Mats Helge Olsson en Spain

Mats Helge Olsson ha pasado un par de veces por este blog. Concretamente en las reseñas de La liga de los fantasmas, Huellas de sangre y Misión tras el telón de acero. Allí tienes explicado con bastantes pelos y señales la vida y milagros de este director sueco que en su etapa de "esplendor" en los 70 y, sobre todo, los 80 fue repudiado por todo el mundo y que desde hace unos años ha sido rescatado en documentales y estudiosos de la serie B y Z.

Pero la cuestión de este texto no es volver a tocar su historia, si no comentar los títulos de su filmografía que llegaron a nuestro país. Apenas son 6 películas que aparecerían directamente en VHS (salvo Misión tras el telón de acero, que llegó a tener estreno en cines). Y, desde luego, no merecen grandes artículos ni análisis porque son de esos subproductos que es más divertido e interesante hablar de su realización que de la propia película, que al final eran títulos muy planos y ramplones incluso.

Así pues, aquí tenemos breves reseñas de la filmografía editada en España de Mats Helge.

Misión tras el telón de acero (The Ninja Mission, 1984). Este film fue su gran éxito internacional y el primero de sus títulos que tuvo distribución en nuestro país (incluso estrenándose en cines en 1987). Un locurón con la CIA, la KGB y ninjas en las nevadas tierras suecas difícil de aguantar. Al menos en sus primeros 75 minutos, a partir de ahí festival de ninjas cortando cabezas, tiroteos y explosiones. En su intento de distribución internacional fue rechazada por la Cannon por mala. En cambio, fue recibida con alegría por la New Line para el mercado norteamericano. Se estima que la película recaudó más de 25 millones de $ en todo el mundo, de los que el pobre Mats no vería un céntimo.

Huellas de sangre (Blood tracks, 1985). Es, quizá, el título más conocido de Helge (aunque acreditado como Mike Jackson). Básicamente por ser considerada un slasher con tintes heavy metal. Aunque realmente estaría más en la línea de Las colinas tienen ojos.

Protagonizada por el grupo heavy Easy Action (su guitarrista acabaría en Europe), que encarnan a los Solid Gold (en el doblaje traducido como Oro Puro), que llegan a unos parajes nevados para grabar un videoclip con la mala fortuna que la zona está habitada por una familia de ¿mutantes caníbales? Un alud los dejará atrapados e incomunicados a merced de la familia matarife.

Aquí Helge demuestra que poco o nada le interesaba el terror. Él iba a o lo que iba, que viene siendo dar la carnaza que el espectador medio del slasher quiere: muchas muertes. Pero se olvidó de darles algo de gracejo, pues son un poco pa sucat amb oli. Mucha muerte ramplona y poco imaginativa.

Huellas de sangre no es la peor de su especie. Pero tampoco la mejor.

La isla de las águilas (Eagle island, 1986). Se dice que este film fue el intento de Mats por repetir el éxito de The ninja mission pero teniendo acceso a los beneficios. Pero poco o nada tiene que ver con aquella, salvo que en algunos países enfatizaron la presencia de ninjas que realmente eran militares con pasamontañas. Aquí un par de fotógrafas llegan a una isla con intención de estudiar a las aves del lugar, descubriendo que aquello es una base secreta militar.
Rodada al estilo del director. Esto es: realización paupérrima, diálogos amateur y escenas de acción sin acción. Parece que hay un intento de hacer una introducción épica con un tema Aor pero en cuanto vemos que los títulos de crédito están hechos con un Commodore todo cae por su propio peso.

La liga de los fantasmas (Spökligan, 1987). El film es una rareza dentro de la filmografía de nuestro director sueco favorito. Una película de aventuras juveniles totalmente blanca. Pero fiel a su espíritu todo parece rodado fuera de su tiempo, siendo una historia demasiado naif hasta para ser de 1987.
Sí, sin duda estamos ante la mejor de sus carátulas, pero lamentablemente es demasiado buena para lo que nos vamos a encontrar cuando apretamos el botón Play. Muy posiblemente añadir el término "fantasma" en el título no sea más que una triquiñuela para emparentarla con Los cazafantasmas, porque aquí lo de los fantasmas es algo anecdótico, donde un grupo de chavales intentará ayudar a un ladronzuelo a desenmascarar a una banda de contrabandistas de alcohol. Sí, algo muy demodé ya en los 80. Podrían ser los Goonies suecos pero se queda en Alfred Hitchcock y los tres investigadores con benzodiacepina y leche calentita.

