Drácula 3D

Hace muchos años que Argento ni está ni se le espera. Y que la última película que, para mi gusto, sea más o menos disfrutable en su totalidad sea Trauma y date de 1993 es sintomático. 
Igual que a otros directores, el digital se le ha atragantado y le ha sentado terriblemente mal. Que está claro que sin ese sistema no hubiera podido parir la mayoría de los films de los últimos 10 o 15 años, pero que para ese viaje no hacían falta esas alforjas. 

La mayoría se han quedado en cosas insustanciales que, (muy) de vez en cuando, atisban algún detallito de genialidad. Y es que, el que tuvo retuvo. Pero poco. 

Y si de ese exclusivo y selecto club de abortos del director romano decimos que el tuerto es Insomnio, que consigue retomar algún momento de cierto canguele made in Profondo rosso, pues está todo dicho. 
Ni el finiquitar su trilogía de las tres madres le sirvió al pobre Dario para limar asperezas con su fándom particular. 

Como viene siendo habitual, la normalidad imperaba en la red de redes cuando se anunció este Drácula 3D con un póster cochambroso y el personal iba limando sus garras cual Lobezno. 
Si todos los indicios no auguraban nada bueno, el acabose eclosionó con aquel famoso vídeo que lanzaron al cyber espacio. No sé si fue obra de algún graciosete que estaría trabajando en la edición del film o de la productora con vista a promoción, pero la cosa acabó de la misma forma que si Argento se hubiera cortado la gónadas y se las hubiera ofrecido a sus fans a modo de ofrenda. Rápidamente salieron a decir que era un workprint, que los efectos todavía estaban por acabar y que aquí no ha pasado nada. Que era una copia de trabajo estaba claro, a día de hoy es imposible que un producto comercial luciera esos (d)efectos digitales sin texturas, más propio de algún videojuego de los 90. Pero el mal ya estaba hecho y nadie daba un duro por la película. Lo jodido del caso es que muchos de esos efectos acabaron tal cual en la versión estrenada.

Que Argento adapte un clásico como Drácula se hace raro. Al tipo se le supone otro tipo de películas, y no un relato gótico de época. Y si no que alguien recuerde su versión de El fantasma de la ópera. Espantosa. 
Argento no se la juega y regurgita una versión del clásico de Stoker bastante fiel al original, y lo que ha cambiado parece más por imposición de los medios con los que cuenta que por intención de aportar sangre nueva al entuerto. 

Los efectos, evidentemente, no eran todos los que vimos en el mentado workprint, pero tampoco van mucho más allá. Hay cosas muy pobretonas, como la escena de Asia Argento envuelta en llamas que no tiene nada que envidiar a lo que puede ofrecernos cualquier cochambroso programa de edición de vídeo freeware. Otras escenas que se nos quedará grabada en la retina es la de la mantis religiosa o Drácula formado por miles de moscas. Simplemente inadmisibles en los tiempos que corren. 

Drácula 3D se llama el invento. 3D. Al final parece que toda la tridimensionalidad sea un triste filtro en post producción, y sin ninguna escena que se haya realizado con intención de sacar partido al efecto. Si acaso con los títulos de crédito, pero estos son menos que tristes. Y esto es algo que me resulta curioso, porque Argento hablaba maravillas de la técnica usada en la filmación de la película y que los efectos digitales en el cine son maravillosos pero no hay que abusar de ellos ni usarlos porque sí, si no en beneficio del guión. Artiste, ¿pero has visto tu película?

Otro detalle: vemos a mucha gente bajar del tren cuando llegan al pueblo, pero el tren SIEMPRE esta parado. Con esto ya nos hacemos una idea de que no irían muy sobrados de money. Ojo, que en el fondo es lo mismo que cuando meten un matte painting de fondo y no deja de tener su encanto.
Pero es lo que tienen las co-producciones, que por rapiñar algunos miles de euros más, has de pasar por el aro y que te encasqueten actores malos como la tiña o que el propio Enrique Cerezo esté acreditado como guionista. Aun y así, Argento no puede evitar contar con sus estimables Simonetti en la OST, Stivaletti en los pocos efectos analógicos, o recuperar a Luciano Tovoli que le había hecho la fotografía en Suspiria e Inferno. Además de recuperar a los actores Thomas Kretschmann (El síndrome de Stendhal), Giuseppe Lo Console (Giallo, ¿Te gusta Hitchcock?) y, por supuesto, su hijísima (esa fijación de su padre por rodarla en pelota picada no es normal, oiga).

