienen un par de décadas, por aquello de recordar como era en mi niñez, pelis estilo La cripta, El ojo en la oscuridad... Aunque tampoco hago ascos a las que son más actuales, La tabla de flandes, Fausto 5.0 o el Faust de Brian Yuzna.

Es por esta razón que me llamaba 11-11-11. Y también, porqué no decirlo, por su director, Darren Lynn Bousman, que ha ido haciendo películas que en general he disfrutado, ya sea la genial Repo! The genetic opera o algunas entregas de la saga Saw.

Pero claro, cuando la peli tiene previsto estrenarse el viernes 11 de noviembre de 2011 (algo así como cuando estrenaron el remake de La profecía el 6 de junio del 2006) y de repente la distribuidora no sólo aplaza el estreno, si no que directamente la congelada en el limbo de las películas sin que se sepa que pasará con ella.

Por ahí se dice que el hecho que la hayan masacrado en los festivales por donde ha pasado tiene mucho que ver en el asunto. Posiblemente.

La historia va de un escritor de éxito que tiene terribles pesadillas con la muerte de su hijo y mujer, haciendo que se despierte siempre a las 11.11 h. El tipo viaja desde USA a Barcelona, ya que allí tiene a su hermano y su padre, que se está muriendo. Una vez en Barcelona a nuestro protagonista comienzan a sucederle extraños acontecimientos, todos ellos relacionados con el número 11.

No nos engañemos, el film es flojito, pero tampoco es lo peor que se ha filmado como se dice por ahí. Tiene su ambientación más que conseguida, e incluso los malos, pese a ser señores con careta, dan bastante mal rollo, sobre todo cuando los vemos muy de refilón.
El problema reside que el argumento está muy manido, con demasiados clichés, y el supuesto giro final nos deja totalmente fríos.

Para los que tengan curiosidad por ver como ha quedado Barcelona, mejor pasen de largo. Aunque aparece en todo el metraje (incluso al principio donde el prota tiene un accidente en USA, pero se nota descaradamente que es Barna), no está del todo explotada. Muchos planos de la Sagrada Familia, Plaza España, etc. cuando el protagonista llega a la ciudad, pero luego poquita cosa.


Me parece muy interesante que cuando los americanos ruedan aquí utilizando su códigos cinematográficos, no funcionan en absoluto. Es decir, si vemos a Eddie Murphy en Nueva York en coche y que justo cuando ha de bajar encuentra sitio y encima ni se molesta a cerrar el coche con llave, nos lo creemos. En cambio cuando cambiamos Nueva York por Barcelona, esa misma escena nos parece totalmente irreal.

Como suele pasar en estos casos nos encontramos algunos actores de la tierra, pero todos muy justitos, que serán más reconocidos para los que vean los culebrones del mediodía que para el público general.

Para pasar el rato ya nos vale, así que tampoco hay que masacrarla. Eso si alguna vez la estrenan, aunque pondría la mano en el fuego a que acaba saliendo directamente a DVD.

Los fantasmas atacan al jefe

Uno todavía se sigue maravillando de la poca vergüenza de las distribuidoras. Vale que productoras pequeñas (y rancias) se quieran aprovechar de algún éxito de las grandes productoras o que las distribuidoras nacionales cambien el título original para sacar partido, como en su momento pasó con Tiburón 3. Y este el caso que nos ocupa, pero para más inri detrás de la jugada tenemos una multinacional como CIC Vídeo, que básicamente era la Paramount.

Aquí debieron pensar que no nos enteraríamos mucho con el títiulo original, Scrooged (nombre del protagonista del Cuento de Navidad de Dickens), y aprovechando que el Pisuerga pasa por Valladolid y que el mayor éxito de Bill Murray había sido Los cazafantasmas (de la que estaba a punto de estrenarse la secuela) pues le pusieron Los fantasmas atacan al jefe. A eso hay que añadirle la frase promocional en el cartel: "De Los cazafantasmas a Los fantasmas atacan al jefe, pero esta vez son 3 contra 1". Aunque hay que decir que en la peli recibe la visita de 4, pero bueno.

Quitando todas estas triquiñuelas publicitarias nos encontramos una revisión del Cuento de Navidad, esta vez ambientada en los 80, en un canal de televisión dirigido por un cabronazo que hace la vida imposible a sus trabajadores, con el "todo por la audiencia" por montera. Como esa escena donde emite un anuncio ultraviolento y una anciana muere al verlo y para su regocijo utiliza la muerte como publicidad. Evidentemente nos encontramos en fechas navideñas y el tipo ha de recibir una lección de la mano de unos fantasmillas.

