La trilogía de Kurt Russell en Disney

No nos engañemos, Kurt Russell sólo ha hecho basurilla, de la quema se puede salvar Golpe en la pequeña China, Tango y Cash y poca cosa más. Ni Rescate en N.Y. y ni mucho menos La cosa, que es simplemente horrible, son visibles. Y bueno, por supuesto que esta trilogía que paso a comentar es de lo poco que salvaremos.

Kurt cuando vivía feliz en una comuna de clones

Kurt ya llevaba muchos años afincado en producciones Disney, ya fuesen series o pelis con los buenos de Fred MacMurray o su sucedáneo en los 70, Dean Jones. Hasta que en el 69, la propia productora, le dio la oportunidad de protagonizar una peli, Mi cerebro electrónico (The Computer Wore Tennis Shoes) de Robert Butler, donde daba vida a Dexter Riley un estudiante del instituto Medfield.

Kurt y su pandilla quieren un computador (no un ordenador, recordemos que estamos en los 60) para el centro así que le van a llorar un poquito al maximillones de A. J. Arno (Cesar Romero), que es el clásico tipo que todo el mundo se piensa que es un gran empresario y en el fondo es un pillastre que se dedica a usar computadoras para sacar combinaciones ganadoras en el casino, el ganador de la carrera de cavallos, etc. Así que el bueno de Arno les regala una de sus computadoras a los chavales para el instituto.

Una vez en el instituto resulta que falta una pieza para acabar de montarla y Kurt se presta voluntario para ir a buscarla. Por una serie de razones, una vez conseguida la pieza, el chaval intenta montarla y se pega una descarga en la máquina. Descarga que no sólo le dejará chamuscado si no que le meterá todos sus datos en la cabeza.

A partir de ahí ya tenemos el clásico concurso de preguntas entre institutos y Kurt por en medio.

Míticos son varios de los momentos de la peli: el médico mirando la cabeza de Kurt a través de rayos x y vemos lucecitas como las de los paneles de ordenador o la final del concurso donde casi no se acuerda de nada y habla a cámara lenta, por decir algunas.

Kurt ya es un hombre

La peli, que se estrenó en la navidad del 69, tuvo mucha aceptación, dando a Russell la oportunidad de protagonizar más pelis en Disney, sin ir más lejos 2 años después repetiría con Robert Butler y con parte del equipo de la anterior peli en Un ejecutivo muy mono; como dato decir que en esta peli hizo su debut en pantalla el gran John Ritter, además, de la peli, se hizo un remake para el Disney Channel en el 95. En ese mismo año 1995 tambien se hizo un remake de Mi cerebro electrónico donde el papel de Dexter lo interpretaba el mismísimo Kirk Cameron, pero ya entrado en años, y con un habitual de la factoría Disney en los 60 y 70 como Dean Jones haciendo algún papelito a mayor gloria.

Pero vamos a lo que vamos, en el 72 estrenan Te veo y no te veo (Now You See Him, Now You Don't) con la mayoría del equipo de las anteriores y todos repitiendo sus roles, ya sea el propio Russell, Romero o, el no menos mítico, Richard Bakalyan. Además usarían exactamente la misma estructura con lo que más que una segunda parte parece más un remake, tanto se parece que la peli empieza exactamente igual, reunión de profesores y los alumnos escuchan la conversación a través de un micro que han puesto en el despacho.
Aquí la historia es la del clásico accidente causado por una tormenta que lanza un rayo al laboratorio del instituto combinando varios componentes y creando el elixir de la invisibilidad. Por ahí pasará el malote de Arno, que vuelve a las andadas delictivas, y se enterará del invento con lo que querrá apoderarse de él para enriquecerse haciendo fechorías.

Aquí ya tenemos síntomas de cansancio en una formula repetitiva pero que se deja ver porque, no nos engañemos, es una peli tan de su época y tan ingenua que cae en gracia, sobre todo con los clásicos trucos para crear los efectos de invisibilidad, ya sean hilos o transparencias cutrillas.

Cesar Romero me toca los huevos

Ya en el 75 se cierra la trilogía con El hombre más fuerte del mundo (The Strongest Man in the World) que continuaba contando con el mismo equipo salvo en la dirección que paso a manos de Vincent McEveety otro que, al igual que Butler, después fue carne de cañón de teleseries; además se les unió un clásico de la época, Dick Van Patten.