Por lo demás, una peliculita de bajos vuelos no tan espantosa como se le presuponía (o que iba con expectativas demasiado bajas), pero que (como era de esperar) queda demasiado lejos de los buenos Argentos, y ni siquiera un Rutger Hauer de "pasaba por aquí para cobrar el cheque", al que no vemos ni 20 minutos en pantalla, nos sube la moral. Al menos si que ofrecen unos buenos hachazos que nos recordarán al Argento de hace 30 años. Todo para quedarnos con un acabado de decorados demasiado acartonados, que no desentonan con los del Drácula de Salieri y Selen, de aquellos que recuerdan a los telefilms de hace 30 años de la BBC, pero con un poco más de sangre, tetas y los peores efectos digitales paridos en este milenio. 

Ojito, que no voy a ser yo el que se lleve por delante a Argento ni a su Drácula. Que este señor de prominente flequillo y mayor frente, ha parido Tenebre, Suspiria, Inferno, Rojo profundo... que nos han hecho vibrar los intestinos como solo sabe hacerlo la comida mejicana. ¿No decía Fernán Gómez aquello que los actores eran unas putas que tenían que hacer disfrutar a los espectadores porque si no se iban con otra que follara mejor? Pues eso. 

Clásicos Keaton: Quicksand (Juego sucio)

A principios del nuevo milenio habían aparecido algunas notillas en el Imágenes o Fotogramas de esta película protagonizada por Michael Keaton y Michael Caine. Más allá de las notas, poca información más hubo.
Fue pasando el tiempo y un día, allá por el 2003, veo que está en el videoclub, y además al lado de Fuego sobre Bagdad que había entrado casi a la vez. Casualmente las dos de la mano de DeAplaneta. No sé que tiene esta gente con Keaton que luego sacaron White noise y ya mismo estrenan Atrapada la oscuridad y el próximo año la versión cinematográfica de Need for speed.

Martin Raikes, un banquero de Nueva York que se dedica a investigar fraudes fiscales, recibe un anónimo que le advierte de una serie de movimientos económicos sospechosos en Mónaco, con lo que decide ir personalmente a investigar. Una vez allí se topa con una productora de cine que está gestionada por una mafia rusa que usa las producciones como tapadera para lavar el dinero.

La película, basada en Boudapesti 3 un libro de Desmond Lowden, que también escribió la novela en la que está basada Extremadamente peligrosa de Russell Mulcahy, no deja de ser una vuelta de tuerca de falso culpable que tanto le gustaba a Hitchcock. En este caso el personaje de Keaton, que como no acepta los chantajes de la mafia rusa le hacen estar en el lugar oportuno en el momento preciso, esto es en un balcón a la vista de todos cuando se cargan a un alto cargo de la policía. Por lo demás es un expeditivo thriller que cuenta entre sus bazas que parece rodado en los 80. No por casualidad detrás de la cámara tenemos a John Mackenzie, que dio lo mejor de sí en aquella década.

El reclamo del film era el duelo Keaton vs Caine, que al final quedó algo descafeinado, ya que el segundo sale un momento al principio del film y ya no vuelve aparecer hasta la última media hora. Aun y así es de lo mejor de la cinta, parodiándose a sí mismo como un actor en horas bajas que hace mediocres películas con tal de cobrar el cheque.

Quicksand acabó saliendo directamente en el mercado doméstico en la mayoría de países. El hecho de no tener una gran productora detrás le hizo muy cuesta arriba conseguir distribución, lo que la hizo quedar congelada un par de años hasta que las distribuidoras de cada país les dio por sacarla. Todo para dejarnos cierto aroma que la producción se quedó sin el dinero que tenían pensado y se fue rodando sobre la marcha y aprovechando cualquier rinconcito para hacer algunas tomas.

Bajo aguas tranquilas

No sé si era intencionado o no, y ni si la Fantastic Factory era consciente que esta era su última producción cuando empezó a rodarse, pero todo acabó tal y como empezó: una peli con dirección de Yuzna. Pero a diferencia de Faust, esta se estrenó con muy poco ruido y de tapadillo, supongo que más por cumplir el expediente y cobrar las pertinentes subvenciones. 
Ni siquiera su edición en DVD es destacable en comparación con las otras pelis de su productora. Todo muy desangelado.

Basada en una novela de un tal Matthew Costello (un auténtico multimedia man que se ha encargado de las adaptaciones a novela de las secuelas de Muñeco diabólico y escribió los guiones de videojuegos tan variopintos como The 7th Guest, Doom 3, Just Cause 1 y 2, entre otras cosas), narra la desgracia de un pueblo llamado Marinbad. Sus habitantes, ante el mal que impera en la zona, deciden inundarlo y que permanezca bajo las aguas para siempre. 40 años después, un resquicio de aquella maldad consigue regresar a la superficie para vengarse de los habitantes de pueblo. 

Conociendo esta premisa y con algunos detalles visuales del film, nos topamos con una copia (cutrona) de La niebla de Carpenter, a lo que hay que añadirle la figura de Mordecai (nombre molón que me retrotrae a Los chicos del maíz), esta figura malévola está claramente inspirada/copiada del hombre alto del Phantasma de Coscarelli. 

