jueves, diciembre 27, 2012

¡Juguetes! (y II)

juguetes clásicos

(Viene de aquí)

Aunque cayeron algunos Airgamboys no les di demasiada cancha, yo era más de Playmobil. De estos tenía un arsenal. De hecho, los guardaba en los bidones de cartón del detergente de la ropa y tenía un par. Y aunque no cayó el fuerte (aunque sí el de Comansi, que dejaba un poco que desear, la verdad) ni el barco pirata, tenía una ambulancia, un par de coches (uno de ellos descapotable muy del estilo de Pontiac del coche fantástico), una casade época y no sé cuantas pijaditas más.

miércoles, diciembre 26, 2012

¡Juguetes! (I)


Ahhhh, los juguetes. Aunque a muchos les haga gracia lo del espíritu navideño y demás paparruchas lo que aquí nos importa es el afán consumista y que nos regalen cuanto más mejor y cuando uno es niño solamente piensa en una cosa: ¡juguetes!

jueves, diciembre 20, 2012

2013: Rescate en L.A.


Mañana se supone que es el fin del mundo, así que mejor despedirnos con un film que acontece en 2013, ya que no lo veremos in situ, lo veremos en la tele. O al menos eso decían los mayas. Y mira, si no es el fin del mundo seguro que en 2013 nosotros también tendremos nuestro propio rescate. Aunque sea económico.

2013: Rescate en L.A. es la secuela de 1997: Rescate en Nueva York, o mejor dicho, un remake hecho con los medios con los que se podía contar a mediados de los 90.

2013: Rescate en L.A.

Si en el film de 1981 la ciudad de Nueva York se había convertido en una cárcel, de la que era imposible salir y los presos habían creado su propia sociedad, en la que se estrellaba el Air Force One y el presidente de los EEUU era capturado para luego ser rescatado por Snake Plissken (como todo el mundo sabe, el inspirador de Solid Snake), en 2013: Rescate en L.A., Los Ángeles ha sufrido un terremoto, convirtiéndola en una isla, la cual utilizan como cárcel. La hija del presidente roba un arma y se esconde en la isla, con lo que mandan a Plissken a recuperar el arma y rescatar a la chica. Además, en ambas películas el protagonista tiene un límite de tiempo para el rescate ya que introducen en su organismo un virus/bomba para que en 24 horas acabe con él.

El primer film había sido una producción tirando a modesta que sabía aprovechar cada uno de los dólares invertidos para parecer mayor de lo que era. Su mezcla de futuro apocalíptico, acción, antihéroes y crítica social funcionó muy bien en taquilla. Además de dar pie al subgénero postapocalíptico, donde los italianos se hicieron los reyes del cotarro con varios productos que, en su mayoría, era serie Z infecta, rodadas con muy pocos medios y aprovechando cualquier descampado, edificio a medio derruir y naves industriales.

2013: Rescate en L.A.

El universo de Snake Plissken quedó congelado durante casi 15 años, hasta que Kurt Russell se empecinó en retomarlo. Quizá porque su carrera iba falta de éxitos  o porque, según él mismo declaró, el Serpiente era su personaje favorito de cuantos había interpretado.

A Carpenter tampoco le sentaban muy bien los 90. Su intento de una serie con tintes a Historias de la cripta no pasó del episodio piloto, Body Bags (Bolsa de cadáveres), y Memorias de un hombre invisible y El pueblo de los malditos fracasaron en taquilla, mientras que En la boca del miedo, sin llegar a ser un fracaso, no acabó de funcionar como se esperaba.

2013: Rescate en L.A.

Como he comentado, la cosa acabó siendo una nueva versión del anterior film y una reunión de amigos. Porque además de volverse a reunir Russell y Carpenter, este último volvió a echar mano de algunos de sus colaboradores: Debra Hill, que había sido productora de sus primeros films, producía y escribía el guión junto al director y el protagonista; Shirley Walker, compositora de la serie de animación de Batman y colaboradora habitual de Danny Elfman, hacía la banda sonora a medias con el propio Carpenter; Rick Baker se encargaba del maquillaje como ya hiciera en Starman y Body bags; y en cuanto a actores repetía con Robert Carradine y Stacy Keach, con los que ya había coincidido en Body bags.


El film fue vapuleado en su estreno, y a día de hoy mucha gente lo cataloga como la peor película de su director. Personalmente no iría tan lejos. Quizá parto con ventaja ya que el film de 1981 nunca me ha parecido gran cosa, por eso me parece que esta secuela/remake es bastante más entretenida que el original. Sí que es cierto que adolece más que nunca de ser serie B. Si en 1997: Rescate en Nueva York, las maquetas y los fondos pintados era lo que había y había que pasar por ahí sí o sí, en la segunda parte los cromas cantan mucho más (ahí está la escena surfera) y como estábamos en los 90 metieron efectos digitales, que es lo peor que podían hacer, ya que en la época todavía eran muy caros y si no te dejabas un fortunón en ellos podías caer en el ridículo más espantoso. Es el caso de la escena del submarino y el tiburón es más que alarmante.

