Resident Evil: Extinction

Por alguna extraña razón para esta tercera entrega no se contó con Alexander Witt y se contrató a ese loser llamado Russell Mulcahy (que salvo Los inmortales nunca más hizo nada bueno) y con Anderson controlándolo todo desde la sombra.

Si en Resident evil: Apocalipsis comenzaba justo al final de la primera entrega en esta Resident evil: Extinction damos un salto en el tiempo. El virus T no sólo no desapareció con la bomba nuclear lanzada a Raccoon City si no que se extendió por todo el planeta, haciendo que la cantidad de infectados fuera demoledora y las pocas personas que quedan se hayan convertido en nómadas que vagan por el mundo para evitar a los zombis.

Alice, que había dejado el grupo de Olivera y compañía, cree que en Alaska el virus no ha llegado y allí continúan viviendo de forma normal. Así que mientras se dirige hacía allí se topará con un convoy donde se reencuentra con Olivera.
Paralelamente el doctor Isaacs (que ya habíamos visto al final de la anterior entrega) sigue trabajando en el Proyecto Alice, a la vez que busca a la auténtica a través de los satélites.

La película pasa toda ella en zona desértica dando un tufo a western (Alice monta una BMW como un cowboy a su caballo) y a peli post nuclear (casas abandonadas, Las Vegas enterrada bajo la arena). Cosa que hace que peque de lo mismo que todas las películas del subgénero, son aburridas porque hay demasiados tiempos muertos para que veamos lo solos que están los protagonistas en medio de la nada. Cosa que nos recalca varias veces Mulcahy con esos planos generales.
Si el personaje de Alice ya había perdido algo de protagonismo en la segunda parte (no mucho, pero sí un poquito) aquí esa perdida va en aumento, parte del metraje ni aparece. Una Alice que ya ni se le intuyen rasgos humanos y si en la anterior entrega tenía una fuerza sobrehumana aquí le han colocado poderes telequinésicos (que ya vimos en las escenas finales de RE2). Y es que cuando le ponemos poderes de estos chungos a los personajes es que algo va mal (no hay más que ver Viernes 13, 7º parte).

En el fondo, si lo pensamos esta trilogía no deja de ser una puesta al día de la de Romero. En la primera todo sucedía en un entorno cerrado (ya fuese la casa de La noche de los muertos vivientes o la colmena de Resident evil) y nos encontrábamos los primeros síntomas de la resurrección de los muertos. En la segunda la plaga se expande y tenemos el enfrentamiento entre humanos y zombis. Y en la tercera la civilización a sucumbido a los infectados, y en RE3 también nos encontramos con un mad doctor que intenta civilizar a los zombis como ya vimos con el Buba de Romero.

Pero si esta tercera parte peca de aburridilla (curiosamente fue la que mejor taquilla hizo de las tres) lo mejor es el final, donde nos deja entrever una cuarta entrega con un ejercito de Alices clónicas viajando hasta Tokio para cargarse a los de Umbrella, con lo que puede ser un híbrido de Akira muy fuerte. Yo ya me estoy frotando las manos

Resident Evil 2: Apocalipsis

Esta secuela ya es bastante más fiel al juego, cogiendo cositas del 2, 3 y Code: Veronica, además de personajes como Jill Valentine, Carlos Olivera, Nicholai Ginovaef o Némesis.
Dirigida por el chileno Alexander Witt (que tiene un cameo), que hasta la fecha se dedicaba a llevar la cámara o dirigir segundas unidades, se muestra mucho más solvente que Anderson que estaba ocupado haciendo Alien vs Predator y que aquí está relegado a tareas de producción y guión.

Resident evil: Apocalipsis, que es muchísimo más espectacular que la primera, empieza justo donde acaba su predecesora, Alice saliendo al exterior y descubriendo que Raccoon City está totalmente infectada.

Luego tenemos escenas que suceden paralelamente al final de la anterior entrega donde vemos como Umbrella comienza la evacuación de la ciudad y en determinado momento deciden cerrar la ciudad a cal y canto para evitar que el virus T salga de ella. Así que ya tenemos los diferentes personajes que acaban juntándose para buscar una salida antes de que lancen una bomba nuclear y se carguen toda la ciudad, como ya pasaba en Return of the living dead. Uno de los personajes que nos encontramos es la reportera Terri Morales que va cámara en mano grabándolo todo; a saber cuanto han chupado de aquí los de Rec.

Una de las muchas cosas buenas de esta secuela es que responde a muchas preguntas planteadas en la primera parte, se nos explica el origen del virus T, sabemos mucho más de Alice y que forma parte de un experimento y conocemos el destino del otro superviviente de la mansión que acaba convirtiéndose en Némesis. Con este personaje, que no da el canguelo que daba en el juego, acertaron de pleno de dejarse de chuminadas digitales y hacerlo a base de maquillaje y traje de plástico a lo Tortugas ninja.

Alice apuntaba maneras en la anterior peli pero aquí ya se desboca y tenemos a una Jovovich en su salsa dando saltos y patadas voladoras a lo Chuck Norris, descendiendo por la fachada de un rascacielos, atravesando ventanas a bordo de una moto o, al final, con su pelea ante Némesis que evoca a las series B y Z de antaño con ese mad doctor a la cabeza viendo cual de sus creaciones es superior.