Toda la película tiene el handicap de querer explicar muchas cosas para no acabar contando nada. Muchos personajes que están en el fregado dejan entrever historias de su pasado (la muerte de la mujer del técnico, la locura del niño que se coló en una de las casas antes de la inundación, el maquiavélico alcalde...), pero uno no se entera de nada, ya sea por la poca gracia de sus guionistas (Ángel Sala ni más ni menos estaba metido en el fregado) a la hora de escribir o porque había un guión original mucho más elaborado y que, quizá, por problemas presupuestarios o a saber, fueron cercenados. 
O el "zombie" que sale en la presa, ¿que se supone que es? 

Por lo demás, lo mismo de siempre. Mismos tics para un perro que tiene los mismos pulgones de siempre: ficharon a un anglosajón como prota, un tal Michael McKell del que poco se puede destacar; Raquel Meroño repetía en una producción Fantastic; también estaban por ahí Diana Peñalver (Braindead, aunque si hay que reivindicarla es por Las chicas de hoy en día), Manuel Manquiña, Ricard Borrás (el Popeye del Makinavaja televisivo y el malo de Un cos al bosc), micro papel para David Meca cuando INTENTABA ser actor y Josep María Pou, que, al igual que Paco Rabal en Dagon, era el actor de prestigio que daba cierto caché a la producción. O, al menos, esa era la intención. 

La primera vez que vi Bajo aguas tranquilas no me pareció un film desdeñable, muy posiblemente por las nulas expectativas que tenía. Revisionada varios años después ya no me ha parecido tan disfrutable. Aquí ya se le ven las costuras a la clásica película de Yuzna: un quiero y no puedo/sé con personajes estereotipados a base de los clichés de siempre. Uno detrás del otro. Pim, pam, pum, fuego a discreción y sin descanso. Ahí está el caso del prota, un fotografo de prestigio que ha caído en desgracia por la trágica muerte de su hijo que, evidentemente, estuvo en sus manos salvarle y ahora está afincado a la bebida y se gana cuatro rupias como fotógrafo freelance. A partir de ahí clichés a mansalva como cohetes nucleares. 

Si en Dagon teníamos una ambientación más que conseguida y unos efectos con bastante gracejo, aquí la cosa cambia para mal. El pueblo es un pueblo más, al que ni se molestaron en darle un toquecito lúgubre o cierta ambientación. Y los efectos, en su mayoría, flojean bastante (¡esos cromas!). Luego, el pueblo que reposa en el fondo del lago, es una maqueta demasiado maqueta, que tiene más pinta de pertenecer a un concurso de belenes que otra cosa. 
Pero aun y todos estos defectos, se le puede sacar algún momento, pocos pero los hay: el malo es bastante inquietante (aunque, como en la mayoría de los personajes, no sepamos demasiado de él); y la idea de un pueblo fantasma siempre es molona, y si está debajo de un lago lo es más.

Después de Bajo aguas tranquilas Yuzna cogió el petate y, como buen mercenario que es, emigró donde le dejaran hacer sus películas. En este caso cayó en Indonesia para excretar otra productora del fantástico: Komodo Films. Donde produjo Takut: faces of fear, peli de historietas, cada una firmada por un director; y dirigió Amphibious 3D, una basura infecta en tres dimensiones con Michael Paré y un escorpión digital gigante que buscaban al posible éxito de Piraña 3D. Y como ahí la crisis le pilló de pleno y no pudo seguir su labor regresó a los USA intentando levantar otras de sus psicotrópicas ideas.

Summer in Gotham (VI)

Summer in Gotham (V)

Summer in Gotham (IV)

Summer in Gotham (III)

Summer in Gotham (II)

Summer in Gotham (I)

Aquarius

Michele Soavi comenzó en el cine ya fuese haciendo pequeños papelillos (la mayoría sin acreditar) o como asistente o director de segundas unidades. Casi siempre en el género del terror y lo fantástico y con personalidades del género tan afamadas como Argento (Tenebre, Phenomena, Opera), Fulci (Miedo en la ciudad de los muertos vivientes), Lamberto Bava (Demons), Lenzi (Los jovenes leones) o, incluso, con todo un Terry Gilliam (Las aventuras del barón Munchausen).

Pero no fue hasta 1987 que debutó en el largo de ficción (antes había llevado las riendas de Il mondo dell'orrore di Dario Argento, un documental dedicado al director de Rojo Profundo para la televisión japonesa) con Aquarius. Pero no fue bajo el amparo de los directores antes mentados, si no de alguien mucho más zetoso como Aristide Massaccesi, alías Joe D'Amato, con el que ya había colaborado en algunos films en tareas de actor secundario o guionista sin acreditar. Este señor era más conocido por tracanadas puramente trash y facturadas con muy pocos medios y menos talento como las archiconocidas Gomia, terror en el mar Egeo o Ator el poderoso. Luego, ya en los 90, se pasaría al porno para hacer su versión de Sangre y arena con Rocco Siffredi y Sunset Thomas, o vehículos para el lucimiento de Selen. Todo muy mete saca y escupitajo al aire.