Por lo demás es una de las macarranadas a las que nos tenía acostumbrados el tito John a finales de los 90 (Vampiros, Fantasmas de Marte) que o eras cómplice y te la tomabas en coña o las acababas de ver ridículas, y que su cast estaba bastante guay con Steve Buscemi, Pam Grier haciendo de travesti (recuperada a primer nivel por Burton en Mars Attacks! y este Carpenter, que fueron antes del Jackie Brown de Tarantino), un irreconocible Bruce Campbell y Peter Fonda.

2013: Rescate en L.A.

Como es habitual en la filmografía de Carpenter, el film fracasó en taquilla sumando poco más de 40 millones cuando había costado 50. Pero eso no fue impedimento para que Snake Plissken siguiera dando guerra, al menos en el mundo de los cómics, donde, allá por 2003, tuvo una colección titulada John Carpenter's Snake Plissken Chronicles.
También hubo otro proyecto en el que se narraban los hechos anteriores al primer film, esto iba a ser una serie para televisión pero los atentados del 11S hicieron que el proyecto quedara en aguas de borrajas. Después se habló de un largo animado y de una tercera parte en imagen real titulada Escape from Earth, pero nada de esto ocurrió.
Lo que parece más probable es que acaben haciendo un remake de 1997: Recate en Nueva York. Y yo digo: ¿para qué?

martes, diciembre 18, 2012

Golpe en la pequeña China

Golpe en la pequeña China Carpenter

Hay películas que van cogidas de la mano a nuestra infancia, y Golpe en la pequeña China es una de las que me alegraron en esos días. Una apuesta segura a última hora de la tarde de esos sábados que no sabías muy bien que hacer.

miércoles, diciembre 05, 2012

Asesinato en 8mm

Asesinato en 8mm

Parece que por estos lares el termino snuf movie lo inventó Amenabar con Tesis, pero mucho antes ya habíamos tenido contacto con Videodrome de Cronenberg. Cosas que pasan.

jueves, noviembre 29, 2012

Ace Attorney

Ace Attorney

La Nintendo DS fue una portátil que me alegró algunas horas. No a los niveles de la antigua Game Boy, pero déu n'hi do.
Uno de los juegos que más disfruté en la consola fue Phoenix Wright: Ace Attorney, bueno, realmente casi toda la saga compuesta por cuatro títulos: Phoenix Wright: Ace Attorney, Phoenix Wright: Ace Attorney - Justice For All, Phoenix Wright: Ace Attorney - Trials and Tribulations y Apollo Justice: Ace Attorney. Luego habría un quinto, Ace Attorney Investigations: Miles Edgeworth, pero este no ha salido traducido y un servidor no está por esas labores.Hay que decir que esta saga lanzada por Capcom empezó en GameBoy Advance y ya en la DS adquirió otro tipo de jugabilidad gracias a la pantalla táctil.

martes, noviembre 27, 2012

The Warriors (Los amos de la noche)

The Warriors (Los amos de la noche)

Aunque desde chavalín que conocía la existencia de la película nunca me llamó demasiado la atención, es por eso que la vi siendo adulto. Seguramente por eso nunca le he sabido ver el porqué de todo ese culto. Ojo, que el film me gusta, pero me falta ese puntito para ponerla entre mis esenciales como la tienen otros.

The Warriors (Los amos de la noche)

Basada en la novela homónima de Sol Yurick de mediados de los 60, nos encontramos en pleno Nueva York, en una reunión de las diferentes bandas que pueblan la ciudad. Más de 100 mil tipos sedientos de sangre y violencia que han sido reunidos por Cyrus, un gurú de las bandas, que quiere juntarlos a todos ya que superarían en número al cuerpo de policía, con lo que podrían dominar la ciudad. Durante este celebración alguien le dispara y hace creer que han sido los Warriors, que deberán ingeniárselas para regresar a su barrio, Coney Island, mientras esquivan al resto de bandas.


The Warriors (Los amos de la noche)

Rodada por las noches hasta que salía el sol durante 2 meses y con mil extras en la reunión de bandas es a lo que se tuvo que enfrentar Walter Hill cuando su carrera todavía era notable. Este había recibido un ejemplar del libro enviado por el productor Lawrence Gordon, que simplemente se había encaprichado de él porque le gustó la cubierta.
Hill también se encargó del guión, siendo en una primera versión todo bastante más violento, muriendo varios de los componentes de los Warriors.

Una de las cosas que más me llaman la atención cada vez que la veo es su inicio. Ese plano nocturno de la noria del famoso parque de atracciones de Coney Island con una música de fondo que le da un aspecto puramente de película de terror. Es más, la estaba viendo con otra persona y me preguntó si era de miedo.
También es sensacional el montaje del inicio, donde se van encadenando planos del metro y de las diferentes bandas que nos introducen en la trama del film, consiguiendo una estética muy de cómic, que era lo que quería hacer en un primer momento su director, pero el presupuesto no daba para mucho más y la cosa se quedó ahí.


The Warriors (Los amos de la noche)

Curiosamente, en un primer montaje, este inicio era diferente, ya que ocurría de día y eso le quitaba la gracia de que todo el film ocurría de noche y terminaba al amanecer. Sin duda un acierto no incluir ese inicio.