Esta secuela ya tenía buena pinta, incluso desde su teaser, aquel que simulaba un anuncio de cosméticos (que lo dirigió Marcus Nispel, que luego hizo el remake de La matanza de Texas); los efectos digitales están mucho más cuidados, los maquillajes de los zombis son mejores (cosa curiosa que aquí los zombis, sin explicación alguna, ya no son lentos, como en la primera peli, si no que son rápidos), en definitiva, que es mucho mejor. Cosa rara porque aunque parezca tener mucho más presupuesto apenas contaron con unos cuantos millones más (43 millones $); todas estas cualidades hicieron que la peli volviera a funcionar en taquilla (130 millones $) y por consiguiente apareciera una tercera parte.

Resident Evil

Que en Hollywood ya no saben que inventar es algo que lo sabemos todos. La falta de ideas hace que aparezcan una avalancha de remakes, versiones de series televisivas, adaptaciones de cualquier cómic o de videojuegos; esta última modalidad es la que nos importa.
Las primeras adaptaciones fueron o muy malas o reguleras, pelis que se aprovechaban del nombre de la franquicia y luego salían cosas como Super Mario Bros o Street fighter (difícil de olvidar es el plano que cierra la película). Cosa hasta cierto punto entendible porque los juegos de la época, en su mayoría, consistían en ir pasando de nivel, rescatar a la princesa de turno y poca cosa más; esto pasaba en el Mario, en cambio pese que Street fighter pudiera parecer un juego de peleas one vs one las historias de cada uno de los personajes acababan desembocando en Mr. Bison y daban para mucho más de lo que se vio en la pantalla. Afortunadamente para las productoras las nuevas tecnologías hacían posible videojuegos más trabajados, no sólo en lo audiovisual si no también en el argumento, llegando a niveles practicamente cinematográficos. Curiosamente Mortal Kombat siendo mediocre no era más que una serie B entretenidilla, quizás por este motivo a su director, Paul W.S. Anderson, le dieran las riendas de lo que tenía que ser el lanzamiento de la franquicia de Resident evil por la puerta grande de Hollywood; pese a que durante mucho tiempo se dijo que la dirigiría George A. Romero (y que ahora se dedica hacer engendros de tamaño descomunal como El diario de los muertos) que estaba obsesionado con rodar su famosa guerra entre zombis y humanos (que ya quiso hacer en los 80) y Capcom pensó que eso no seguía la línea del videojuego.

La saga de Capcom ya tenía unos cuantos juegos en el mercado con lo que se puede decir que era una apuesta bastante segura. Pero los americanos son muy suyos y en lugar de seguir las pautas marcadas por los juegos se sacaron de la chistera cuantos más cambios mejor. Para empezar crearon el personaje de Alice (Mila Jovovich), nombre nada casual ya que al igual que el personaje de Carroll ésta se adentra en un mundo (a priori) desconocido para ella a través de un espejo. Digo lo de a priori porque al empezar la película tiene amnesia, usuase el clásico recurso de guión para que mientras le van explicando todo a la prota el espectador se vaya enterando (otro es meter a un personaje que viene de fuera y le van poniendo al día). Además, después del prólogo, nos encontramos un primerísimo plano del ojo de Alice (plano que se repetiría a lo largo de la trilogía), un claro indicio de que todo lo que vamos a ver a continuación será a través de ella.
Tan libre es la versión que en un principio la peli se tenía que llamar Resident Evil: Ground Zero y tenía que ser la precuela de lo visto en los juegos, explicando el origen del virus que condena a Raccoon City, ciudad que apenas vemos al final, con el ineludible guiño a Romero con ese periódico de The dead walk! (error porque luego descubrimos que todo sucede de repente y sería harto complicado haber sacado una edición del periódico), en el mejor plano de la película donde Alice descubre que el virus T ha salido a la superficie. También es más que evidente la alusión al HAL de 2001 en las cámaras de seguridad que pueblan la colmena (laboratorios que se ocultan bajo tierra propiedad de Umbrella Corporation) dirigidas por el ordenador central (la reina roja, otra referencia a Alicia).

Lo que en un principio tenía que ser una superproducción se quedó en un quiero y no puedo, lastrada por sus poco más de 30 millones de presupuesto, pasando toda la trama en los interiores de la colmena. Además los efectos digitales eran bastante malos, caso difícil de olvidar es el enemigo final creado en digital caspa que, además, se mueve de mala manera, y es ahí, en esa torpeza, donde cae hasta simpático recordándonos los muñecos en stop motion. Los maquillajes de los zombis, que aquí son lentos y torpes como los de la escuela Fulci y compañía, no eran excesivamente truculentos; y mucho menos las escenas de desmembramientos.

La realización de Anderson tampoco es para lanzar cohetes, incidiendo en planos evidentísimos para recalcarnos las cosas, aunque quizá fuera, más que por su incompetencia, para que el público pelo cenicero a la que iba dirigida se le quedara bien clarito todo (un tipo de gente que, por otro lado, visita este blog. Hola hijos de puta). Pese a estos defectos la peli tiene un ritmo trepidante con grandes escenas como el pasillo donde aparecen los láser (saqueado de Cube), la escena del tren que siempre me ha recordado a la de Fantasmas de Marte o la del ascensor en el prólogo.

Mucho se criticó la película, seguramente porque miedo daba más bien poco, declinándose más por el género de acción a lo Alien salpicándolo todo con flashbacks y la intriga para saber que es lo que ha pasado en el laboratorio. Sin ir más lejos a mí no me gustó la primera vez que la vi, pero en un segundo visionado, sabiendo que me encontraría, la disfruté y mucho; aunque podría haber sido mayo el disfrute de no haber tenido que sufrir a Michelle Rodriguez que vuelve hacer el mismo papel insufrible de marimacho que hace siempre. Por fortuna muere, que se joda.