La cuestión es que el tipo se montó una suerte de slasher y giallo cuando el primero ya comenzaba a dar síntomas de agotamiento (si es que la fórmula no estaba ya totalmente exprimida) y el segundo hacía tiempo que había fenecido.

Aquí la cosa va de un grupo de actores que se pasan una noche encerrados en un teatro preparando una obra. Sin que ellos lo sepan, un actor que acabó loco e internado en un loquero de los alrededores, se escapa y se mete en el teatro cepillándose uno a uno a los componentes de la compañía.

Es gracioso que esta producción italiana sea un slasher con elementos del giallo, cuando el primer subgénero nació siendo un derivado de las películas de psycho killers con el añadido de los asesinatos truculentos, sangre a borbotones y las armas blancas tomados "prestado" de los giallo. Y, en cierta manera, también del género transalpino se tomaba la imagen del asesino enmascarado. Con lo que tenemos que Aquarius se retroalimenta del slasher que, a su vez, ya bebía mucho del giallo.

En la película que nos ocupa el asesino usa una máscara de búho (muchos hablan de una clara referencia de Judex), que sirvió para muchos de los pósters de sus diferentes ediciones y países. En el que tuvimos aquí, por ejemplo, jugaban más con la imagen del acuario. Algo que nos empujaba más al giallo. Los otros carteles, los que usaban al asesino enmascarado o su puñal, buscaban vender el film como un slasher puro y duro.

Tampoco se queda atrás en cuanto a variedad de títulos, que, al igual que en los carteles, la empujaban a un bando más amarillista o de acuchillamientos: Deliria, Stage Fright, Bloody Bird...

 

La película se hizo pensando en su venta a nivel internacional, de ahí que se rodase en inglés y la mayoría de actores (casi todos habituales del fantastique italiano de la época) usasen nombres americanizados. El propio director firmaría como Michael Soavi.

El guionista no era otro que Luigi Montefiori, más conocido como George Eastman, y que actuó, escribió y hasta dirigió en un porrón de cine trash/exploitation italiano, aunque nos acordaremos de él por protagonizar Gomia, terror en el mar Egeo de D'Amato. Todo queda en familia.

La banda sonora merece especial atención por su calidad. Y es que hay que reconocer que los italianos se marcaban unas OST apuballantes en aquella época. La de Aquarius estaba firmada en su mayoría por Simon Boswell, un inglés que llamó la atención de Argento cuando lo vio en un concierto con su banda en Roma, y le ofreció componer algo para Phenomena. A partir de ahí se convirtió en un habitual en el cine de género italiano (sobre todo de la mano de Lamberto Bava) con Demons 2, El ogro, La máscara del demonio...

 
Aquarius significó un maravilloso despegue para Soavi, abriéndole las puertas del fantástico italiano. Le siguieron El engendro del diablo y La secta, las dos producidas por Argento. La primera, que originalmente fue pensada como otra secuela de Demons (incluso en algunos países se tituló Demons 3), era totalmente fallida; y la segunda se dejaba ver pero estaba lejos de lo que se esperaba de ella.

Con esas dos decepciones consecutivas, Soavi emprendió una fuga adelante y dejó de lado el amparo de Argento y compañía para parir su (para algunos) masterpiece: Dellamorte dellamore. 
Después de eso, el tipo prefirió alejarse del cine para estar en familia, para luego, a finales de los 90, volver para dirigir algún que otro telefilm para la televisión italiana, sacarse de la manga una reputada Arrivederci amore, ciao (aquí editada con el absurdo título de Camino sin retorno) y hecharle un cable a su amigo Terry Gilliam en El secreto de los hermanos Grimm.

Desde hace unos años se rumorea que está intentando llevar a buen puerto una secuela de Dellamorte dellamore, aunque viendo como le fue al Dylan Dog de Brandon Routh le va a costar sangre, sudor y lágrimas.
Mientras tanto, seguiremos esperando el regreso.

Razas de noche

Bastante fructífera como cuantiosa ha sido la relación entre Clive Barker y el cine. Aunque eso no quiere decir que la calidad de estos films nos reviente las neuronas.

Tras haber aportado algún que otro guión, debutó en la dirección con la archiconocida Hellraiser, que, personalmente, me deja bastante frío. Quizá más por el factor que la vi bastante tarde, y la fama de la película (ya convertida en saga) era demasiada como para no crearse unas expectativas demasiado expectantes.

Pero el éxito de esa cinta de bajo presupuesto le permitió encaramarse a cimas más altas. Es el caso de esta Razas de noche.