Una de las cosas que más gracia me hacen del film es que muchos de los que participaron en ella acabaron en Xanadú: Lawrence Gordon y Joel Silver fueron los productores de ambas; Barry De Vorzon llegó hacer algunos arreglos en la banda sonora del film protagonizado por Olivia Newton-John; y, por supuesto, Michael Beck protagonizó ambas. Este comentó que toda la fama que le aportó The Warriors Xanadú se la quitó. Bueno, si luego se dedicó con horteradas como Megaforce, pues él mismo.

Más caras conocidas que nos encontramos en The Warriors: James Remar (A la caza, The Phantom), David Patrick Kelly (Las aventuras de Ford Fairlane, Twin Peaks), Steve James (El guerrero americano, La fuerza de la venganza) y el stuntman de Craig R. Baxley, que luego sería director de Acción Jackson y Ángel de la muerte.


The Warriors (Los amos de la noche)

El film tuvo un moderado éxito en su estreno, recaudando 16 millones de dólares (costó 7). Los productores se quejaron de la rápida desaparición de las copias en las salas ya que les habían acusado de fomentar la violencia. Cosa que hoy en día es de risa.
Y pese a que no rompió taquillas sí que  generó unas cuantas copias, sobre todo llegadas desde Italia como 1990: Los guerreros del Bronx y secuela (también influenciada por 1997: rescate en Nueva York).

Con el tiempo comenzó a generar cierto culto que propició la aparición de los ya clásicos muñequitos. Y como pasó con alguna película como Reservoir dogs, muchos años después aparición un juego para PlayStation 2, Xbox y PSP de la mano de Rockstar Games a modo de precuela.


miércoles, noviembre 21, 2012

Juego de cartas de Batman Returns

Batman Returns, cartas fournier, tim burton, michael keaton, batman vuelve

Todos conocemos la campaña publicitaría que generó el Batman de 1989. Montones de objetos con el logo del murciélago, todo valía con tal de vender.
Con Batman Returns intentaron repetir la jugada pero no les funcionó tan bien. La gente había acabado un tanto saturada de la batmanía y 3 años después ya no tenía gracia el chiste.

Batman Returns, cartas fournier, tim burton, michael keaton, batman vuelveBatman Returns, cartas fournier, tim burton, michael keaton, batman vuelve

Una de las curiosidades que rondan por mis estantes es este juego de cartas de la inevitable casa Fournier.
Si vamos siguiendo el orden marcado podremos ir viendo instantanes del film mientras nos explican el argumento. Todo muy de aquella manera, muy para el público más infantil.
Y, además, con varias cagadas. No solamente en cuanto alguna que otra falta ortográfica, si no de traducción o incompeténcia del que escribió los textos. Nunca se menciona a Bruce Wayne, siempre es Batman y a Catwoman se la españoliza como Mujer Gato. Además de encontrar a un misterioso personaje llamado "Chico". Según la rumorología, en uno de los primeros borradores de guión aparecía el personaje de Robin, que iba a ser interpretado por Marlon Wayans que confirmó que había llegado hacer una prueba de vestuario. Ese personaje iba a ser un chaval negro fanático de Batman y un experto en mecánica, cualidad que le convertiría en el personaje que arregla el batmobile cuando Batman lo medio destroza para encontrar el localizador del pingüino. El nombre real de este personaje seríe Robin, pero cuando fuese el ayudante del hombre murciélago sería un simple "the kid". Todo esto daría a entender que los textos que aparecen en la baraja de cartas provienen de un versión muy temprana del guión.


Batman Returns, cartas fournier, tim burton, michael keaton, batman vuelveBatman Returns, cartas fournier, tim burton, michael keaton, batman vuelve

El juego viene a ser el habitual en estos casos: conseguir una serie correlativa de cartas mientras se las robamos al rival. O sea, que el juego tiene menos gracia que el piedra, papel y tijeras.
Aunque en el fondo nunca me he puesto a jugar, al igual es hasta divertido. Ahí dejo las instrucciones para el deleite del personal
 
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jueves, noviembre 15, 2012

El secreto de la pirámide

El secreto de la pirámide Sherlock Holmes

Esta es una de las películas que siempre me trae a la cabeza esos días invernales de niñez que en la calle llovía y te quedabas en casa junto a la estufa de butano y de la cocina te llegaba ese calorcillo señal que tu madre estaría preparando una sopita. Nostalgia aparte, El secreto de la pirámide es de esas pelis que ahora, cuando comienza a notarse que llega el fatídico invierno, viene de gusto revisionar. Y si es con una sesión de sofá y mantita, mejor que mejor.

jueves, noviembre 08, 2012

CQ

CQ Coppola

Si uno se pone delante de un film con este título, se entera que el director es Roman Coppola, que costó un dineral y que no recaudó ni lo que se gastaron en cafés, es entendible que uno no corra raudo a visionarla.
Y si un servidor le dio una oportunidad fue por el simple hecho que había leído en algún sitio que tenía referencia a Diabolik.