Animal protector (Animal protector, 1989). Es la primera (y la única distribuida en nuestro país) de las tres películas dirigidas por Mats Helge en las que contaba con la presencia de David Carradine... aunque este solo había sido contratado para una. Estamos ante el clásico engaño a la estrella en decadencia de turno que acepta un cheque por participar en una pequeña producción en un país extranjero con la seguridad que su trabajo nunca llegará a tierras norteamericanas. Pero lo que no sospecha es que esas escenas inconexas que está rodando en 4 o 5 días, sin apenas aprenderse el guión, son realmente parte de 3 películas diferentes. Y, digámoslo ya, el que estuviera borracho durante su estancia en Suecia tampoco ayudaba mucho.
Créditos con filtros duotono y una canción de aquellas que se lo creen más que la propia película nos preparan para una de aquellas que evitabas en el videoclub. Y que escuchar a Pepe Carabias doblar a 5 o 6 personajes diferentes siempre mola.

Hired gun. Mercenarios (The hired gun, 1989). Sin ninguna duda Hired gun (Mercenarios) es lo peor de Mats Helge de todo lo que se distribuyó por aquí.
Según algunas fuentes solamente estuvo en la producción y guión, pero en esta edición su nombre aparece compartiendo tareas de dirección con Arne Mattsson, un clásico del cine sueco que cosechó premios y alabanzas en los 50s y 60s para dar paso al ostracismo de subproductos eróticos y de terror en los 70s y 80s.
Tenemos un argumento tan poco interesante e insulso como el de unos mercenarios intentando recuperar unos documentos alemanes que se encuentra en una base militar norteamericana.
Monotonía y estupor absoluto entre explosiones falleras y diálogos sin ton ni son, que se salvan por tener un protagonista que parece el clon de Kurt Russell en Golpe en la pequeña China. Parecido que se acentúa por lucir mullet y el mismo tipo de vestimenta. Si nos imaginamos que es una nueva aventura de Jack Burton igual hasta podemos llegar al final de la cinta sin sufrir daños cerebrales. Qui no vulgui pols que no vagi a l'era.

Festival de trailers (CXCVII)

Los lío de Gray (Gray Matters, 2006) de Sue Kramer. Con Heather Graham, Tom Cavanagh, Bridget Moynahan, Molly Shannon, Alan Cumming, Sissy Spacek, Rachel Shelley y Gloria Gaynor.

Sólo para adultos (A Change of Seasons, 1980) de Richard Lang. Con Shirley MacLaine, Anthony Hopkins, Bo Derek, Michael Brandon, Mary Beth Hurt, Edward Winter y Paul Regina.

Un mar de líos (Overboard, 1987) de Garry Marshall. Con Goldie Hawn, Kurt Russell, Edward Herrmann, Katherine Helmond, Mike Hagerty, Roddy McDowall y Jared Rushton.

Mystic pizza (Mystic Pizza, 1988) de Donald Petrie. Con Julia Roberts, Lili Taylor, Annabeth Gish, Vincent D'Onofrio, William R. Moses, Adam Storke, Matt Damon, John Fiore y Conchata Ferrell.

Cuando Harry encontró a Sally (When Harry Met Sally, 1989) de Rob Reiner. Con Meg Ryan, Billy Crystal, Carrie Fisher, Bruno Kirby, Steven Ford, Lisa Jane Persky y Michelle Nicastro.

 

Festival de trailers (CLXXXIX)

Danny (So Dear to My Heart, 1948) de Harold D. Schuster y Hamilton Luske. Con Burl Ives, Beulah Bondi, Bobby Driscoll, Luana Patten, Harry Carey, Raymond Bond, Walter Soderling y Matt Willis.

El caballo del traje gris (The Horse in the Gray Flannel Suit, 1968) de Norman Tokar. Con Dean Jones, Diane Baker, Lloyd Bochner, Fred Clark, Ellen Janov, Morey Amsterdam, Kurt Russell y Lurene Tuttle.

Eres demasiado (Too Much, 1987) de Éric Rochat. Con Bridgette Andersen, Masato Fukazama, Morikiyo Bowhay, Hiroyuki Watanabe, David Spencer, Rachel Huggett, Karen Hammer y Char Fontane.

Las aventuras de Chatrán (Koneko monogatari, 1986) de Masanori Hata. Con Shigeru Tsuyuguchi, Kyôko Koizumi, Milo y Otis.

 

 

 

La bruja novata (Bedknobs and Broomsticks, 1971) de Robert Stevenson. Con Angela Lansbury, David Tomlinson, Roddy McDowall, Sam Jaffe, John Ericson, Tessie O'Shea y Cindy O'Callaghan.