Producido por la Morgan Creek, cuando saboreaba los millones recaudados por Arma joven, Una mujer en la liga o De repente, un extraño, y luego distribuida por la Fox; lo primero que hizo fue imponer un cambio de título, ya que el original de la novela, Cabal, no lo veían con posiblidades de atraer al público, aunque en algunos paises como Italia y Francia se mantuvo el título original.

Al estar rodada en Inglaterra y ser una producción no demasiado aparatosa en cuanto a presupuesto, no teníamos demasiadas caras conocidas en el equipo de rodaje. Algunos reciclados del Hellraiser original (Robin Vidgeon, director de fotografía; Doug Bradley, alías Pinehead), y otros que acabarían particiando en la saga de los cenobitas (Craig Sheffer).

Pero sí que hay que destacar un par de nombres por encima de otros. Es el caso del montador Mark Goldblatt, que ejerció esa tarea en un montón de films de James Cameron y director del primer Punisher, alías El vengador, y Estamos muertos... ¿o qué?

El otro, David Cronenberg. No hace falta presentación en su labor de realizador. Como actor lo hemos visto en los clásicos cameos de sus films y cuando ha tenido papeles con más peso en producciones ajenas ha sido por amistad. Sus apariciones más conocidas son la aquí comentada y en Jason X, ni más ni menos. Ahí el director era el fallecido James Isaac, que empezó en los efectos especiales, encargándose de los de eXistenZ, y fue director de House III.

Razas de noche es un film fallido. La idea de una ciudad de muertos (con más aspecto de monstruos que otra cosa) es muy interesante, además de estar muy bien recreada con un cementerio muy cartón piedra pero con cierto aire fantasmal y otoñal que pega magnificamente con la banda sonora de Danny Elfman (cuando estaba en su mejor momento). Otro tanto a su favor son los maquillajes (alguno realmente terrorífico) o hasta el diseño de la máscara del malo (un cruce de máscara sado y del Espantapájaros de Batman). Muchos de estos diseños partieron de las ilustraciones ideadas por Ralph McQuarrie, que había hecho tareas similares en la trilogía original de Star Wars o el primer Indiana Jones.

Si su estética en la mejor de sus bazas, no lo es tanto el como está llevada su historia. Baker se quejó amargamente en su día de la amputaciones que le propinó la productora en la sala de montaje, dejando al producto huerfano de sentido y con lagunas a trompicones. El primer editor acabó tan harto de las imposiciones de la productora que acabó desertando, lo que propició la entrada del mentado Goldblatt. Al parecer, uno de los peces gordos de la productora, Joe Roth, el que más apoyaba a Baker, dejó su puesto justo al inicio del rodaje. Esto dejó a Barker solo ante una productora que solamente estaba interesada en hacer un slasher con opciones a crear cuantas más secuelas mejor.

Ha día de hoy sigue dándole vueltas a un montaje bajo su supervisión, que se ha visto en algún que otro festival bajo el nombre de The Cabal cut, pero, mientras tanto... Una lástima.

Dagon (La secta del mar)

 

Parece mentira, para ya hace más de una década de la aparición de la Fantástic Factory y un lustro de su defunción.

Después de los (pseudo) fracasos de Faust y Arachnid, le tocó el turno a Dagon. Dirigida por el inefable Stuart Gordon, coleguísimo de Brian Yuzna desde los tiempos que juntos parieron Re-Animator, Re-Sonator, Dolls o que, incluso, estuvieron detrás de Cariño, he encogido a los niños, algo muy alejado de lo que sería natural en ellos (aunque esto fue más por las imposiciones de Disney que por propia voluntad).

 

La historia parte de La sombra sobre Innsmouth de H. P. Lovecraft. Vale, que trasladar la imaginieria del escritor americano a imágenes en movimiento es casi imposible, e igual de difícil es sacar 90 minutos de un relato de unas pocas páginas. Pero ahí estaban Gordon, Yuzna y el guionista Dennis Paoli para pasarse por alto cualquier tipo de impedimento. No excentos de dificultades, todo hay que decirlo, ya que el proyecto data de mediados de los 80, justo después de Re-Animator, pero la cosa se quedaba atascada cuando presentaban el guión a las productoras. Estas no veían con buenos ojos el tema de personas transmutadas en peces, lo veían algo demasiado zetoso (hola Sergio Martino, hola La isla de los hombres peces), y preferían vampiros o licántropos.

Pasaron los años, y cuando Julio Fernández montó la Fantastic, los americanos desempolvaron aquel añejo guión y lo modificaron para que la acción pasara en un pueblecito gallego.

 

Una pareja de jovenes, Paul y Barbara, viajan en un barquito junto a otra pareja, Howard y Vicky, de repente, son sorprendidos por una tormenta que hará volcar el barco y que por el camino perdamos a Howard y Vicky. Nuestros jovenes protagonistas consiguen llegar a tierra firme para encontrarse a Imboca, un pueblo habitado por gente muy poco hospitalaria y que ocultan sus insanas intenciones hacia nuestros protagonistas.