Sus más de 100 millones de taquilla a nivel mundial hicieron que los productores dieran como bueno el resultado y siguieran con la saga en la gran pantalla.

El caramelo definitivo

Uno de los pocos placeres que quedan en la vida es hacerse un aperitivo el sábado o domingo, poco antes de la una, mientras ojeas alguna porquería que den en tv o le das al vicio consolero y vas pegando mordiscos a un trozo de fuet o puntilleando unas olivitas, todo eso rehogado por una buena lata de Red Bull, la única bebida que se puede beber hoy en día sin escupir al suelo después. Hubo otra época en la que daba gusto ir a la sección de bebidas del super, con la Cherry Coke al frente, pero a día de hoy hay que conformarse con las latas del toro rojo o la piña colada que todavía resiste estoicamente.

¿Por qué los gabachos la pueden beber y yo no?

Para mi fortuna una empresa española ha sacado la versión caramelo de Red Bull, Animator se llaman y salvo porque le faltan las burbujitas chispeantes saben igual que el fantástico brebaje que inventó ese gurú llamado Dietrich Mateschitz. Olvidense de los caramelos Pez, los Peta-zeta o los botecitos de pica-pica Clay (estos todavía los podemos poner en la recámara).

Ya lo dice el envase: Más taurina, más cafeína, energy sweet. Los componentes necesarios para ir al trabajo un lunes por la mañana y arrancarles los huevecillos al jefe de un mordisco.

Pero si la bebida austriaca está prohibida en multitud de países mucho me temo que estos caramelitos españoles tengan los días contados. Yo, por si las flys, ya he saqueado las estanterías del super y llenado mis armarios con el único invento que ha salido de nuestras fronteras que vale la pena, ha excepción del botijo y la peineta, of course.

The firemen

Cuando uno se pone a jugar a la GP2X, la GP32 o cualquier emulador (ya sea para consola o pc) gusta de recuperar de aquellas joyitas con las que matábamos las tardes de juventud; ya sea un Mario, Sonic, Zelda, Street fighter... yo que sé, hay tropecientos! Pero uno que me ha hecho ilusión recuperar es The firemen.

The firemen apareció en el lejano 94 para Supernintendo y era como protagonizar tu propio El coloso en llamas o Llamaradas.
El juego nos ubica en el 2010, en Nueva York; en el edificio de la Metrotech Chemical Company se celebra la fiesta de navidad; en la cocina se produce un pequeño incendio que se acaba comiendo todo el edificio. Ahí es donde aparecemos nosotros, guiamos a Pete un veterano bombero con mostacho a lo Tom Selleck y nos acompaña su ayudante Daniel con la difícil misión de acabar con el incendio.

El juego tiene una vista semi-aerea muy Zelda, y aunque pueda dar la sensación que el método de juego es a lo Ghostbusters, donde llevábamos dos personajes, con uno tirábamos la trampa y con el otro usábamos el rayo que cazaba a los fantasmas, aquí sólo controlamos a Pete, Dany lo lleva la máquina ayudándonos un poquito. Normalmente este tipo de muñecos que controla la máquina más que ayudarnos lo que hace es tocarnos los cojones porque se mete por en medio o se queda en algún sitio y tenemos que volver a por él haciéndonos retrasar la marcha; en el caso de este juego esto no es así, el bueno de Daniel se comporta como un buen bombero, sin manguera, pero bombero al fin y al cabo.

Evidentemente nuestra principal arma para combatir el fuego es una manguera, aparte tambien contamos con un hacha, un aspersor para las llamas más pequeñas y unas granadas de mano que cuando explotan lanzan una gran ráfaga de agua. Como ya he dicho nuestro compañero no lleva manguera, él se apaña con un hacha y se dedica apagar las llamas pequeñas, abrirnos las puertas y a recoger a las pobres personas que se han quedado en medio del fuego, y es que a parte de deshacernos del fuego nos encontramos pequeñas misiones que nos encargan vía radio como rescatar algunas personas en determinado tiempo, todo eso con los inevitables jefes finales al final de cada fase que es representada por cada una de las plantas del edificio.

Al final del juego nos espera una sorpresa

El juego no tuvo mucha repercusión (aunque de haber salido después del 11S se hubiera alzado en los primeros puestos de ventas, seguro), aunque, pese a ello, Human no se achicó y sacó una secuela para Playstation, The Firemen 2: Pete & Danny que creo que no llegó a salir de Japón.

Programado por Human Entertainement, una de esas compañías japonesas que desde los 80 ya trabajaba para consolas como Nes, Gameboy, TurboGrafx, Nintendo 64, Saturn... aunque con la que más se prodigó fue en la maravillosa Supernes, haciendo juegos como los dos Super Soccer, Clock Tower (saga de terror que además siguió en Play y Play2) o este The firemen.
En el 99 Human pasó a engrosar las filas de empresas programadoras que dejaban el negocio de los bits.

Y eso es todo amiguitos (y no tan amiguitos) marcho apagar unas cuantas llamas.

La trilogía de Kurt Russell en Disney

No nos engañemos, Kurt Russell sólo ha hecho basurilla, de la quema se puede salvar Golpe en la pequeña China, Tango y Cash y poca cosa más. Ni Rescate en N.Y. y ni mucho menos La cosa, que es simplemente horrible, son visibles. Y bueno, por supuesto que esta trilogía que paso a comentar es de lo poco que salvaremos.