 

Festival de trailers (CLXXXII)

Posesión infernal (The Evil Dead, 1981) de Sam Raimi. Con Bruce Campbell, Ellen Sandweiss, Betsy Baker, Richard DeManincor, Theresa Tilly y Scott Spiegel.

Las pesadillas de Freddy (reddy's Nightmares: A Nightmare on Elm Street: The Series, 1988) Varios. Con Robert Englund, Sandahl Bergman, Tony Dow, Amy Lyndon, Jim Landis, Hili Park y Todd Allen.

Sabes que estás sola (He Knows You're Alone, 1980) de Scott Parker. Con Don Scardino, Caitlin O'Heaney, Elizabeth Kemp, Tom Hanks, Tom Rolfing, James Rebhorn, Lewis Arlt, Patsy Pease y Dana Barron.

Braindead. Tu madre se ha comido a mi perro (Braindead, 1992) de Peter Jackson. Con Timothy Balme, Diana Peñalver, Fran Walsh, Elizabeth Moody, Ian Watkin, Stuart Devenie, Brenda Kendall y Peter Jackson.

Golpe en la pequeña China (Big Trouble in Little China , 1986) de John Carpenter. Con Kurt Russell, Kim Cattrall, Dennis Dun, Kate Burton, Victor Wong, James Hong, Donald Li, Carter Wong y Suzee Pai.

Bonus track

Festival de trailers (CLXXVIII)

Aparecidos (2007) de Paco Cabezas. Con Javier Pereira, Ruth Díaz, Leonora Balcarce y Pablo Cedrón.

El espinazo del diablo (2001) de Guillermo del Toro. Con Marisa Paredes, Eduardo Noriega, Federico Luppi, Fernando Tielve, Íñigo Garcés, Irene Visedo y Francisco Maestre.

La niebla (The mist, 2007) de Frank Darabont. Con Thomas Jane, Marcia Gay Harden, Laurie Holden, André Braugher, Toby Jones, William Sadler, Jeffrey DeMunn y Alexa Davalos.

Death proof (Death Proof, 2007) de Quentin Tarantino. Con Kurt Russell, Rosario Dawson, Vanessa Ferlito, Zoe Bell, Sydney Tamiia Poitier, Rose McGowan, Tracie Thoms y Mary Elizabeth Winstead.

Planet terror (Planet Terror, 2007) de Robert Rodríguez. Con Freddy Rodriguez, Bruce Willis, Rose McGowan, Josh Brolin, Naveen Andrews, Marley Shelton, Michael Biehn, Jeff Fahey, Michael Parks, Quentin Tarantino y Tom Savini.

Bonus track

 

Festival de trailers (CLXV)

Vanilla sky (Vanilla sky, 2001) de Cameron Crowe. Con Tom Cruise, Penélope Cruz, Kurt Russell, Cameron Díaz, Jason Lee, Noah Taylor y Ken Leung.

Algunos hombres buenos (A Few Good Men, 1992) de Rob Reiner. Con Tom Cruise, Demi Moore, Jack Nicholson, Kevin Pollak, Kevin Bacon, Kiefer Sutherland, J.T. Walsh, James Marshall y Cuba Gooding Jr..

El color del dinero (The Color of Money, 1986) de Martin Scorsese. Con Paul Newman, Tom Cruise, Mary Elizabeth Mastrantonio, John Turturro, Helen Shaver, Forest Whitaker e Iggy Pop.

Días de trueno (Days of Thunder, 1990) de Tony Scott. Con Tom Cruise, Nicole Kidman, Robert Duvall, Randy Quaid, Michael Rooker, Fred Dalton Thompson, Don Simpson y John C. Reilly.

Cocktail (Cocktail, 1988) de Roger Donaldson. Con Tom Cruise, Elisabeth Shue, Bryan Brown, Lisa Banes, Kelly Lynch, Gina Gershon, Laurence Luckinbill y Ron Dean.

Bonus track

Festival de trailers (CXLXIV)

El caballo del traje gris (The Horse in the Gray Flannel Suit, 1968) de Norman Tokar. Con Dean Jones, Diane Baker, Lloyd Bochner, Fred Clark, Ellen Janov, Morey Ámsterdam y Kurt Russell.

Natty Gann (The Journey of Natty Gann, 1985) de Jeremy Kagan. Con Meredith Salenger, John Cusack, Jed, Ray Wise y Lainie Kazan.