En esta nueva peli volvemos con la pandilla de Medfield que aquí, ya en un toque de bizarrismo, los alumnos se prestan a experimentos alimenticios, uno de estos alimentos son los cereales Crumply Crunch (¿nadie se acuerda de las patatas chips de La extraña pareja?). Y luego lo de siempre, casualidades de la vida el líquido fantástico va a parar al tazón de cereales de Kurt y adquiere una fuerza sobrehumana; con lo que todos se piensan que es cosa de esos cereales. Casualidades de la vida el dueño de la empresa rival de los Crumply Crunch es A. J. Arno, que conociendo a la pandilla de Medfield sabe que hay gato encerrado.

Aquí ya todo se reduce a chistes en plan me apoyo en una farola y sin querer la doblo o levanto a mis amiguetes con la punta del meñique. Además Russell ha perdido parte de su protagonismo que se reparte más en el resto del elenco, ya sea en Van Patten, Romero o, incluso en Michael McGreevey. Y como ya he dicho antes la repetición de la formula (líquido mágico, malos que quieren robarlo, concurso de instituto...) se hace cansina así que normal que ya no siguieran por ahí, cosa prefectamente entendible porque Rusell, con sus 21 añazos, ya no colaba como estudiante de instituto.

Fumar perjudica gravemente la salud

Ya en los 80 recuerdo Movida en la universidad (ZAPPED, 1982) con Scott Baio donde nos volvíamos a encontrar al estudiante universitario que tiene un accidente en el laboratorio y adquiere alguna cualidad fantástica, aquí era la telequinésia; todo eso salpicado por las características propias de las comedias adolescentes de la época (Porkys, Rompecocos, Las albondigas en remojo, etc) un poco de erotismo, tetas y culos de chavalas de buen ver.

Decisión crítica

¿Ha sido KurtRussell un actor de los que llevaban masas de culos a llenar las butacas de los cines? Hombre pues la verdad es que no. Y sabiendo que sus films más mitificados (La cosa, Golpe en la pequeña China, 1997: Rescate en Nueva York, curiosamente todos de Carpenter) acabaron siendo desastres de taquilla (aunque luego les sacaron las castañas del fuego sus pases a videoclub) pues no podemos decir que el bueno de Kurt vaya a ser un referente. Al pobre siempre le faltó ese gran pelotazo que casi consigue con Tango y Cash o Conexión tequila. Stargate, Sky High o Dreamer: camino hacia la victoria tuvieron sus buenos beneficios, pero no eran ese mega pelotazo. Y ni siquiera el eterno intento de Tarantino de relanzar carreras le ayudó mucho con el fracaso de Death proof.
 

Pero eso sí, cariño le tenemos, porque un tío que ha hecho todas esas maravillas con Carpenter, más su trilogía de instituto para Disney y hasta Llamada a un reportero (la película en la que se ven más micrófonos colgando por minuto) merece eso y más.

 

Decisión crítica no deja de ser una vuelta de tuerca del Delta Force de Chuck Norris: un avión (de la compañía Oceanic!) es secuestrado por un grupo de terroristas. El plan es conseguir introducir en pleno vuelo a un grupo de fuerzas especiales que consiga reducir a los terroristas.
Hasta ahí nada nuevo bajo el sol. Y lo que sigue mucho menos porque tenemos todos los clichés habidos y por haber: el especialista en desactivar la bomba se queda impedido para hacer su función y ha de ir guiando a otro, personaje que no está preparado para coger un arma tiene que lidiar con los terroristas, los militares a punto de ser descubiertos en su escondite, aterrizaje de emergencia en el último momento por parte de un no piloto...

Pero todo eso no es para nada malo, porque son los ingredientes necesarios para tener una muy buena película de acción puramente noventera. Aunque lo de acción hay que cogerlo con pinzas, porque lo que se dice acción pues como que no hay tanta como podemos pensar en un principio. Lo que sí que hay son muchas escenas de tensión, siempre jugando con ese grupo de fuerzas especiales escondidos en los compartimentos del avión y siempre estando en el filo de la navaja por ser descubiertos.