Kurt cuando vivía feliz en una comuna de clones

Kurt ya llevaba muchos años afincado en producciones Disney, ya fuesen series o pelis con los buenos de Fred MacMurray o su sucedáneo en los 70, Dean Jones. Hasta que en el 69, la propia productora, le dio la oportunidad de protagonizar una peli, Mi cerebro electrónico (The Computer Wore Tennis Shoes) de Robert Butler, donde daba vida a Dexter Riley un estudiante del instituto Medfield.

Kurt y su pandilla quieren un computador (no un ordenador, recordemos que estamos en los 60) para el centro así que le van a llorar un poquito al maximillones de A. J. Arno (Cesar Romero), que es el clásico tipo que todo el mundo se piensa que es un gran empresario y en el fondo es un pillastre que se dedica a usar computadoras para sacar combinaciones ganadoras en el casino, el ganador de la carrera de cavallos, etc. Así que el bueno de Arno les regala una de sus computadoras a los chavales para el instituto.

Una vez en el instituto resulta que falta una pieza para acabar de montarla y Kurt se presta voluntario para ir a buscarla. Por una serie de razones, una vez conseguida la pieza, el chaval intenta montarla y se pega una descarga en la máquina. Descarga que no sólo le dejará chamuscado si no que le meterá todos sus datos en la cabeza.

A partir de ahí ya tenemos el clásico concurso de preguntas entre institutos y Kurt por en medio.

Míticos son varios de los momentos de la peli: el médico mirando la cabeza de Kurt a través de rayos x y vemos lucecitas como las de los paneles de ordenador o la final del concurso donde casi no se acuerda de nada y habla a cámara lenta, por decir algunas.

Kurt ya es un hombre

La peli, que se estrenó en la navidad del 69, tuvo mucha aceptación, dando a Russell la oportunidad de protagonizar más pelis en Disney, sin ir más lejos 2 años después repetiría con Robert Butler y con parte del equipo de la anterior peli en Un ejecutivo muy mono; como dato decir que en esta peli hizo su debut en pantalla el gran John Ritter, además, de la peli, se hizo un remake para el Disney Channel en el 95. En ese mismo año 1995 tambien se hizo un remake de Mi cerebro electrónico donde el papel de Dexter lo interpretaba el mismísimo Kirk Cameron, pero ya entrado en años, y con un habitual de la factoría Disney en los 60 y 70 como Dean Jones haciendo algún papelito a mayor gloria.

Pero vamos a lo que vamos, en el 72 estrenan Te veo y no te veo (Now You See Him, Now You Don't) con la mayoría del equipo de las anteriores y todos repitiendo sus roles, ya sea el propio Russell, Romero o, el no menos mítico, Richard Bakalyan. Además usarían exactamente la misma estructura con lo que más que una segunda parte parece más un remake, tanto se parece que la peli empieza exactamente igual, reunión de profesores y los alumnos escuchan la conversación a través de un micro que han puesto en el despacho.
Aquí la historia es la del clásico accidente causado por una tormenta que lanza un rayo al laboratorio del instituto combinando varios componentes y creando el elixir de la invisibilidad. Por ahí pasará el malote de Arno, que vuelve a las andadas delictivas, y se enterará del invento con lo que querrá apoderarse de él para enriquecerse haciendo fechorías.

Aquí ya tenemos síntomas de cansancio en una formula repetitiva pero que se deja ver porque, no nos engañemos, es una peli tan de su época y tan ingenua que cae en gracia, sobre todo con los clásicos trucos para crear los efectos de invisibilidad, ya sean hilos o transparencias cutrillas.

Cesar Romero me toca los huevos

Ya en el 75 se cierra la trilogía con El hombre más fuerte del mundo (The Strongest Man in the World) que continuaba contando con el mismo equipo salvo en la dirección que paso a manos de Vincent McEveety otro que, al igual que Butler, después fue carne de cañón de teleseries; además se les unió un clásico de la época, Dick Van Patten.

En esta nueva peli volvemos con la pandilla de Medfield que aquí, ya en un toque de bizarrismo, los alumnos se prestan a experimentos alimenticios, uno de estos alimentos son los cereales Crumply Crunch (¿nadie se acuerda de las patatas chips de La extraña pareja?). Y luego lo de siempre, casualidades de la vida el líquido fantástico va a parar al tazón de cereales de Kurt y adquiere una fuerza sobrehumana; con lo que todos se piensan que es cosa de esos cereales. Casualidades de la vida el dueño de la empresa rival de los Crumply Crunch es A. J. Arno, que conociendo a la pandilla de Medfield sabe que hay gato encerrado.

Aquí ya todo se reduce a chistes en plan me apoyo en una farola y sin querer la doblo o levanto a mis amiguetes con la punta del meñique. Además Russell ha perdido parte de su protagonismo que se reparte más en el resto del elenco, ya sea en Van Patten, Romero o, incluso en Michael McGreevey. Y como ya he dicho antes la repetición de la formula (líquido mágico, malos que quieren robarlo, concurso de instituto...) se hace cansina así que normal que ya no siguieran por ahí, cosa prefectamente entendible porque Rusell, con sus 21 añazos, ya no colaba como estudiante de instituto.