El show de los Teleñecos (The Muppet Show, 1976) de Jim Henson. Animación.

3 pequeños ninjas (3 Ninjas, 1992) de Jon Turteltaub. Con Victor Wong, Michael Treanor, Max Elliot Slade, Chad Power, Rand Kingsley, Alan McRae y Margarita Franco.

Y tú creías que tus padres eran raros (And You Thought Your Parents Were Weird, 1991) de Tony Cookson. Con Joshua John Miller, Edan Gross, Marcia Strassman, John Quade, Sam Behrens, Alan Thicke, Susan Gibney, A.J. Langer, Gustav Vintas, Eric Walker y Bill Smillie.

Sangre de héroes

Sangre de héroes es de esas cintas que nunca alquilé en el videoclub. Básicamente por la carátula, que al igual que a veces te vendían la moto y te comías un buen boniato, otras veces hacían el efecto contrario. Si sumamos un título totalmente aséptico (molaba más el original australiano, The Salute of the Jugger) con la imagen de los protas en plan guerrilleros ya me venía a la cabeza un dramón ambientado en Vietnam me quitaba las ganas de dedicarle 90 minutos y 100 pesetillas. Si a eso le sumamos que Rutger Hauer ya había iniciado su retirada de las grandes producciones hollywoodienses (Blade Runner, Lady Halcon) en dirección de las siempre agradecida serie B para videoclub (Se busca vivo o muerto, Furia ciega), la ganas de verla no es que mejoraran mucho, la verdad.

En un futuro indeterminado (aunque en la carátula indique el año 2200) la civilización se ha ido al garete y, básicamente, se ha dividido entre los que viven en la superfície, que son los que malviven en puebluchos y cultivando lo poco que la tierra les deja; y los que viven bajo tierra, que serían la clase burguesa de la sociedad. Lo único que les une es un deporte salvaje parecido al fútbol americano, que consiste en dos equipos que han de poner el cráneo de un perro en la meta del rival mientras intentan evitar, con ayuda de la fuerza bruta, cadenas y armas, que el contrario anote. Cada pueblo tiene un equipo que suelen recibir la visita de equipos nómadas que les retan. Todos ellos viven con la aspiración de conseguir entrar en la liga que tienen los habitantes que viven bajo tierra, donde son tratados casi como la clase alta.

Sangre de héroes es una coproducción entre Australia y USA, lo que la convierte en la alumna aventajada de las secuelas de Mad Max. Sus primeros 45 minutos, donde nos dejan claro como vive la sociedad en la superfície y nos ponen en antecedentes, es puro cine postapocalíptico con parajes desérticos y polvorientos. Una primera mitad es algo monótona porque su acción se limita a los partidos de ese deporte en una época que el montaje no permitía demasiadas florituras y todo es desierto, desierto y más desierto. Por fortuna, cuando ya nos pensamos que no vamos a ver nada más, la historia de nuestros protagonistas nos lleva a la ciudad subterránea y la cosa cambia, pareciéndose más al inicio de Mad Max III. Ya con un diseño de producción muy interesante, que casi parece como si hubieran cogido el vestuario y algunos decorados del Dune de Lynch y les hubieran metido rayos gamma y los hubieran dejado al Sol unos cuantos siglos. Sin duda esta cuestión estética es la mejor parte, porque a nivel argumental la cosa es simplista y va por el camino de la previsibilidad. Esto es: grupo de zarrapastroso que irán pasando pruebas hasta conseguir vérselas con el equipo de primer nivel al que -¡oh, sorpresa!- superarán. Y no podemos olvidarnos del personaje (Hauer) que tuvo un pasado mejor cuando formó parte de la elite y fue lanzado a los infiernos por un lío de faldas y ahora busca redimirse.

Visto así no estamos ante una película que innove en nada, pero los ingredientes están lo suficientemente bien combinados como para que se deje ver y hasta nos sorpenda con el diseño del mundo subterráneo.

Delante de la cámara tenemos a un Rutger Hauer, en pleno descuido de su figura, como prota, acompañado de Joan Chen (que, además de interpretar a Jocelyn Packard en Twin Peaks, volvería a trabajar con el holandés en Peligrosamente unidos, Yacimiento lunar y Tonight at Noon), Delroy Lindo (el policía de 60 segundos de Nicolas Cage), un jovencito Vincent D'Onofrio, Hugh Keays-Byrne (el malo de la primera y cuarta entrega de Mad Max) y Anna Katarina (la tipa del caniche de Batman Vuelve).