CQ Coppola

La acción pasa a finales de los años 60, Paul Ballard es un cineasta americano que se traslada a París para trabajar como montador en una película de ciencia ficción llamada Codename: Dragonfly, paralelamente se dedica a rodar un film más experimental con una pequeña cámara en blanco y negro a modo de diario.
La producción Dragonfly se convierte en un tira y afloja entre el director, que quiere darle un toque artístico a la historia, y el productor, que solamente quiere una película con mucha acción y que de dinero, con lo que este último acaba despidiendo al primero. Pero como falta por rodar un final se hace con los servicios de un tal Felix DeMarco, un director de películas de vampiras ligeras de ropa, pero cuando este tenga un accidente dejará que el montador Paul Ballard acabe de rodar el film.


CQ Coppola

Vivir rodando, Ed Wood, La sombra del vampiro, State and main... a un servidor siempre le han gustado estas películas de cine dentro del cine y CQ, sin duda, entra en el mismo saco.

Viendo un poco su argumento podemos darnos cuenta que en (muy) resumidas cuentas estamos ante una recreación del rodaje de Barbarella. Tenemos un director con insuflas de autor que se acaba enamorando de la protagonista (Roger Vadim); un director italiano que le importan un pimiento los logros artísticos mientras lo filmado dé dinero (De Laurentiis); todos ellos alrededor de una película con muchos efectos especiales repletos de maquetas y falsas perspectivas.
Aunque en cierto momento pasamos de una "recreación" a un "what if..." si a Vadim lo hubieran despedido cuando todavía no tenían rodado un final.


CQ Coppola

Pero no solo de Barbarella vive el hombre, también hay homenajes y referencias a Modesty Blase, Diabolik, 8 1/2, Teléfono rojo o El diario de David Holzman. O a personajes reales, el protagonista tiene un rollo Jim McBride o Félix de Marco es un cruce entre Jesús Franco y Jean Rollin.

A todo ello hay que añadirle genialidades como el ver como hacían esos trucajes de perspectiva tan Mario Bava, o como con una pecera y algo de tinta se marcaban unos planos psicodélicos.



CQ Coppola

En el film nos encontramos un montón de caras conocidas: Jeremy Davies, más conocido por ser el Faraday de Perdidos, es el protagonista; Angela Lindvall (Kiss kiss bang bang) y Billy Zane son los protagonistas de la película ficticia Codename: Dragonfly y John Phillip Law es uno de los jefes de la agente secreto Dragonfly; Gérard Depardieu, es el director que no consigue tener un final para el film y es despedido, no sin antes destrozar una puerta a puñetazo limpio; Jason Schwartzman es el director pasado de vueltas que tiene un accidente y deja el rodaje; Giancarlo Giannini es el productor italiano al que le importa más la taquilla que los logros artísticos de sus films; Dean Stockwell es el padre del protagonista. Además hay un cameo de Sofia Coppola, hermana del director.


CQ Coppola

Como comentaba antes el film fue un fracaso. Costó 7 millones de dólares y no ingresó ni medio millón en los USA, por estos lares ni se estrenó. Aquí te das cuenta de como están de aprovechados esos millones, todo luce a un nivel espléndido, la recreación de finales de los 60 es perfecta, nada de los aspavientos exagerados del kitsch colorista de Austin Powers.

Y es una lástima porque el film vale mucho la pena, con una banda sonora fabulosa (que por momentos parece sacada de algún disco de G. Milkywall, sobre todo el tema CQ Song), que seguramente muchos pensarán que es un rollo demasiado arty por estar firmada por Roman Coppola, pero nada más lejos de la realidad.

martes, noviembre 06, 2012

Un cos al bosc (Cuerpo en el bosque)

Un cos al bosc (Cuerpo en el bosque)

Joaquim Jordà seguramente es más conocido en su faceta de guionista (El Lute 1 y 2, Pau i el seu germà) o como director de documentales (Numax presenta..., Más allá del espejo), por eso un film como el que nos ocupa, una película detectivesca donde hay que encontrar al asesino de una chica, es algo que se escapa en su filmografía.

viernes, noviembre 02, 2012

Runaway, brigada especial

Runaway, brigada especial, Tom Selleck, Michael Crichton

De Michael Crichton todos conocemos su carrera en el mundo literario. Muchas de sus obras han sido llevadas al cine como Devoradores de cadáveres (El guerrero número 13), Esfera, Congo y, sobre todo, el mega blockbuster de Parque Jurásico.

Pero posiblemente es más desconocida, o menos conocida, su carrera como director de cine, aunque, curiosamente, muchos de estos títulos son bastante conocidos. Empezó a principios de los 70 escribiendo algún que otro episodio de una serie llamada Insight, para debutar como director en un telefilm titulado Pursuit y basado en su novela Binario. Como iremos viendo era muy amigo de adaptar al celuloide su obra.
Después de ese telefilm llegó Almas de metal, un clásico de culto protagonizado por Yul Brynner y James Brolin. Después vino Coma, una adaptación del libro del mismo nombre de Robin Cock protagonizada por Michael Douglas. De ahí pasamos a El primer gran asalto al tren con Sean Connery y Donald Sutherland, peli de época con ladrones de guante blanco que estaba basada en su novela El gran robo del tren.