Fumar perjudica gravemente la salud

Ya en los 80 recuerdo Movida en la universidad (ZAPPED, 1982) con Scott Baio donde nos volvíamos a encontrar al estudiante universitario que tiene un accidente en el laboratorio y adquiere alguna cualidad fantástica, aquí era la telequinésia; todo eso salpicado por las características propias de las comedias adolescentes de la época (Porkys, Rompecocos, Las albondigas en remojo, etc) un poco de erotismo, tetas y culos de chavalas de buen ver.

Piticli, bonico

Ya tocaba una actualización de Callejeando, la auténtica, la buena, la que mola y no de esas cutres y malas imitaciones que corren por ahí, esas no molan.


¿A dónde te crees que van todos esos yayos que ves en el metro con sus jaulas de canarios y periquitos a pares? Pués muy fácil, a la Pajarería.

c/ Miquel Romeu (Hospitalet, Bcn)

Encuentros con el cartero (3)

Y esta vez no ha sido pasando por caja, esta bonita camiseta de Speed Racer (usuase la peli del verano o del año) ha llegado vía sorteo, no se el cual porque me apuntaba a cualquiera que veía que sorteaban algo de esta peli, hasta en los que el premio era un cochambroso reloj infantil del flick & flack esos. Con un precioso color rojo y el logo de la peli a la espalda ya le daremos buen uso en verano, ya sea para ir a la playa o a una sesioncita.

Y es que hacía años que no me tocaba nada, bueno algunos euretes en la quiniela pero que no daban ni para un café con hielo. Pocas cosas me habrán tocado en la vida, y de las únicas que tengo recuerdo son de sorteos relacionados con el hombre murciélago.

Me tocó un batmobile allá por el 93, era verano y no se muy bien porqué aparecieron unas patatas fritas de la marca Larios (ni pajolera idea si aún se venden o sólo duraron ese año) y por alguna extraña razón les dio por hacer una campaña publicitaria bastante fuerte para su lanzamiento, y un día me veo el anuncio en la tv en la que sorteaban batmobiles teledirigidos. Coño, esto hay que comprarlo, me dije. Así que, triste de mí, me compré la bolsita más pequeña, ruin y barata que había en el super, recorté el código de barras y lo mandé por correo. Nunca más me acordé ni volví a pensar en eso, aquel verano había comenzado hacer cortillos con la videocámara Sony que grababa en Beta que teníamos por casa y estaba demasiado entretenido para pensar en eso.

50 centímetros de pura virilidad

Pasaron los meses y allá por noviembre o diciembre de aquel 93 me encontré un mensajero con una caja grandiosa. Madre mía, al ver semejante bicharraco de coche se me debieron erizar los pelillos de los huevetes al verlo. En la tv parecía un cochecillo de eso de Majorette y me encontré un batmobile que hacía más de medio metro, con sus luces y todo y un pedazo mando para controlarlo. Lo malo del puñetero coche es que hacía lo que le salía de los cojones. Nunca supe si es que cogía interferencias o es que no estaba muy fino, pero el coche arrancaba solo, giraba a donde le daba la gana, se metía leches contra las paredes... un despiporre, vamos. Pero a mí me daba igual, nunca me han interesado los coches y sólo el tenerlo en mi habitación ya me ponía palote, y anda que no le saqué partido al coche para los cortos de Batman que hice en la época. Y todo eso por una chusca bolsita de patatas, seguro que alguno debió mandar tropecientos códigos de barras y aún se está comiendo los mocos. Me río, pero con la boca pequeña, que yo también he pringado gastándome sellos, sobres y dinero con Matutano en la época que sorteaba Supernintendos.

Por aquella época ya emitían la serie de dibujos de Batman en Canal plus, que yo cada tarde (si no recuerdo mal a las 19 h) no me perdía, y evidentemente Kenner perdió el culo para sacar los muñecos. Por aquella época yo ya no jugaba con muñecos pero la verdad es que eran bastante chulos, no eran excesivamente articulables (yo era más de los Gijoe) pero eran muy fieles a los dibujos. Así que me los iba comprando para ponerlos en la estantería.

Y llegó un buen día a finales del 94 que fui al videoclub y me encontré Batman, la máscara del fantasma, la alquilé y antes de empezar la peli me sale la imagen de una luz roja parpadeando y una voz que dice: Atención, Batman tiene un mensaje que daros. La leche, ¿qué es esto? Pues era una promoción donde sorteaban 50 batcuevas, según el batmensaje únicas en Espanya ya que aquí nunca salieron a la venta. La historia era otra vez de códigos de barras, esta vez con los que venían en el blister de los muñecos. Como buena persona obsesiva que soy, me guardaba los cartoncitos así que tenía un buen puñado de códigos. Los mandé, la mitad a mi nombre y la otra mitad con el de mi hermana, ya que pensaba que ella era más suertuda que yo.

Al cabo de los meses me llegaron algunos cómics de la serie, que era una especie de regalo de consolación por enviar códigos, pero al cabo de unos días llegó la famosa batcueva. Evidentemente tocó, pero con una de las cartas que puse al nombre de mi hermana. Para evitar peleas mi madre dijo lo clásico de para los dos. No hace falta adivinar que perdí el culo para apoderarme de ella.

La casita no estaba mal, era un cacharro que se podía desplegar y por un lado tenías la fachada de la mansión de Bruce Wayne y por la otra la cueva, que era lo mejor, con su sillita, el armario para que B. Wayne se cambiara, una puerta para el garaje del batmobile e incluso tenía una pasarela con una trampa para los enemigos.

Como ya he dicho antes ya se me había pasado el arroz para los juguetitos pero, al igual que el anterior premio, la batcueva tuvo su protagonismo en algunos de aquellos cortos postpuber.