En la dirección David Webb Peoples, que aquí ejerció su única incursión como director, pero que como guionista tiene una carrera envidiable: Blade Runner (la última reescritura), Lady halcón (haciendo añadidos de última hora sin acreditar), Sin perdón (que el tito Clint se tiró más de 15 años para hacerla desde que adquirió el guión), Soldier (que antes que lo produjera la Warner con Kurt Russell, lo compró David Geffen para que lo protagonizara Wesley Snipes) o 12 monos. A finales de los 80 escribió una adaptación del cómic Sargento Rock para Joel Silver con Schwarzenegger como prota, pero nunca se llegó a materializar.

 

Sangre de héroes llegó en un mal momento para el subgénero postapocalíptico, los italianos lo habían quemado con tropecientas subproducciones. El último intento hollywoddiense databa de 3 años antes, 1986, con Guerreros del Sol que fue un estrepitoso fracaso, dejándoles claro que ya no había donde rascar, con lo que el film de Webb tuvo una vida en cines limitada. Aquí, como era de esperar, nos llegó directamente a VHS. Pero la gracia es que existen 2 montajes: el original australiano, que es el largo; y el americano más corto y que los títulos de crédito empiezan aparecer cuando todavía estamos en el desenlace. Una locura. ¿Cuál nos llegó aquí? Efectivamente, el chiflado que se marcaron los yankies.

Pero si hay algo a lo que es imposible ganar a los alemanes es en el campo de lo sordido. Estos quedaron enamorados del deporte que aparece en la película y se montaron sus ligas de Jugger que fueron abriéndose paso en diferentes países. Sí, aquí también hay una federación del susodicho. Es que lo sórdido mola. 

La niebla

Después del tremebundo éxito de La noche de Halloween, Carpenter se desmarcó un poco estrenando casi de forma consecutiva dos telefilms como ¡Alguien me está mirando! y Elvis (su primer encuentro con Kurt Russell). Podría parecer que eran un paso atrás para su carrera por aquello que trabajar en televisión en la época era como jugar en segunda división, pero sería importante señalar que el primero ya estaba rodado y terminado antes del estreno de las andanzas de Michael Myers en los cines y el segundo estaba llegando al final del rodaje.
Para su siguiente proyecto para cines seguiría en el terror, pero en lugar de algo más moderno como el tan en boga slasher se fue al terror más clásico, un cuento de toda la vida de fantasmas que vuelven para vengarse.

En el pueblecito costero de Antonio Bay se preparan para celebrar su centenario cuando, una noche el cura del pueblo descubre un antiguo diario que relata como los fundadores levantaron el pueblo después de hundir un barco de leprosos y robar el oro que transportaban. Justo 100 años después, una misteriosa niebla se aproxima al lugar.

Como es habitual en Carpenter, contaría con muchos nombres habituales en su pasada o futura filmografía. Detrás de las cámaras: Debra Hill, con la que co-escribió el guión y fue productora; Dean Cundey (La noche de Halloween, Golpe en la pequeña China) en la fotografía; Tommy Lee Wallace, que terminaría dirigiendo Halloween III, como editor y diseñador de producción; Craig Stearns (Asalto en la comisaría del distrito 13) como director artístico; y Larry Franco, que acabaría siendo productor de todas sus películas en los 80, como ayudante de dirección. Y en los efectos destacar un joven Rob Bottin que también interpretaría al fantasmagórico Blake. También en los efectos colaboró (aunque sin acreditar) un jovencísimo Steve Johnson que luego tendría un largo recorrido en el campos de los efectos y maquillajes y volvería a colaborar con el director en Golpe en la pequeña China.

Y ya delante de la cámara un festival de rostros conocidos en el universo del director: Adrienne Barbeau (que en aquellos días eran pareja y habían coincidido en ¡Alguien me está mirando!), Jamie Lee Curtis y su madre Janet Leigh, Tom Atkins, James Canning, Charles Cyphers, George 'Buck' Flower, Nancy Kyes, y el propio Carpenter haciendo un cameo al inicio del film como el tipo que trabaja en la iglesia. Y, aunque es su única incursión en la filmografía del director, mentar a Hal Holbrook como el cura del pueblo.

La niebla es un cuentecito de terror muy influenciado por los relatos clásicos y los cómics de la EC, lo cual se acentúa con ese inicio en el que un hombre explica una historia a un grupo de chiquillos delante de una fogata por la noche. Precisamente esa es una de la escenas que se filmarían cuando la producción ya había acabado y el primer montaje no acababa de funcionar. El propio Carpenter se dio cuenta que al intentar evitar las escenas truculentas apenas aparecían los marineros sedientos de venganza y en una época que lo que estaba de moda eran los acuchillamientos y la sangre, le preocupaba que su ausencia le jugase una mala pasada en la taquilla. Así que rodó insertos con los marineros zombificados y algo de sangre, aunque tampoco demasiada.