Runaway, brigada especial, Tom Selleck, Michael Crichton

Ya en los 80 dirige Ojos asesinos, donde Albert Finney era un cirujano plástico al que se le morían las pacientes. Y ya, por fin, en 1984 dirige Runaway, brigada especial. Protagonizada por Tom Selleck, que ya había tenido un papelillo en Coma y que vivía días de gloria gracias al éxito de Magnum, aunque su carrera cinematográfica no era precisamente para tirar cohetes después de tener que rechazar el papel de Indiana Jones o el escaso éxito que cosecharon La gran ruta hacia China o Lassiter.

Selleck interpreta a un policía experto en robótica que, en un mundo futuro donde los robots campan a sus anchas como un electrodoméstico más, se las tiene que ver con mecanismos que dejan de funcionar correctamente y acaban amenazando la vida de las personas. Justo cuando se le asigna una nueva compañera comienza a investigar a un tipo que utiliza los robots como armas mortíferas.

Runaway, brigada especial, Tom Selleck, Michael Crichton

Junto a Magnum tenemos a Cynthia Rhodes, la prota de Staying alive (La fiebre continúa); Kristie Alley; Stan Shaw, el boxeador untado de Snake eyes; Joey Cramer, el niño de El vuelo del navegante; Chris Mulkey, el Hank de Twin Peaks y que luego protagonizó K-9000, un exploitation de Superagente K-9; G.W. Bailey, el Capitán Thaddeus Harris de Loca academia de policía; y el debut de Genne Simmons, el bajista y cantante de Kiss que aquí hace del malo de la función.

Runaway, brigada especial, Tom Selleck, Michael Crichton

Runaway, brigada especial parece más bien un intento de hacer Blade runner pero sin demasiado presupuesto. No solamente el título nos recuerda vagamente al del film de Ridley Scott, si no que aquí también tenemos una banda sonora (cortesía de Jerry Goldsmith) llena de sintetizadores, y robots que dejan de hacer sus funciones para cargarse el personal.
Lo bueno de esa falta de presupuesto es que no tenemos naves espaciales o mega ciudades abarrotadas, si no que nos presentan una ciudad normal de la época, lo que nos da una sensación de un futuro más tangible, lo que además hace que, pese a sus casi 30 años, el film no haya quedado anticuado estéticamente. Eso sí, rodaron en Canadá para avaratar costes y usar un truquillo muy de la época (Perseguido, Robocop), buscar localizaciones reales con cierto aire "futurista" para ahorrarse decorados pero no dejar de darle al film una estética moderna.
Los robots que vamos viendo en el film nos pueden parecer terriblemente cutres (alguno parece una minicadena de la época con patas), sobre todo comparándolos con los de otros films, pero si lo pensamos detenidamente son muy reales, ya que si nos fijamos en los que manda la NASA a Marte veremos que parecen chasis de coches teledirigidos, algo con muy poco glamour. Así que punto positivo para Crichton, que supo darle cierto realismo a los androides pese a no tener dinero.


Runaway, brigada especial, Tom Selleck, Michael Crichton
Parecidos clónicos

Por lo demás nos encontramos con mogollón de clichés: el prota es viudo y tiene un hijo; le meten una compañera de la que, evidentemente, acabará enamorándose; tiene un pasado tortuoso ya que se culpa a si mismo de la muerte de una familia a la que no pudo ayudar; y padece de vértigo, con lo que ya podemos intuir que el clímax de la película ha de acontecer en las alturas para que nuestro héroe pueda redimirse.
Es precisamente este final lo mejor del film, bien llevado y consiguiendo darnos angustia. Además de ser recordado por las arañas robóticas que lanzan ácido, detalle por el que todo el mundo recuerda la película.

La película pasó muy desapercibida en su estreno, haciendo que Crichton tardase 5 años en volverse a sentar en la silla de director, en este caso con Contra toda ley, un thriller protagonizado por Burt Reynolds que fue un auténtico fracaso en taquilla. Después de este film nunca más volvió a rodar, aunque irónicamente se hicieron películas basadas en sus novelas que tuvieron buenas taquillas o muy buenas, como es el caso de la saga de dinosaurios iniciada por Spielberg.



martes, octubre 30, 2012

Ejecutivo ejecutor

Ejecutivo ejecutor Michael Caine

Si en los 80 reinaron los asesinos enmascarados de los slasher, en los 90 pasaron de moda para dar paso a unos psychokillers más reales y tangibles. Personajes que ni llevaban máscaras ni tenían un aura sobrenatural, se trataba de darles un toque más terrenal, lo que hacía que nos afectara más la película. Ahora ya no eran seres resucitados los que perseguían a los pobres infelices con los que se topaba, si no tíos normales y corrientes con los cables cruzados, cualquiera podía ser el psychokiller: el vecino de al lado que se había cargado a toda su familia y las tenía enterradas en el patio, el panadero que carboniza a sus víctimas en el horno del pan... cualquiera era valido para darle tensión al asunto.

martes, octubre 23, 2012

Licencia para matar

Licencia para matar James Bond

Se cumplen 50 años del agente secreto más famoso en el cine, y no está de más dedicarle unas líneas, aunque sea a uno de sus films más criticados. Ahí está la gracia.