Haciendo una retrospectiva de lo que fue Fantastic factory, Dagon acabó siendo su producción más redonda, luciendo una ambientación muy buena con ese decadente pueblo donde no para de llover, unos maquillajes la mar de conseguidos, unos efectos digitales que por momentos dan perfectamente el pego y, por otros, son flojetes (básicamente en su parte final), un poco de gore para los más viciosos, una banda sonora con gracejo y estilo elfamaniatico y un ritmo frenético.

No por todos estos aciertos hay que catalogarla como peliculón, pero si que, siendo una serie B, está muy apañada.

Aunque, no por eso hay que olvidar absurdidades como la escena del prota cambiando el pestillo de puerta o detalles del guión que quedan en el aire y no se acaban de desarrollar, como la idea que la madre del protagonista era del pueblo.

Pero si el argumento del film no tenía nada que ver con el relato, Gordon y compañia se dedicaron a trufar toda la producción con detalles del universo Lovercraft: la sudadera del prota, la cara de Cambarro...

Ya que poco vamos a rascar del original, por lo menos le daremos algún caramelito al fándom, debieron pensar.
 

 

Delante de las cámaras teníamos a un tal Ezra Godden (un sosías de Graham Coxon, que, al igual que Mark Frost, prota de Faust, venía del teatro y cuenta con una filmografía muy escueta). También corrían por ahí como pollo sin cabeza Raquel Meroño, que por la época se le veía mucho por la tele y ahora está bastante desaparecida; Paco Rabal, en lo que sería su último papel en el cine (cosa que no sé si es algo bueno y a saber lo que pensaría del film); Macarena Gómez, hoy muy conocida por La que se avecina o SexyKiller; y un pequeño papel para José Lifante.

  

Dagon parecía que tenía que marcar una línea a seguir, un estilo que los aficionados al fantástico sí hubieran agradecido. Pero al final uno se queda con la sensación que la Fantastic solo daba palos de ciego y Dagon fue un "error fortuito". Rotweiller, La monja, la tercera parte de Re-Animator... eran demasiado barriobajaeras. Curiosamente, cuando parieron otra cosa más o menos digerible fue en su última producción con Bajo aguas tranquilas, que, curiosamente, tiene bastante paralelismos con el film de Stuart Gordon.

Angustia en el hospital central

Si algo tenían las, ahora tan reivindicadas, películas de los 80 eran una carátulas maravillosas. Posiblemente porque les interesaba la explotación del mercado videoclubero y la mejor manera de llamar nuestra atención entre tanto estuche era impactarnos por los ojos. Luego la peli sería un pufo o vaya usted a saber, pero nosotros habíamos caído de cuatro patas y habíamos pasado por caja, que era de lo que se trataba.
 

Uno se quedaba maravillado/impactado con carteles como el de Rabia de Cronenberg, o con cositas tan minimalistas pero, a la vez, tan malrolleras como el de Los chicos del maíz. Que te quedabas ahí, totalmente absorto, pensando en algo puramente terrorífico y aunque luego la cosa era muy "asá".

Precisamente eso pasa con Angustia en el hospital central (con un chanante Visiting hours en su versión original). Esa carátula la tuve en mis manos cientos de veces y me dejaba maravillado. Sin saber nada de ella, sin leer la sinópsis, sin tener ni idea de su cast o director. Me tenía subyugado. Con la carátula me bastaba para saber que, con esa imagen como reclamo, la peli no podía ser mala. Peeeero... nunca me atreví a darle al play.

Han pasado muchos años y unas cuantas décadas para recuperarla y... ¡HORREUR!

No sé porqué, posiblemente por mi mente calenturienta, siempre la había ubicado en el slasher, y cual es mi sorpresa que me topo ante un maloliente thriller caducado y fuera de temporada.
Caducado porque uno no puede más que frotarse los ojos pensando que la película, lejos de facturarse en los 80, la rodaron en los 70. Toda su estética y forma de rodarse debieron verse, en la época, totalmente desfasadas y anticuadas.

 

Que nadie espere gore o sangre a borbotones. Por otro lado tiene un toquecillo sórdido y sucio (dado, sobre todo, por el personaje de Michael Ironside), además de misógino. Cosa que la elevó al selecto grupo de las primeras video nasty. Todas estas "cualidades" no hacen otra cosa que asociarla inevitablemente con Maniac. Pero eso sí, el film de William Lustig se mea en la cara de Angustia en el hospital central.