Igual que la mansión de Barbie pero en negro

Un día tendría que hacer un listado con todas las chuminadas que tengo de Batman, desde chapas, muñecos, cromos, posters, pegatinas, los muñecos esos de los caramelos Pez, cómics, batmobiles de todas clases, muñecos boxeadores, estatuas, lámparas, naves a cada cual más extraña, gafas para ver fotogramas de las pelis en 3D, relojes, camisetas, maquetas... si es que en el fondo mi habitación es la mismísima batcueva.

Unos apuntes

Buscando no se qué en el baúl de los recuerdos me han aparecido mis apuntes de cuando estudiaba pre-impresión. Y es bien sabido que para aprobar la base está en unos buenos apuntes. Así que ahí los dejo por si alguien está en época de exámenes o, por qué no, si hay algún interesado (por amor al arte) en la gestión de color, tintas planas, historia de la tipografía, resoluciones, lineaturas, puntos didot y yo que se que más.

Yo saqué un 7,4 de nota final en el título, así que tan malos no deben ser.

Batman, la máscara del fantasma

A principios de los 90, después del mega éxito del Batman de Burton y en plena pre-producción de la secuela, Warner Bros. Animation no veía mal potenciar la nueva película con una serie de animación así que su presidenta, Jean MacCurdy, anima a varios del equipo del departamento de animación a que presentaran ideas.
Bruce Timm y Eric Radomski, compañeros que trabajaban en la serie Tiny Toons, sin saberlo habían presentado sendas aportaciones. El primero, dibujante de storyboards, llevó los bocetos del personaje de Batman, mientras que Radomski, ilustrador de fondos, aplicando una técnica para oscurecer al máximo los fondos presentó una Gotham City oscura y tenebrosa. Así que cuando la presidenta del departamento de animación vio las propuestas sólo tuvo que combinarlas para ver que de ahí podía surgir lo que estaba buscando. Ahora sólo faltaba producir una prueba de animación de dos minutos para ver si el proyecto se tiraba adelante o caía en el limbo.

Bocetos para la serie

Unos ladrones, pistola en mano, salen a la fuga por las azoteas hasta que aparece la figura de un hombre enmascarado les sorprende. Intercambio de golpes y llega la policía con el comisario Gordon a la cabeza intentando buscar con la mirada al héroe enmascarado. Esta fue la escueta animación que bastó para que la Warner diera el ok a la realización de la serie, animación que sirvió de intro en cada capítulo de Batman TAS (Batman. The animated series).

La serie tuvo mucho éxito, sobre todo teniendo en cuenta que estaba enfocada más al público adulto que a los infantes, aparte de unas grandes críticas resaltando su calidad técnica (que bebía del Supermán de Fleischer, trazos simples y rápidos que permitían al animador recrearse en un la animación propiamente dicha con movimientos reales) sus elaborados guiones, la esplendida banda sonora de Shirley Walker (que fue directora de orquesta en varias de las grabaciones de bandas sonoras de Danny Elfman) o las interpretaciones de sus dobladores. Doblaje que contaba con muchas caras conocidas: Mark Hamill (Joker), Adrienne Barbeau (Catwoman), Paul Williams (Pingüino), David Warner (Ra's Al Ghul), Roddy McDowall (Dr. Jervis Tetch), Ron Perlman (Clayface), Marc Singer (Dr. Kirk Langstrom), Tim Curry (Henchman)...

Bocetos del cartel

Todo esto propició que la Warner se animase hacer un largo para lanzarlo directamente a vídeo, así que encargó a los responsables de la serie que se ocuparan del proyecto. Alan Burnett escribió el guión, donde nos encontrábamos los origenes de Batman pero que evitaba la aparición de los villanos clásicos, a excepción del Joker, y se sacaba de la manga una especie de reverso oscuro de Batman, el Fantasma, un vengador aparecido de la nada que se dedica a liquidar uno por uno todos los gangsters de la ciudad.

Diseños para una versión de El regreso del señor de la noche de Miller, se llegó hacer secuencias animadas pero nunca vieron la luz

Conforme la producción fue avanzando los de la Warner estaban cada vez más contentos con lo que veían, tanto que decidieron estrenar la peli en cines, así que pusieron más dinero aumentando el presupuesto a 6 millones de dólares. Batman, la máscara del fantasma (Batman: Mask of the Phantasm, 1993) se estrenó las navidades del 93 exclusivamente en sesiones matinales, pero pese a tener excelentes críticas no consiguió el éxito esperado recaudando poco más de 5 millones, haciendo que en el resto del mundo saliera directamente a mercado doméstico.

¿He dicho que hoy sólo pongo bocetos?

Nada más empezar la película nos encontramos una secuencia hecha enteramente en 3D, un sobrevuelo entre los edificios de Gotham, escena que a día de hoy está totalmente desfasada (aún no se había estrenado la película que marcó las 3D, Toy Story) y que, sinceramente, no veo que pinta ahí desentonando con el resto del metraje. La peli más que un episodio alargado de la serie o la clásica aventura de superhéroes es una película de gangsters, hay que recordar toda la estética retrofuturista de la serie, mezclando tecnología punta con una ciudad en blanco y negro totalmente gangsteril, cosa que ya se apuntaba en el Batman del 89. Con un ritmo pausadísimo y evitando descaradamente al público infantil nos adentramos en los origenes de la transformación de Bruce Wayne en Batman, todo ello con constantes flashbacks y con un guión complejo (para el tipo de producto que es) capaz de linkear los primeros escarceos amorosos de Wayne con el pasado como gangster del Joker. O descubrir de donde aparecen varios elementos del hombre murciélago, por ejemplo el batmobile, que no deja de ser una idea germinada a partir de un coche del futuro visto por Wayne en una visita en una de esas ferias mundiales que tanto abundan en los USA. Feria mundial que, de una forma brillantísima en su idea de guión, aparece en el último acto del metraje como il gran finale, pero esta vez el decorado totalmente decadente y en ruinas como buena feria mundial abandonada que se precie.