Los fantasmas atacan al jefe es una (casi) joyita que tiene de todo: humor negro, dosis de género fantástico y una maravillosa banda sonora de un primerizo Danny Elfman.

Aquí me gustaría detenerme porque el caso de la banda sonora tuvo su miga. Elfman tenía muchas tablas gracias a su participación en el grupo Oingo Boingo, pero en cuanto a bandas sonoras estaba algo más verde, su primer trabajo en un film fue en La gran aventura de Pee Wee. Es por esa razón que tuvo que esforzarse para convencer a Richard Donner para que le escogiera para componer la banda sonora. El problema vino luego, cuando los productores dijeron que la banda sonora era demasiado tétrica (contiene muchos fragmentos que nos recuerdan a las de Pesadilla antes de Navidad y Batman returns) y al final se la recortaron mucho en el montaje final del film. Es más, el soundtrack nunca apareció publicado hasta hace poco, cuando la gente de La-la records sacó una de sus limitadísimas ediciones.

Así que si a la estupenda música de Elfman le añadimos un inspirado Richard Donner en la dirección, un reparto muy de la época (Murray, Karen Allen, Robert Mitchum, Bobcat Godthwait —el heavy de Loca academia de policia—, Michael J. Pollard —el chaval de Bonnie and Clyde o el de los inventos de Tango y Cash—, Lee Majors, Anne Ramsay —la mala de Los goonies—).

Pero no todo podía ser maravilloso. La cosa empieza muy bien con ese Papa Noel en medio de un tiroteo en el Polo Norte, o los anuncios de la programación que parecen un cruce de los de Permanezca en sintonía o Perseguido. Y por supuesto con la vena cabronza de Murray; hasta acepto algún tinte de lágrima fácil cuando viaja la pasado o la historieta del chaval que no habla. Pero cuando llegamos al final... ¡ay, señor Donner! como se nos vio el plumero. Cuando llegamos al final se nos caen los cojones al suelo con una escena que tira por tierra todo el trabajo hecho para imponer un final made in USA.

Así que si queremos disfrutar de este film es mejor darle al stop 15 minutos antes de su finalización o cambiar de canal para ver el teletienda, donde siempre hay cosas útiles en las que gastarnos el money.

Entre tomas (IV)

Brian de Palma y Pacino en el rodaje de El precio del poder

Mi primer contacto con Brian de Palma fue en el lejano 1990, cuando en Noche de lobos emitieron Hermanas. Peli que ni me dio miedo, ni me gusto en exceso. ¿Qué quieren? Tenía 10 añitos. En aquella época si una peli de terror no tenía monstruitos o espíritus, difícilmente me iba a ganar.
Fue precisamente Hermanas la película que hizo que el nombre de Palma comenzara a ser conocido y con la que se le colocó la etiqueta de director hitchconiano. A partir de ahí encadenó éxitos y fracasos, pero que en su mayoría quedan en los anales del cine: El fantasma del Paraíso, Carrie, Vestida para matar, El precio del poder, Los intocables de Elliot Ness, Misión imposible... es un no acabar.

Con una infacia difícil, donde siempre estaba en competición con su hermano mayor y fue el detonante para que sus padres acabaran divorciándose, rodó Una familia de locos (Home movies, 1980), un film que contenía altos tintes biográficos y que en parte fue financiado por Spielberg y George Lucas. La película era un proyecto de los estudiantes a los que impartía clase en el Sarah Lawrence College, en los que ajuntó a alumnos con actores profesionales (Nancy Allen, Kirk Douglas, Gerrit Graham...). Aunque pese a esos tintes biográficos el director siempre ha dicho que "el cine es la mentira venticuatro veces por segundo".

Tipo difícil (Michael Caine decía que el mayor elogio que era capaz de hacer en un rodaje era "la toma vale") que forma parte de la misma generación que Spielberg, George Lucas y Coppola, pero a diferencia de ellos ni ha creado su productora, ni nunca ha estado considerado un director de éxito asegurado. Como él mismo dijo "uno solamente puede llamarse director si ha sido capaz de llevar a la quiebra a una productora".

Muertos de risa

Después de ver el último moco reseco que ha parido Álex de la Iglesia (que seguramente habrá sido más divertido el rodaje que lo finalmente editado) para vender mortadela y fiambre, estaría muy bien recuperar esa pequeña joya del humor negro y bilis que tiene en su filmografía.