Aparte del mentado Michael Ironside, que acabó en el rodaje ya que los productores eran los mismos que algunas de las primeras películas de Cronenberg, entre ellas Scanners que él mismo protagonizó, tenemos a un William -Capitán Kirk- Shatner en horas bastantes bajas y con un rol casi anecdótico. Porque sí, porque en está producción canadiense todo parece anecdótico, con personajes que rayan la deficiencia mental tomando decisiones estúpidas como ellas solas. Sin duda, su guionista, Brian Taggert (autor de cositas nada desdeñables como Se busca vivo o muerto con Rutger Hauer o la infravalorada Poltergeist III), no estuvo demasiado inspirado.

Y eso que parece que haya un tímido intento por hacer una trama intrigante con ese psicópata que va matando a la gente a la par que les hace una foto en el momento, todo muy El fotógrafo del pánico. Pero todo ello se queda muy en el aire y entramos en un "corre, corre, que te pillo" sin gracia alguna.

Al final, como buen ejemplo ochentero, nos quedamos con su carátula y poco más. Como mínimo ya es mucho más que muchas cintas actuales.

En algún lugar del tiempo

Aparte de tener una obra literaria tan abundante como de calidad, Richard Matheson siempre ha estado muy ligado al mundo del cine, ya porque se han producido versiones basadas en su obra (La caja, El último hombre... vivo), o porque él mismo ha ejercido de guionista (El cuervo versión Corman, Tiburón 3D). E, incluso, hay casos donde el propio autor ha sido el encargado de convertir en guión su obra (La leyenda de la mansión del infierno), como es es el caso que nos ocupa.

Suburban Commando

No hace ni 25 años que en la tele apenas teníamos dos o tres canales (según el tema autonómico que nos tocara). Podría decir aquello que con solo esos canales teníamos mejor programación que la actual TDT, pero no voy por ahí.

The Phantom (El hombre enmascarado)

The Phantom es de esos personajes que, pese a ser anterior a los todo poderoso Batman o Superman, vivió su momento pero luego se diluyó quedando en un segundo plano en el star system de los superhéroes.

Es por eso que sorprendía que a mediados de los 90 Hollywood le dedicara un film, algo así como lo que habí apasado con La sombra un año antes. Personajes que, a priori, arrastrarían más a ir al cine a los más curtidos que a la chavalería.

En el momento de su estreno no me interesó demasiado, por no decir que nada. Ahora, una vez revisionada y mentalizado de lo que me esperaba, he sabido disfrutarla y encontrarle su aquel.

Vale que el film como adaptación del personaje deja que desear y traiciona bastante la esencia de las viñetas, aqui tenemos un hombre enmascarado que constantemente sonrie y, lejos de ser un héroe atormentando que sufre por la pesada carga de su misión (ya sabemos aquello de "un gran poder conlleva una gran responsabilidad"), parece que disfrute de patear los culos de los malos y hacer saltos acrobáticos desde hidroaviones, aparte de ser un poco bobalicón cuando se trata de entablar conversación con las féminas.

 Imagen promocional que no tenía nada que ver con el tono real de la peli

Por contra, la cinta es totalmente coherente consigo misma. Nunca esconde su condición de serie B lujosa, pero no deja de ser eso, una serie B totalmente naif, ingenua, ideal para ver en familia un sábado en la sobremesa con los críos, muy del estilo de lis seriales cuarentones.
 

Por fortuna el personaje, qu eluce un traje creado por la factoría de Jim Henson, no requería de grandes efectos especiales y aquí se gastan lo justo en algún croma resultón y con una ambientación del Nueva York de los años 40 logradísima, contrastando con la cueva del protagonista, un cartón piedra tan evidente que uno puede si no pensar que es totalmente buscado para plantarse de bruces en los seriales de antaño del personaje.

Toda su coherencia se mantiene en la gente que participó. En el guión Jeffrey Boam, el mismo que escribió El chip prodigioso e Indiana Jones y la última cruzada; en la producción Joe Dante, que se ha pasado toda la vida haciendo homenajes a las series B y Z que devoraba en su infancia, Alan Ladd Jr., que era el presidente de la Fox cuando dio luz verde y se la jugó con una space opera llamada Star Wars, ademas del eterno Robert Evans.
 
En el reparto más caras conocidas, pero no por ser primeras espadas precisamente: Bill Zane como prota, Patrick McGoohan (siempre será el Número 6) como el espíritu de su padre, Treat Williams (Estamos muertos... ¿o qué?) haciendo del malo de la función, Cary-Hiroyuki Tagawa (Mortal Kombat) haciendo de pirata. James Remar (The Warriors) como sucedáneo de Indiana Jones pero en su reverso oscuro y Catherine Zeta-Jones antes de ser famosa haciendo de femme fatale.

La elección de su director no iba en dirección opuesta por mucho que en su momento gente como Sam Raimi o Spielberg sonasen.
Simon Wincer, director australiano criado en la televisión, que en su haber tiene aquella extraña película titulada Arlequín (con Robert Powell), y que una vez aterrizado en Hollywood facturó películas de, llamémoslas, corte amable. Cosillas como Liberad a Willy, Operación elefante o Relámpago Jack, aquel western humorístico para lucimiento de Paul Hogan.