El film, que en Barcelona sería la película que inauguraría el mítico cine Niza, acabaría superando escasamente el millón de dólares por esos añadidos. Presupuesto modesto para la época (El resplandor, que es del mismo año, superó los 20) pero mucho mayor que los escasos 300 mil dólares que costó La noche de Halloween. En su momento tuvo un éxito moderado en la taquilla yankie, pero el tiempo le ha ido dando cierto estatus de culto por mucho que el propio Carpenter nunca le haya tenido demasiada estima. Y lo cierto es que es de esas películas que se le ven las buenas intenciones pero algo tiene que no le hace brillar. Tiene atmósfera, una fotografía perfecta para el tipo de historia macabra que pasa en un pueblecito costero, una música del propio Carpenter que casa a la perfección... pero hay algo que hace que no sea del todo redonda.

Decía el propio director en la promoción del remake de hace una década, en el que estaba acreditado como productor, que esa nueva versión era para poder subsanar los errores del original y parir algo más pulido. Viendo los resultados y como Carpenter ha ido encaminando sus declaraciones de los posteriores remakes de su obra, está claro que le importan bien poco todas esas nuevas versiones de sus películas y que a él mientras le paguen, chitón y a seguir jugando a la Play y haciendo sus conciertos, mientras otros remakean sus viejos films que acaban engrandecidos. Bien por Carpenter.

Cobra. El brazo fuerte de la ley

A mediados de los 80 Stallone era uno de los blancos fáciles para la crítica. Sí bien con su salto a la primera división con el éxito de Rocky (por la cual, no lo olvidemos, tuvo una nominación a los Oscar como guionista y otra como actor en los Globos de oro) se ganó cierto crédito como "artista" más allá de ser un amasijo de músculos, cosa que, más o menos aguantó con F.I.S.T. Símbolo de fuerza pero ya con La cocina del infierno, su debut como director, o Rhinestone el castillo de naipes empezó a desmoronarse. Al menos le quedaba el favor del público, el cual seguía yendo a ver sus películas en masa pese a ir sorteando algún que otro traspiés como Los halcones de la noche (más por expectativas que por los resultados reales), pero Rocky y John Rambo siempre estaban ahí para parir una nueva secuela y mantenerlo en la primera línea del starsystem.

Por el camino se le cruzó Paula Gosling y los primos Menahem Golan y Yoram Globus.
La primera es la autora de Fair game (que si no voy errado aquí nunca se ha editado), que acabó siendo adaptada por el propio Stallone dando vida a Cobra (una década después el libro volvería a tener otra adaptación, Caza legal con William Baldwin y Cindy Crawford) y el dúo israelí empezaría a darle cheques en blanco al actor en su intento por llevar a la Cannon al nivel de las majors hollywoodienses.

Para dirigirla se fichó a George P. Cosmatos, que acababa de hacer lo propio con Rambo. Acorralado Parte II. Aunque se dice que ahí el que cortaba el bacalao era el propio Sly, cosa que no sería ningún disparate pues, años después, Cosmatos aterrizaría, por sugerencia de Stallone, en el set de Tombstone. La leyenda de Wyatt Earp cuando Kevin Jarre (curiosamente guionista de Rambo II) fue despedido, aunque quien en realidad tomaba las decisiones era Kurt Russell.

Para el reparto Sly adjudicó a su pareja de la época, Brigitte Nielsen, como la socorrida dama en apuros; además de contar con Reni Santoni, que alguno lo recordará como el Poppie de Seinfeld, aquel tipo que no se lavaba las manos después de miccionar; Art LaFleur, secundario mítico en mogollón de productos y subproductos; David Rasche, que ese mismo año protagonizaría la serie Sledge Hammer; y Brian Thomson, una especie de Chuache en versión fea que podría haber tenido mejor carrera pero se quedó como malo (con esa cara no podía hacer de bueno ni de broma) en Noche de miedo 2 o Doctor Mordrid y de ahí a serie B.