Pese a su relativo fracaso la serie de tv continuó y siguieron apareciendo largos animados, pero eso ya es otra historia.

Speed Racer (aka Meteoro)

A estas alturas todo el mundo sabe que la nueva peli de los Wachowski está basada en la serie de los 60 Mach go go go que, a su vez, se basaba en el manga de Tatsuo Yoshida.

Donde nos encontrábamos a Speed Racer un joven piloto que a bordo de su Mach 5 tiene la intención de ganar el campeonato, pero que, una vez metido dentro del mundillo, se dará cuenta de que las carreras están amañadas. Luego, además, tendrá ese rollito de venganza ya que su hermano mayor murió cuando corría el campeonato. Esto es un mal resumen del argumento pero es que tampoco hay que explicar mucho.

Se nota que los Wachowski, que han sido bastante listos de no hacer una peli demasiado filosófica después de sus Matrix y se han ido a un producto cien por cien palomitero, han chupado de la serie y es que la película es terriblemente fiel a la serie, ya sea con la aparición de todos los personajes, la música, sus arcos argumentales o hasta los detalles más mínimos como los botones del coche que cada uno ejecuta una acción, las mismas que en la serie.

La peli sigue en esa horrible línea de las no menos horribles Sin city, 300 o Spirit de rodar todo en blue screen y apenas hay decorados reales, con la salvedad de que a Speed Racer le viene que ni pintado ya que le da un toque muy comiquero y poco real (como ya pasaba en Ultraviolet) que, además, ayuda a que el vestuario no desentone. Los efectos digitales en las carrerars siguen en esa línea poco realista pero que no importa porque todos esos colorines psicodélicos hacen que salgas con los ojos como platos y que los epilépticos saquen espuma por la boca. Unas carreras salvajemente mareantes que tienen unos paralelismo con las de los últimos Mario Kart que tira para atrás.

Mario Kart mucho más que una referencia

Los actores están todos muy correctos, los buenos son muy buenos y los malos malísimos, pero es que tampoco hace falta más, destaco a la pareja que actúa como resorte cómico, el hermano pequeño de Speed, Spritle, y su mono Chito, que están que se salen y nunca llegan a ser cargantes.

En definitiva, una peli entretenidísima que le sobran tranquilamente 20 minutos (dura 2 horas y cuarto) que la hubiera hecho mucho más amena pese a que ya han intentado hacerla más ágil metiendo flashbacks durante las carreras para darle más ritmo y evitar los tiempos muertos, con un montón de escenas de acción, ya sean de las carreras o de peleas, con una portentosa banda sonora de Michael Giacchino, mucho sentido del humor y con Matthew Fox en plan Diabolik, que siempre es de agradecer. Lástima que en BCN no hayan tenido la vergüenza de estrenarla en un Imax que hubiera sido para mojar las bragas.

Como apunte de videogamer decir que en el 92 apareció Speed Racer in The Challenge of Racer X de la mano de Accolade que funcionaba bajo Ms-Dos, yo jugué a la demo y ya en la época me pareció flojillo.



Un par de años después para Supernintendo salió el Speed Racer in My Most Dangerous Adventures. Una vez que Accolade perdíó los derechos Namco sacó para Play Speed Racer; y ya en el 98 volvió aparecer para la consola de Sony un Speed Racer pero esta vez bajo la mano de Jaleco. No hace falta decir que con el estreno de la peli han vuelto aparecer nuevos videojuegos de la saga.

Bocadillo moruno

Poner un cartel con el nombre del establecimiento a tu negocio es de tristes, lo que ahora se lleva es poner una foto con tu face en él. Eso es lo que marca la calidad, es lo que enrrolla a tus clientes, eso es lo que diferencia un garito chungo de uno muy chungo. Porque tú lo vales.

Rambla de Poble Nou (Bcn)

Revolver

Revolver es un buen ejemplo que detrás de una serie de buenas pelis no siempre hay un buen director sino un buen productor. Guy Ritchie, su director, tuvo un esplendido debut con Lock & Stock, la segunda, Snatch, continuaba manteniendo el nivel en una especie de remake de su primer film pero con más pasta, más caras conocidas y una historia más rebuscada intentando rizar el rizo. Luego ya vino su lapidación mundial con Barridos por la marea ese remake para lucimiento de su esposa que como no he visto no valoraré pero seguro que no es tan malo. Y hasta aquí duró el binomio del director con el productor Matthew Vaughn, luego reciclado a director de cosas como Layer cake, una revisión a las pelis de mafietas londinenses de Ritchie pero menos cómica o Stardust, una de esas pelis que sigue la estela de Potters & cía pero mucho más entretenida y simpática.

Después del fracaso mundial de crítica y público de su última peli Ritchie buscó asegurar la jugada y apostó por lo que mejor sabe: mafia, maletines de dinero, tiros, muertos, muchos personajes... Todo parecía que volvía a su cauce y que Ritchie volvería hacer una buena peli pero cometió dos errores, no contó con Vaughn en la producción y se ajuntó con Luc Besson para escribir el guión.