Si bien tenemos como prota absoluto a nuestro querido Russell, tenemos a otro que podría parecernos el coprotagonista: Steven Seagal. Esto ya es más engañoso porque SPOILER (aunque teniendo la peli casi 20 años ya lo deberías saber) el prota de Alerta máxima apenas sale 15 minutos en pantalla para morir de una forma totalmente pasmosa. Ésto viene dado porque el actor no estaba muy de acuerdo con su fallecimiento en el film, dando por hecho que no gustaría a los fans, pero los productores los tenían bien cogido por temas de contrato y le obligaron ha rodar sus escenas, en las que se nota mucho la desgana del actor. Es más, en los primeros posters en su estreno americano Seagal ni salía (por no salir no sale ni su nombre en los créditos) y sería para el estreno del resto del mundo cuando se decidió usar la carta Seagal para ayudar a que la película tuviese más tirón entre las audiencias, ya que en USA apenas llegó a recuperar los 60 millones que costó. Luego amasó 70 más en la taquilla internacional, con lo que unido a su explotación doméstica dejó unos pingües beneficios en las arcas de la Warner.

También estaba por ahí John Leguizamo (el payaso de Spawn), que tuvo sus más y sus menos con Russell y con Seagal, el cual le dio un golpe de aikido que le dejó ko. Halle Berry haciendo de florero en uno de sus primeras apariciones importantes; David Suchet, que hacía de Poirot en una de esas series que emiten en todas las cadenas locales, haciendo de malo malísimo; y Oliver Platt, uno de los de Línea mortal.

 

Dirigida por Stuart Baird, que aquí hacía su debut, luego vendrían U.S. Marshals, secuela/spin off de El fugitivo, y Star Trek: Nemesis. Corta filmografía, aunque la función más destacable de Baird es como montador, suyas son las ediciones de un montón de pelis de Richard Donner (Superman, Maverick, Lady Halcón, Arma letal....) o Casino Royale, entre otras.
Con un guión firmado por los que escribieron Depredador y siendo una producción de Joel Silver la cosa no puede ser mala. Mucho mejor les hubiera ido a los malaysios de Airlines tener un Russell en su vida.

Golpe en la pequeña China

Hay películas que van cogidas de la mano a nuestra infancia, y Golpe en la pequeña China es una de las que me alegraron en esos días. Una apuesta segura a última hora de la tarde de esos sábados que no sabías muy bien que hacer.

Por casa corría una copía original en VHS y solamente teniendo entre las manos esa carátula que remite a los seriales pulp, nada que ver con el cartel puramente zetoso de la edición gabacha (Les aventures de Jack Burton), ya sabías que algo bueno te ibas a encontrar.

Carpenter venía de unos inicios muy prometedores, aunque fue con La noche de Halloween (en su momento la película más rentable de la historia) que consiguió meterse de lleno en la industria. Pero los fracasos de La cosa o Christine (más en cuanto a expectativas que a recaudaciones) le ponían en una situación incomoda, fruto de la cual tuvo que hacer a regañadientes Starman.

No hay que ser muy avispado para ver la devoción del director por el western, la mayoría de sus películas son historias de cowboys: Asalto en la comisaría del distrito 13, 1997: Rescate en N.Y., Vampiros... Golpe en el pequeña China no podía ser menos, ya que la primera versión del guión que data de principios de los 80 trataba de un cowboy al que le roban el caballo, después de reescribirla y ambientarla en la actualidad se cambió el equino por el camión.

A Carpenter le llegó el proyecto casi de rebote, después de rechazar otro film muy similar, El chico del oro, y porque la Fox quería a alguien que rodase rápido. El director acabó imponiendo a varios actores pasando por encima de las preferencias del estudio: Kurt Russell, Kim Cattrall (que venía de pelis de comedias como Porky's o Loca academia de policía y una década después volvería a sus días de gloria con Sexo en Nueva York), James Hong (el fabricante de ojos de Blade Runner), Al Leong (el eterno chino de cualquier película de artes marciales que se precie), Victor Wong (el Miyagi de serie B de pelis como Tres pequeños ninja y secuelas).

Lo que pasó con esta película es muy curioso. La Fox estaba convencida que iba ser el gran éxito del año, lo tenía todo: efectos especiales, aventuras, fantasía, artes marciales (tan de moda en la época), un personaje chanante y carismático como Jack Burton... Todos se estaban frotando las manos hasta que llegó el momento de estrenarla, Golpe en la pequeña China no recaudó ni la mitad de los 25 millones que costó.