Cobra podría resumirse como la historia de un poli que debe proteger a una testigo. Simple y directo. Pero Sly lo que hace es hacer su propia Ruta sucida mezclada con Harry el sucio (justamente en el cast encontramos alguna cara que ya apareció en la película de Don Siegel) cuando el cine de justicieros ya estaba de capa caída (no hay más que ver las entregas de El justiciero de la ciudad de mediados de los 80, virando cada vez más a una autoparodia involuntaria). Además de salpicarlo todo con detallitos muy suyos, que si bien le funcionaron en Rocky aquí se le veía el plumero. Ya fuese el añadir diálogos intrascendentes para la trama (Cobra tiene cierta obsesión para que su compañero deje de tomar demasiada azúcar y se tire por una dieta más sana) o colarnos escenas puramente videocliperas (Tony Scott style) con canción AOR de fondo. Además no se corta un pelo y mete alguna que otra idea loca, como ese coche clásico que esconde un botón para activar el modo turbo (!!!) mientras nos va telegrafiando con antelación lo que nos iremos encontrando.

La película empieza muy fuerte, con la famosa escena del supermercado (con diferencia lo mejor del film), lo que hace que luego pierda gas hasta que a mitad de película abandonan la ciudad y la cosa se empequeñece demasiado en un pueblecito más propio de El equipo A.

Vista en la actualidad, Cobra es el claro ejemplo de todos los tics más parodiados de las películas del poli de turno que tiene que traspasar la ley para finiquitar a los malos. Los tiene todos: policía expeditivo al que todo el mundo cuestiona sus métodos, lleva un arma y/o coche chanante, vive solo y se alimenta de sobras (pese a estar bien mazado), no se le conoce familia pero acaba haciendo buenas migas con la chavala de turno, tiene un compañero al que le suelen dar matarile (en este caso le dan lo suyo pero sobrevive)... sólo falta el contrapicado mientras grita venganza y tiene en sus brazos algún cadáver. Es por todo ello que si nos la tomamos a coña puede funcionar, pero a diferencia de, por ejemplo, Comando, que sí se le intuye cierto tono autoparódico dada su exageración, la película de Sly huele a leguas que todo está hecho en serio, muy en serio. 

Festival de trailers (LVI)

La isla del fin del mundo (The Island at the Top of the World, 1974) de Robert Stevenson. Con Donald Sinden, David Hartman, Jacques Marin, Mako, David Gwillim y Agneta Eckemyr.

Oz, un mundo fantástico (Return to Oz, 1985) de Walter Murch. Con Fairuza Balk, Nicol Williamson, Jean Marsh, Piper Laurie, Matt Clark y Michael Sundin.

Un ejecutivo muy mono (The Barefoot Executive, 1971) de Robert Butler. Con Kurt Russell, Harry Morgan, Wally Cox, Heather North, Joe Flynn, John Ritter y Alan Hewitt.

Fuga de noche (Night Crossing, 1981) de Delbert Mann. Con John Hurt, Jane Alexander, Beau Bridges, Doug McKeon, Ian Bannen, Jan Niklas, Kay Walsh, Keith McKeon y Glynnis O'Connor.

Un sabio en las nubes (The Absent-Minded Professor, 1961) de Robert Stevenson. Con Fred MacMurray, Nancy Olson, Keenan Wynn, Tommy Kirk, Leon Ames, Elliott Reid y Edward Andrews. 

Pánico a las tres

Ni he sido ni soy muy amigo de las teen movies ochenteras. Nunca me ha gustado/divertido la saga Porky's, Desmadre a la americana, Los rompecocos... Ni siquiera a las de John Hughes guardo cierto cariño. En cambio, tengo 3 o 4 que son la excepción de la regla. Ya sea la trilogía de Kurt Rusell en Disney (Te veo y no te veo, El hombre más fuerte del mundo y Mi cerebro es electrónico), Movida en la universidad y Locuras de medianoche... Las primeras porque, además de ser tremendamente naif, tienen el elemento fantástico, y con eso ya me tienen ganado, al menos para darle la oportunidad de un primer visionado. Y la última porque es una versión puber de ¡Jo, qué noche! hecha 6 años antes que la peli de Scorsese.