Un guión que nos pone de protagonista a Jason Statham, que ya lo tiene mal con esa perilla y una peluca difícil de lidiar, que se dedica a putear a un mafiosete personificado por Ray Liotta mientras apura sus últimos días ya que los médicos le han diagnosticado una enfermedad terminal, a la vez es chantajeado por un par de matones. Contar más de su argumento es bastante difícil, el guión es poco claro y muy confuso, uno nunca sabe porque suceden según que cosas aunque eso es lo de menos ya que en su segunda hora, justo cuando la película cae en picado, si es que no lo había hecho ya después de los créditos (que no hay), es cuando entra en acción la parte más pretenciosa y salida de madre con desvaríos varios y dobles personalidades, sin duda made in Besson.

Statham intenta ir más de lo que es y en su intento de actuar fracasa vilmente; Liotta ya es otro cantar, simplemente horrible. Una especie de mafiosete afeminado que se pasa medio metraje en cabinas de rayos uva quien sabe si borracho o drogado es demasié pa su body. Luego tenemos por ahí a André Benjamin un negro de esos raperos que merecen morir (como todos) del grupo OutKast y que cuando no berrea se dedica a intentar actuar, y que en esta peli no molesta en exceso que, para él, ya debe ser mucho.

Liotta mutando a no se sabe que animal felino

Dos detalles muy chulos, seguramente los únicos, es una escena en la que aparecen algunos personajes convertidos en dibujos puramente cel shading mezclados con decorados y otros personajes reales, y unas secuencias con unos subtítulos no estáticos que tienen una estética tirando a los bocadillos de los cómics.

La película fue un buen batacazo en Inglaterra, en USA apenas se estrenó de tapadillo en cuatro festivales, en muchos países salió directamente en DVD y en Espanya, tres años después, todavía no ha salido pese a que Filmax tenía previsto su lanzamiento en DVD para hace dos meses.

La última película de Guy Ritchie es RocknRolla, aún pendiente de estreno, está producida por Joel Silver y con un reparto bastante desconocido. Y, evidentemente, volvemos a toparnos con malotes en las calles londinenses que se topan con mafiosos rusos. Que Dios nos coja confesados.

Encuentros con el cartero (2)

Conexión a la tv, pelis, PSX, Supernintendo emulada por fin en condiciones... Preparate Neo Geo!!!

Destrozando mitos (3). Hoy: Peter Falk

Colombo, quien te ha visto y quien te ve

El superviviente

Quinta y última película dirigida por David Hemmings aunque después siguió tras la cámara pero ya en multitud de telefilms y series tipo El equipo A, Magnum o Se ha escrito un crimen.

Si bien Hemmings ha pasado a la posteridad por protagonizar Blow Up desde luego ninguna de sus pelis como director lo harán (ya ni hablo de su faceta musical), ni tan siquiera esta El superviviente, aunque tenía material para, por lo menos, hacer una historia de fantasmas minimamente digna.

Basada en la novela de James Herbert, autor especializado en relato de terror, del mismo nombre The Survivor y rodada en Australia en el 81. La historia giraba alrededor de un piloto (Robert Powell) que inexplicablemente es el único superviviente de un accidente aéreo, a partir de ahí oiría voces y vería cosas extrañas, a la par que una mujer (Jenny Agutter, la enfermera de Un hombre lobo americano en Londres) con poderes extra sensoriales se pondrá en contacto en él para intentar ayudarlo.

La peli no empieza mal, tenemos el accidente aéreo que está bien solventado sobre todo para tratarse de una peli australiana de presupuesto modesto. Aquí no hay planos digitales, estamos en el 81 darling, pero tampoco hay maquetas (o eso me ha parecido) eso sí, se aprovechan de que el accidente te lo ponen en las afueras de la ciudad y de noche para que nos de más el pego.
Luego ya nos viene todo el rollo misterioso con la investigación de qué ha provocado el accidente y el piloto que no se sabe como ha podido salir airoso y sin ningún rasguño. Este último punto no es la única similitud con las pelis de Shyamalan, aquí con El protegido y ya en su parte final con El sexto sentido y con White noise, es más todo el climax final pasa en los restos del avión, es decir un escenario lleno de runas y en la peli de Keaton pasaba en un edificio en obras, es decir, más runa. Y al igual que en ésta, The survivor, cae en picado en su parte final, por no hablar de sus finales que son casi clónicos a la vez que mal explicados. Quizás en su versión integra, que sólo se vio en Australia, la cosa quedaría algo más clara y menos atropellada.

Aún y así hay algún momento bien buscado, como aquel en que el piloto coge un pequeño avión y sobrevuela los restos del accidente pero en lugar de ver los los escombros sólo consigue ver un grupo de niños pequeños jugando, los mismos que producen las voces que se oyen durante toda la peli... uy que miedo!

Un detalle, la banda sonora es de Brian May, pero cuidado no nos confundamos, no es el guitarrista, si no un compositor australiano que ya murió y que tiene en su currículum bandas sonoras como Pesadilla final: la muerte de Freddy (la que era en 3D), Desaparecido en combate 2, o las dos primeras partes de Mad Max.

Era esto o ver algún programa de tertulia alrededor de determinado personaje alcohólico, drogadicto y esquizofrénico que se vanagloria de levantar la mano a sus mujeres para bendecirlas.

La puta risa

Andrés Pajares, una nueva franquicia de merchandising a descubrir