martes, octubre 16, 2012

La novia cadáver

La novia cadáver

Pesadilla antes de Navidad fue una cosa rara. Tim Burton solamente podía hacerla en Disney porque ellos tenían los derechos de un poema que escribió una década atrás cuando trabajaba allí; Disney le dejó hacerla para (volver a) tener entre sus filas al director estrella de primeros de los 90, ajustándole al máximo el presupuesto, eso sí; y, al final, pese a sus grandes críticas, el film no acabó de funcionar económicamente todo lo que se esperaba de ella. En USA apenas llegó a los 50 millones de dólares recaudados y en el resto del mundo unos 25 más. Cifras muy lejanas de los 500 millones que amasaban Aladdin o La bella y la bestia en aquella época.

domingo, octubre 14, 2012

Striker

Striker Supernintendo super nes nintendo

Allá por el lejano y olímpico año 1992 apareció en Liverpol una nueva desarrolladora de videojuegos llamada Rage Games. Ese mismo año publicó Striker, siendo distribuidora por Elite (programadora y distribuidora que vivió sus años dorados en los ochenteros ordenadores de 8 bits). El juego fue un éxito sorpresa, vendiendo más de un millón de copias. Eso sí, en sus diferentes formatos, ya que el juego salió en Amiga, Mega Drive o Super Nintendo, entre otras. Es la versión de esta última plataforma en la que me voy a detener, ya que es la jugué y exprimí hasta sacarle la última de gota de jugo a sus escasos megas.

domingo, octubre 07, 2012

Snake eyes (Ojos de serpiente)

Snake eyes (Ojos de serpiente)

Tengo que reconocer que me he aficionado a Nicolas Cage. Mucho.
El tío se me hacía dormilina en su etapa de actor gana Oscars con Living las Vegas, Red Rock West, Te puede pasar a ti o incluso en la peor película de Lynch, Corazón salvaje. Curiosamente es a partir de ganar el Oscar que entra en su etapa más comercial y engendra La roca, Con air, Cara a cara o Asesinato en 8 milímetros. Títulos, en su mayoría, llenos de adrenalina que hacen saltar las taquillas.

viernes, septiembre 28, 2012

The Legend of Zelda: Link's Awakening

The Legend of Zelda: Link's Awakening

Dicen por ahí que todos los juegos tienen su historia, pero solo uno es leyenda. Posiblemente sea cierto... o no. Lo que sí es cierto es que Zelda es una de las sagas de videojuegos más inmaculadas de la historia, cada uno de los juegos que van apareciendo son considerados, tranquilamente, entre los 5 mejores de la consola. Sí, efectivamente, hemos de dejar de lado aquellas bizarradas que lanzó Philips, que consiguió los derechos mientras trabajaba con Nintendo para el famoso lector de CD de la Super. Pero basándonos en los muchos que han ido apareciendo en las consolas Nintendo, sin temor a equivocarme, puedo decir que son la crème de la crème.

miércoles, septiembre 26, 2012

La isla del diablo

La isla del diablo Piquer Simon

Todos los directores tienen su momento de auge y su caída. A Juan Piquer Simón le llegó el declive cuando entramos en la década de los 90. Durante los 70 y 80's contó con el favor del público (que no de la crítica) para lanzarse en producciones inimaginables en la filmografía hispánica. Films hechos con más o menos ingenio, que sacaban partido a los pocos medios que tenían, unido a que el director valenciano gustaba de rodar en inglés y con algún que otro actor foráneo de cierto nombre, las producciones solían pasar por serie B americana.

Viaje al centro de la tierra, Supersonic Man, Mil gritos tiene la noche o Slugs. Muerte viscosa, tuvieron una buena respuesta del público e hicieron que J. P. Simon (como solía firmar algunas de ellas para darle un toque más americanizado) pudiera ir financiándose sus siguientes proyectos.
Ya en 1991 llega el principio del fin. La mansión de Cthulhu es un fracaso absoluto. Lauren Films, que tenía que ser la distribuidora, queda tan decepcinada con el producto que quiere renegociar las condiciones, con el consiguiente retraso de su estreno. Al final salió un año después directamente a vídeo cuando Piquer ya hacía tiempo que se había desentendido de ella.

Es muy posible que en este punto el director de Los nuevos extraterrestres se percatase que los tiempos habían cambiado en exceso. Si una década antes podía hacer pasar una de sus producciones por americana usando unas cuantas maquetas, efectos de perspectiva, fondos falsos y el truco de tirar de alguna estrella venida a menos, en los 90 eso ya no era suficiente. La gente quería grandes decorados, explosiones y, sobre todo, efectos especiales de ultima generación. En 1993 la gente ya había quedado asombrada por los dinosaurios de Jurassik Park, y meter un señor disfrazado ya no colaba.

La isla del diablo Piquer Simon

Pero Piquer erre que erre, él iba a la suya, y su siguiente paso fue volver a las producciones que le dieron sus mayores éxitos comerciales: films de aventuras para toda la familia. Pero claro, si antes comentaba que el respetable quería efectos digitales, los chavales de los 90 tampoco se iban a conformar con menos y si 20 años atrás cualquier niño tenía en su estantería algún libro de Julio Verne, a mediados de los 90 eso era cuanto menos impensable.