Una vez vista la poca aceptación de The phantom y, por consiguiente, su no salto al Hollywood de las mega producciones, volvió a sus terrenos ya conocidos y cagó la tercera entrega de Cocodrilo Dundee 

Posiblemente en su elección para capitanear el rumbo de El hombre enmascarado tenía mucho que ver en su particiación de la primera hornada de episodios de Las aventuras del joven Indiana Jones. Los paralelismos entre la franquicia de George Lucas y esta adaptación del personaje de Lee Falk son muchísimos. Sin ningún rubor Wincer tomó buena nota y tiró toda la producción al terreno del Dr. Jones con hidroaviones, puentes colgantes y niños asiáticos.
Casualidades o no de la vida, un par de décadas después, en el fatídico retorno a la gran pantalla del aventurero encarnado por Harrisson Ford, se dedicaba a buscar unas calaveras con extraños poderes. Justicia poetica.

¡Alto!, o mi madre dispara

Finales de los 80. Arnold Schwarzenegger está en la cúspide del cine de acción junto a Sylvester Stallone. Por la época quiso salirse un poco del género y tocar la comedia, aunque ya la había trabajado la década anterior con Cactus Jack o Hércules en Nueva York (esta última, comedia involuntaria).

Así que se ajunto con Ivan Reitman y se sacaron de la manga un par de éxitos instantáneos: Los gemelos golpean dos veces y Poli de guardería, que debieron animar a Stallone a probar suerte. 

Primero fue Oscar ¡quita las manos!, remake de Oscar: una maleta, dos maletas, tres maletas (a su vez versión de la obra de teatro) de Louis de Funès, donde el bueno de Sly interpretaba al mismo personaje que el cómico francés, un capo de la mafia que se ve envuelto en un lío de maletas con diferentes contenidos, gente entrando por una puerta, gente saliendo por otra... todo muy vodevilesco. Ni el tener al (antaño) infalible John Landis en la dirección, ni a la Disney produciendo a través de su filial Touchstone, evitó que el film fuera un fracaso de crítica y público, donde lo único salvable era sus títulos de crédito a ritmo de stop motion.

Aun y así hay que recordar que antes hizo Tango y Cash, un remedo de Arma letal que combinaba acción con bastante humor. Aun y así no entraría en el saco de comedia pura.

 

Un año después Rambo lo volvía a intentar. Quizá porque tenía la espinita clavada o porque se emperró en emular a su colega austríaco.
A la ecuación le sumábamos su personaje estereotipado de policía solitario con problemas amorosos que está enamorado de su trabajo y la presencia de su madre, en este caso Estelle Getty, muy de moda en la época gracias a las serie Las chicas de oro, donde interpretaba a la más mayor aunque, curiosamente, era más joven que la que hacía de su hija.

Y para dirigirlo un todoterreno como Roger Spottiswoode, capaz de hacerte un dramón (Los buenos tiempos), slasher (El tren del terror), una serie B de culto (Temblores), un Bond (El mañana nunca muere) y cualquier cosa imaginable.

Lo dicho, Alto o mi madre dispara va de un tosco poli que un día recibe la visita de su madre, la clásica abuelita Paz que sigue viendo a su hijo como un crio.

La película funciona como una sucesión de escenas con Sly atacado de los nervios por la presencia de su madre y sus "putaditas". Lo malo es que para darle una razón de ser a todo el conjunto idean una trama policíaca con la madre de por en medio que fracasa estrepitosamente y ni siquiera con ese "grand finale" de persecución entre camión y avión, totalmente made in testosterona, la cosa se recupera. Por no hablar del epílogo, con un gag bastante vomitivo solo para que Sly ponga una carantoña y congelen la imagen al estilo El equipo A. Aun y todo esto se le puede dar un visionado una tarde tonta.
Además, resulta curioso que en la versión doblada no usaran la voz habitual de Stallone, si no que le colocaron la de Ramón Langa/Bruce Willis, posiblemente para enfatizar el toque cómico del film. 

 

 

Por mucha mandíbula cuadrada y labio torcido (añadamos la actual ración de botox) Stallone siempre ha sido mucho mejor actor que el Chuache, no hacía falta venirnos a John Rambo o Rocky Balboa, ya con los primeros Rocky, Halcones de la noche o la siempre reivindicable Copland se veía que tenía su aquel. Y es que el potro italiano era  el blanco de la crítica, en la mayoría de ocasiones, más por representar un tipo de cine fascistoide que por él mismo.

El fin de Sheila

Tiene guasa que un fin de semana te veas dos películas y las dos sean del mismo director. No es que sea algo fuera de lo normal, pero que ambos films sea de Herbert Ross tiene su coña. 

El tipo tiene una filmografía con cosillas la mar de cucas, aunque no haya pasado a la historia como un grande.