Al parecer, el mayor problema es que el estudio nunca supo como venderla. La película mezclaba demasiadas cosas y el supuesto héroe del film no era tal, todo lo contrario, era un tipo que no se enteraba de nada, que casi nunca estaba en medio de las peleas y era un bocazas. Así que la Fox no sé mojó demasiado en la publicidad confiando que el film se vendería solo, cosa que al final no sucedió.
Por contra el film tuvo una segunda oportunidad en el mercado doméstico, donde triunfó entre VHS y Betas para terminar de convertirse en otro de los muchos films de culto que pueblan las estanterías de los grandes almacenes.


A estas alturas de la vida dudo que quede alguien sin haber disfrutado de las aventuras del alter ego de Kurt Russell, así que poco más se puede añadir de este clásico moderno. Si acaso, como dice Jack Burton, ¿pero qué pasa?

La montaña embrujada (y secuelas/remakes)

Más allá de sus cortos y largos animados, Disney, en sus inicios, abrazó un tipo de cine de "acción real" muy conservador, con adaptaciones literarias de aquellas que entretenían tanto a padres como hijos. La espada y la rosa, Los hijos del Capitán Grant, Pollyanna, Un viaje increíble... estaban muy bien en los 50 y 60, pero las juventudes de los 70 ya buscaban otras cosas y Disney comenzó, en mayor o menor medida, a dejar de lado las obras de Verne, H. Porter o David Wyss.

Festival de trailers (CLXXXIX)

Danny (So Dear to My Heart, 1948) de Harold D. Schuster y Hamilton Luske. Con Burl Ives, Beulah Bondi, Bobby Driscoll, Luana Patten, Harry Carey, Raymond Bond, Walter Soderling y Matt Willis.

El caballo del traje gris (The Horse in the Gray Flannel Suit, 1968) de Norman Tokar. Con Dean Jones, Diane Baker, Lloyd Bochner, Fred Clark, Ellen Janov, Morey Amsterdam, Kurt Russell y Lurene Tuttle.

Eres demasiado (Too Much, 1987) de Éric Rochat. Con Bridgette Andersen, Masato Fukazama, Morikiyo Bowhay, Hiroyuki Watanabe, David Spencer, Rachel Huggett, Karen Hammer y Char Fontane.

Las aventuras de Chatrán (Koneko monogatari, 1986) de Masanori Hata. Con Shigeru Tsuyuguchi, Kyôko Koizumi, Milo y Otis.

 

 

 

La bruja novata (Bedknobs and Broomsticks, 1971) de Robert Stevenson. Con Angela Lansbury, David Tomlinson, Roddy McDowall, Sam Jaffe, John Ericson, Tessie O'Shea y Cindy O'Callaghan.

 

2013: Rescate en L.A.

 

Mañana se supone que es el fin del mundo, así que mejor despedirnos con un film que acontece en 2013, ya que no lo veremos in situ, lo veremos en la tele. O al menos eso decían los mayas. Y mira, si no es el fin del mundo seguro que en 2013 nosotros también tendremos nuestro propio rescate. Aunque sea económico.

2013: Rescate en L.A. es la secuela de 1997: Rescate en Nueva York, o mejor dicho, un remake hecho con los medios con los que se podía contar a mediados de los 90.

Si en el film de 1981 la ciudad de Nueva York se había convertido en una cárcel, de la que era imposible salir y los presos habían creado su propia sociedad, en la que se estrellaba el Air Force One y el presidente de los EEUU era capturado para luego ser rescatado por Snake Plissken (como todo el mundo sabe, el inspirador de Solid Snake), en 2013: Rescate en L.A., Los Ángeles ha sufrido un terremoto, convirtiéndola en una isla, la cual utilizan como cárcel. La hija del presidente roba un arma y se esconde en la isla, con lo que mandan a Plissken a recuperar el arma y rescatar a la chica. Además, en ambas películas el protagonista tiene un límite de tiempo para el rescate ya que introducen en su organismo un virus/bomba para que en 24 horas acabe con él.

El primer film había sido una producción tirando a modesta que sabía aprovechar cada uno de los dólares invertidos para parecer mayor de lo que era. Su mezcla de futuro apocalíptico, acción, antihéroes y crítica social funcionó muy bien en taquilla. Además de dar pie al subgénero postapocalíptico, donde los italianos se hicieron los reyes del cotarro con varios productos que, en su mayoría, era serie Z infecta, rodadas con muy pocos medios y aprovechando cualquier descampado, edificio a medio derruir y naves industriales.