La isla del diablo fue la primera de tres películas en las que la intención del director era montar algo con cierta infrastructura para poder rodarse films de género en Valencia, todo con gente joven que comenzara en el mundillo. Al final, entre lo que sacó de la Generalitat Valenciana, lo que le dio Enrique Cerezo y alguna pre-venta al extranjero amasó poco más de 200 millones de las antiguas pesetas para rodar las tres. O sea, miseria y compañía.

La isla del diablo Piquer Simon

El film está basado en una novela de Vicent Mulberry, uno de los varios seudónimos que usó Víctor Mora, creador de el Capitán Trueno. La historia la de siempre en este tipo de productos: un chaval, con cierto aire a Guybrush Threepwood, quiere enrolarse en un barco y consigue convencer a un capitán para que le deje navegar con él. Una tempestad hace trizas su barco y les hace naufragar hasta toparse con un barco de piratas. A partir de ahí llegada a una isla endemoniada con tesoro incluido.

El film, por mucho que me duela, es sumamente mediocre, y eso siendo benévolos. La cantidad de fallos que te encuentras son miles: de un plano a otro aparece y desaparece la niebla; pese a que están en el interior de un barco este no parece moverse con el clásico va y ven; realización planísima que no pasa de planos medios y estáticos. Pero eso sí, todo muy cerrado, no sea que movamos un milímetro la cámara y se vea de fondo la A-7. Bueno, en alguna escena del barco llega asomarse alguna nave al fondo.

La isla del diablo Piquer Simon

A estas alturas de la vida, una escena donde unos pocos marineros se tiran la comida mientras suena música de organillo estilo Charlot es de vergüenza ajena. Escenas de relleno, como la de la tipa que se baña en el mar y el rubiales no pierde el tiempo en buscar filetazo. Al igual que en la que el sosias de Guybrush es perseguido y porque sí se despelota y luego se embadurna de barro y hojas, para minutos después salir en pelotas debajo de una cascada. Además es una escena que desentona con el estilo puramente infantil y de para toda la familia con la que está llevada toda la cinta. Todos esos supuestos gags que no tienen gracia, que parecen sacados de los peores momentos de Massagran. Por no hablar de la estupidez de la planta carnívora, que parece que vaya a tener algo de protagonismo pero luego resulta que ahí no pinta nada.

Pese a estar rodada en 38 tiene una estética de vídeo que tira para atrás. Ni siquiera podemos contentarnos con algún que otro efecto de la factoría Piquer, ya que nos limitamos a dos maquetas del barco, que si bien no son para tirar cohetes al menos cumplen, y el ataque de un monstruo reciclado de La grieta.

La isla del diablo Piquer Simon

El film acabó teniendo una presencia testimonial en los cines. Se proyectó durante una semana y luego fuera, lo suficiente para que se pudiesen cobrar las subvenciones.

Película que no la quiere nadie, ni los propios valencianos. Comprobado, se la regalas a uno y es capaz de irse a tu casa y dejártela de estranquis.

Me sabe realmente mal machacar tanto esta película, porque a Piquer le tengo en estima, pero al César lo que es del César: La isla del diablo es todo un compendio de lo peor del director valenciano. Ni siquiera tenemos maquetas o monstruitos para salvar la función, y nos hemos de quedar con una pobreza de medios que rozan lo amateur.

jueves, septiembre 20, 2012

Los Goonies

Los Goonies
Tenía que caer. Si en este blog se han tocado (y se tocarán) clasicazos de los 80, Los goonies debían aparecer tarde o temprano.
Producida por Spielberg y dirigida por Richard Donner. Parece mentira, pero 30 años después todavía me encuentro por la vida gente que se piensa que la dirigió el director de Tiburón. Es para hacérselo mirar.

Sin duda los 80 fueron la época dorada de Steven. Dirigió los 3 primeros Indiana Jones (los buenos), E.T. El extraterrestre, y produjo Gremlins, Regreso al futuro, El secreto de la pirámide, El chip prodigioso... películas espectáculo que sabías que te lo ibas a pasar pipa. Es más, tal era su estatus y lo que vendía su nombre, que no importaba nada quien fuese el director de la película, lo que de verdad llenaba de culos las butacas de los cines era el "Steven Spielberg presenta".
Y parece mentira que el director fuese Richard Donner, que si bien encadenó un buen puñado de éxitos con La profecía, Superman o Arma letal, fue entrar en los 90 y comenzar el ocaso de su carrera con Asesinos (sí, la de Sly y Banderas) o Timeline.

Los Goonies
La cuestión es que se conjugaron un montón de factores, todos ellos en gracia. A los dos implicados antes mencionados hay que añadir a Chris Columbus en el guión. El luego director de Solo en casa o los primeros Harry Potter, que en aquella época estaba en nómina de Spielberg, escribiendo Gremlins o El secreto de la pirámide, se marcó un tanto al coger una idea del director de Jurassik park y convertirla en un guión que dejaría boquiabiertos a toda una generación de chavales que 25 años después serían capaces de decir "chocolate" con la misma voz que Sloth o hacer el super meneo.