Pánico a las tres nunca la vi en los videoclubs que frecuentaba. Realmente supe de ella a principios de milenio, cuando comenzaba a llegar a la mayoría de hogares la banda y ancha y la posibilidad de descargar archivos más grandes que las canciones sueltas del AudioGalaxy o el Napster. Y supe de ella porque en algunos foros se hablaba de ella casi como film de culto. Y después de verla llego a entender la simpatía que muchos le procesan, pero a mí no me llega. Seguramente, de haberla visto en su momento, me encontraría en ese grupo, pero habiéndola visto mucho más tarde, su montaje alocado y tan cartoon no me llegaba de nuevas, yo ya lo había catado en las muy posteriores El cuchitril de Joe o la serie Parker Lewis, o en la coetánea Arizona Baby. Incluso Escuela de jóvenes asesinos (que es un año posterior) tiene algo de ese lenguaje audiovisual que estaba emergiendo. Pero la película de Michael Lehmann tiene ese componente de personajes perdedores que mola. Pero no de perdedores simpáticos, si no de los antipáticos, los rarunos que prefieren y quieren estar sólos con su mundo interior y todas esas historias. Sí, todo el rollo burtoniano de los outsiders.

En Pánico a las tres tenemos a Jerry Mitchell, un chavalín de instituto, el clásico que pasa desapercibido pero muy aplicado, que acaba topándose con un nuevo estudiante que resulta ser un matón. Por la clásica chorrada, de esas que pasan sin querer, el matón le emplazará a las 3 para darle una paliza. Así que ya tienes al pobre Jerry maquinando durante todo el día como evitar la fatídica cita.

Dirigida por Phil Joanou, que empezó siendo un protegido del mismísimo Spielberg, que había visto el cortometraje que hizo como estudiante (Last chance dance, 1984), según el propio autor "una comedia romántica ambientada en el instituto con un tono muy American Graffiti". Hago un alto para decir que Joanou había llegado a trabajar con apenas 1 7 añitos en la primera película de Star Trek en el departamento de efectos especiales gracias al enchufe del padre de su novia, que era un banquero que había metido dinero en Apogee, Inc., compañía de efectos especiales que fue la encargada de esa labor en la película de la Enterprise.

Volviendo a Spielberg, éste le ofreció dirigir un par de episodios de Cuentos asombrosos titulados Santa '85 y La muñeca. Después de eso, el director de Hook recibió la visita del productor (sobre todo) televisivo Aaron Spelling que estaba intentando poner en marcha un guión llamado After School, que era, en gran medida, una comedia al estilo de John Hughes. Spielberg ayudó a poner en marcha el proyecto y colocó en la dirección a Joanou. Es por eso que, pese no aparecer acreditado, pues el proyecto no lo consideraba suyo y apenas interfirió, mucha gente considera la película una especie de hijo bastardo de la factoría Amblin.

Y, efectivamente, ese guión titulado After School acabó mutando a Three O'Clock High (o Pánico a las tres para nosotros) y se desprendió en buena medida del sello Hughes y acabó teniendo una fuerte influencia de After hours / ¡Jo, qué noche!
Como protagonista nos topamos con Casey Siemaszko, que si bien no terminó haciendo nada destacable, nos sonará por ser uno de la pandilla que siempre perseguía a Marty McFly (concretamente el que llevaba las gafas 3D) y el prota de aquel episodio titulado La misión y dirigido por Spielberg para Cuentos asombrosos en el que un avión de guerra tiene estropeado el tren de aterrizaje y él está atrapado en la parte de abajo del aparato. Y luego poca cosa destacable hizo.
Como el matón tenemos a Richard Tyson, que era el malo de Poli de guardería. Y es que con esa cara de cromañón no tiene muchas posibilidades más el pobre. Además teníamos por ahí, el ahora "amigo de sobrepasarse con compañeras de trabajo" Jeffrey Tambor; John P. Ryan, habitual de la Cannon; y Mitch Pileggi, el Skinner de Expediente X o el malo de Shocker.
Y en el apartado técnico apuntar un par de nombres. Barry Sonnenfeld, futuro director de La familia Addams o Men in Black, como director de fotografía (lo que la enlaza todavía más con Arizona baby), y Tangerine Dream en una no demasiado inspirada banda sonora.

Pánico a las tres costó 6 millones y apenas recaudó la mitad. Un fracaso que hizo que los productores quedasen defraudados, pues ellos esperaban algo más del estilo Karate Kid (sic). Todo ello hizo que aquí nos llegase directamente a vídeo.

Por su parte, Phil Joanou ha terminado siendo el clásico director que prometía mucho y acabó chocando con la forma de trabajar de los grandes estudios, que no le permitían tener el control total sobre sus películas. Ahí tienes los casos de El clan de los irlandeses (con la que se topó con la Orion entrando en bancarrota) o Análisis final (donde se las tuvo con el mismísimo Richard Gere). Todo ello hizo que se alejará bastante de Hollywood y su escasa filmo se decantase por productoras más pequeñas independientes. Aunque siempre tiene un hueco para rodar algún clip de sus colegas U2.