El universo de Snake Plissken quedó congelado durante casi 15 años, hasta que Kurt Russell se empecinó en retomarlo. Quizá porque su carrera iba falta de éxitos  o porque, según él mismo declaró, el Serpiente era su personaje favorito de cuantos había interpretado.

A Carpenter tampoco le sentaban muy bien los 90. Su intento de una serie con tintes a Historias de la cripta no pasó del episodio piloto, Body Bags (Bolsa de cadáveres), y Memorias de un hombre invisible y El pueblo de los malditos fracasaron en taquilla, mientras que En la boca del miedo, sin llegar a ser un fracaso, no acabó de funcionar como se esperaba.

Como he comentado, la cosa acabó siendo una nueva versión del anterior film y una reunión de amigos. Porque además de volverse a reunir Russell y Carpenter, este último volvió a echar mano de algunos de sus colaboradores: Debra Hill, que había sido productora de sus primeros films, producía y escribía el guión junto al director y el protagonista; Shirley Walker, compositora de la serie de animación de Batman y colaboradora habitual de Danny Elfman, hacía la banda sonora a medias con el propio Carpenter; Rick Baker se encargaba del maquillaje como ya hiciera en Starman y Body bags; y en cuanto a actores repetía con Robert Carradine y Stacy Keach, con los que ya había coincidido en Body bags.

 

El film fue vapuleado en su estreno, y a día de hoy mucha gente lo cataloga como la peor película de su director. Personalmente no iría tan lejos. Quizá parto con ventaja ya que el film de 1981 nunca me ha parecido gran cosa, por eso me parece que esta secuela/remake es bastante más entretenida que el original. Sí que es cierto que adolece más que nunca de ser serie B. Si en 1997: Rescate en Nueva York, las maquetas y los fondos pintados era lo que había y había que pasar por ahí sí o sí, en la segunda parte los cromas cantan mucho más (ahí está la escena surfera) y como estábamos en los 90 metieron efectos digitales, que es lo peor que podían hacer, ya que en la época todavía eran muy caros y si no te dejabas un fortunón en ellos podías caer en el ridículo más espantoso. Es el caso de la escena del submarino y el tiburón es más que alarmante.

Por lo demás es una de las macarranadas a las que nos tenía acostumbrados el tito John a finales de los 90 (Vampiros, Fantasmas de Marte) que o eras cómplice y te la tomabas en coña o las acababas de ver ridículas, y que su cast estaba bastante guay con Steve Buscemi, Pam Grier haciendo de travesti (recuperada a primer nivel por Burton en Mars Attacks! y este Carpenter, que fueron antes del Jackie Brown de Tarantino), un irreconocible Bruce Campbell y Peter Fonda.

Como es habitual en la filmografía de Carpenter, el film fracasó en taquilla sumando poco más de 40 millones cuando había costado 50. Pero eso no fue impedimento para que Snake Plissken siguiera dando guerra, al menos en el mundo de los cómics, donde, allá por 2003, tuvo una colección titulada John Carpenter's Snake Plissken Chronicles.

También hubo otro proyecto en el que se narraban los hechos anteriores al primer film, esto iba a ser una serie para televisión pero los atentados del 11S hicieron que el proyecto quedara en aguas de borrajas. Después se habló de un largo animado y de una tercera parte en imagen real titulada Escape from Earth, pero nada de esto ocurrió.

Lo que parece más probable es que acaben haciendo un remake de 1997: Recate en Nueva York. Y yo digo: ¿para qué?

Los cazafantasmas II

Si el primer Cazafantasmas no me gustó, esta segunda no iba a ser menos. Y lo cierto es que el punto de partida tiene su gracia. Nuestros protagonistas están de capa caída, ya no hay fantasmas y sus funciones han quedado para el olvido, dedicándose a amenizar fiestas infantiles, presentar programas dedicados a fenómenos paranormales y cualquier cosa que les sirva para sacar cuatro perras. Hasta que descubren que debajo de la ciudad fluyen una sustancia mucosa muy sospechosa.

Como decía, el inicio me hace gracia, pero más gracia me hace que el malvado de turno esté enclaustrado en un cuadro. Esta idea de alguien encerrado en una pintura siempre me ha parecido una idea muy inquietante, como ya vimos en La maldición de las brujas, en un capítulo que daba auténtico miedo de Don Drácula y hasta en una cubierta de Sanjulián para el Creppy. Lástima que aquí, como pasaba en la primera con el arquitecto del edificio, quede todo muy desdibujado y no exploten ideas con muchas opciones. 