Los GooniesUn poco más y se pilla la nariz

Recuerdo perfectamente haberla ido a ver al cine en su estreno, en los desaparecidos desde hace décadas Versalles, para luego, esa misma noche, verla comodamente en VHS. Ya saben, cosas de la piratería de los 80, que existir existía.
Me flipaba mucho el detalle que los personajes dejan entrever que ya han tenido más aventuras, como si la película fuese un secuela. También me traía loco eso de que se llamasen los Goonies. ¿Qué quería decir Goonies? Claro, con el tiempo, siendo más crecidito, ya asociaba eso de que vivían en los muelles de Goon.
Otra cosa que me traía de cabeza: todos nos dimos cuenta que cuando hablaban con Rosalita (Lupe Ontiveros, que precisamente murió en julio de este verano), la chacha de la madre, y nos colocaban esos subtítulos quemados en pantalla en inglés había gato encerrado. Rosalita no tenía precisamente pinta de italiana. Luego, cuando te la ponían en Tv3 en catalán (o quien la viera en VOSE), veías que realmente hablaba en castellano y todo era una excusa del guión para que Bocazas pudiese ir traduciendo el mapa de Willy el tuerto. Pero claro, no podían respetar el original y se tuvieron que sacar de la manga lo del italiano. ¡Pero si lo podían haber hecho perfectamente con el portugués, que cuadraba más!
¿Recuerdan lo de los Calvin Klein y los Levis en Regreso al futuro? Pues aquí lo mismo. En la traducción nos quedamos sin Motown, Janucá, o que el vómito que tira Gordi en un cine no es real, si no que lo prepara él; o que Troy (luego director de Burlesque) realmente no pide ligarse a Andy en el pozo de los deseos, si no que, directamente, se la quiere tirar.

Los Goonies
Los Goonies tuvo un éxito moderado, los 20 millones de presupuesto se convirtieron en 60. Que si bien era una cifra a tener en cuenta, quedaban lejos de los 160 recaudados por Gremlins o los más de 300 de Regreso al futuro, por poner un par de producciones de Spielberg en la época.
Seguramente eso hizo que las aventuras de Gordi, Bocazas y compañía se quedasen en un único film.
Aun y así, y que la crítica fue bastante durilla con ella, la fama de la película propició algunas producciones que intentaban subirse al carro de aventuras juveniles: Exploradores, El secreto del lago, El secreto de la piramide, Cuenta conmigo, El vuelo del navegante, Una pandilla alucinante... y hace algunos años hubo algún film que buscaba revivir aquellos films como El hijo de Rambow o, más recientemente, Super 8.

Los Goonies
Pero el tiempo ha ido dándole un estatus de culto al film y llevamos muchos años oyendo eso de la secuela. Algunos hablan maravillas de la idea de coger a treinteañeros y ponerlos en medio de aventuras juveniles, todo muy del rollo Spielberg de "recuperemos el espíritu infantil y la infancia perdida a lo Peter Pan", y a otros les interesa más el que metan el componente de gente acabada que tiene sus vicios con el JB o el caballito blanco y la trapagaperras al lado. Pero fuera como fuese, al final, en cuanto hay noticias de este nuevo proyecto, se acaba confirmando que no se hará.

Los Goonies
Lo que mucha gente no recuerda es que ya hubo una secuela. Bastarda pero secuela al fin y al cabo. Todo ello en el mundo de los videojuegos, claro. De la película salió un juego de la mano de Datasoft para los ordenadores de la época (Atari 800, Commodore 64, Spectrum, Amstrad), que era del estilo Lost vikings o Lemmings, donde teníamos que ir alternando entre los chavales, cada uno con una cualidad, para poder ir pasando las fases.
Konami lanzó una versión para Nes que nunca salió de Japón, que era el clásico plataformas, tan en boga en aquella época, donde manejamos a Mikey, que ha de rescatar al resto de sus compañeros. La compañía japonesa también sacó una versión de este juego para MSX, que si bien era el mismo estilo de juego, modificaron los niveles y aumentaron la dificultad hasta límites extremos.
Y por fin, en 1987, apareció en la Nintendo 8 bits: The Goonies 2. The Fratelli's Last Stand. Programado también por Konami, sigue los patrones del anterior juego, pareciendo más un remake que una secuela, añadiéndole toques de exploración y utilización de objetos. De la misma manera llevamos a Mickey que, ataviado con un yo-yo como arma, ha de volver a rescatar a sus compinches y a una sirena llamada Annie (WTF????). Lo más llamativo es que en determinados momentos la vista cambia a primera persona cuando entramos en algunas habitaciones.

Los Goonies
Pero no se vayan que aun hay más. De la misma forma que actualmente nos podemos encontrar un Kingdom hearts, que es un cruce entre el mundo de Square y Disney, a finales de los 80 Konami lanzó WaWai World, un crossover entre varias de sus sagas como Castlevania, TwinBee o Gradius, entre otros. Y, por supuesto, aprovechando que todavía conservaban los derechos de la película aquí reseñada pues volvieron a echar mano del bueno de Mickey y usaron una fase que transcurría en el barco de Willie el tuerto y bajo las catacumbas.