Si algo hay de claro en el film es que el guión es un batiburrillo de cosas, lo que parece indicar que ahí tuvieron muchos problemas de escrituras y revisiones que, al final, siempre acaban repercutiendo en el resultado.

A los ya conocidos Murray, Aykroyd, Ramis, Hudson, Weaver y Moranis, se les unía Peter MacNicol (protagonista de El dragón del lago de fuego, aunque más conocido como el Bizcochito de Ally McBeal), Harris Yulin, Kurt Fuller (el sheriff de Scary Movie), Brian Doyle Murray (hermano de Bill y habitual en la filmografía de Ramis) y un cameo de Cheech Marin.

El film, pese a recaudar unos buenos 215 millones de dólares a nivel mundial, dejó un regusto amargo a sus responsables. Las expectativas eran mayores.
Varias son las razones para que el film no acabara de colmar las expectativas. Por un lado es una secuela tardía. Hacía 5 años desde el primer film, eso es mucho tiempo entre dos películas, y la gente ya no estaba demasiado interesada en los personajes.
Por otro lado, y el más importante, 1989 fue un año con una competencia atroz en la taquilla. Ese año tuvimos taquillazos como las secuelas de Regreso al futuro y Arma letal, La sirenita, Mira quien habla, Cariño, he encogido a los niños o la tercera entrega de Indiana Jones y el Batman de Tim Burton, que fueron las grandes triunfadoras de ese año.

Hacen muchos añadidos que provienen directamente de la serie de animación, como es el caso de la aparición de Slimer (Babetes/Moquete), que si en la primera película era casi un fantasma más, aquí coge cierta presencia. No olvidemos que en la serie tenía mucho peso.
También se cepillaron la atracción que siente la secretaria Janine hacia Egon, y pasa a formar parte del elemento puramente cómico que es el personaje de Rick Moranis.

Y, aunque a mí el film no me gusta, tengo que reconocer que nos dejó algo de incuestionable calidad: el videojuego. Ojito porque hay dos para la NES, el malo era de Activision, el bueno era de HAL Laboratory que, además de la 8 bits de Nintendo, también tuvo su versión para Game Boy y se titulaba New Ghostbusters II. En el juego teníamos que controlar a dos cazafantasmas, con uno dirigíamos el rayo y con el otro activábamos la trampa. Todo ello con vista cenital y con gráficos super deformed la mar de graciosos y una jugabilidad a prueba de bombas.


Ya llevan muchos años hablando de una tercera entrega. En un principio el rancio de Bill Murray era el que no quería hacerla (aunque luego se disfrazara de cazafantasma en Bienvenidos a Zombieland) y ahora está el asunto más complicado con la muerte de Harold Ramis, y se dice que los actores originales solamente saldrían para dar el testigo a una nueva hornada de cazafantasmas. Total, la gente la repudiará y dirán que las primeras eran mejores.

La niebla

Después del tremebundo éxito de La noche de Halloween, Carpenter se desmarcó un poco estrenando casi de forma consecutiva dos telefilms como ¡Alguien me está mirando! y Elvis (su primer encuentro con Kurt Russell). Podría parecer que eran un paso atrás para su carrera por aquello que trabajar en televisión en la época era como jugar en segunda división, pero sería importante señalar que el primero ya estaba rodado y terminado antes del estreno de las andanzas de Michael Myers en los cines y el segundo estaba llegando al final del rodaje.
Para su siguiente proyecto para cines seguiría en el terror, pero en lugar de algo más moderno como el tan en boga slasher se fue al terror más clásico, un cuento de toda la vida de fantasmas que vuelven para vengarse.

En el pueblecito costero de Antonio Bay se preparan para celebrar su centenario cuando, una noche el cura del pueblo descubre un antiguo diario que relata como los fundadores levantaron el pueblo después de hundir un barco de leprosos y robar el oro que transportaban. Justo 100 años después, una misteriosa niebla se aproxima al lugar.

Como es habitual en Carpenter, contaría con muchos nombres habituales en su pasada o futura filmografía. Detrás de las cámaras: Debra Hill, con la que co-escribió el guión y fue productora; Dean Cundey (La noche de Halloween, Golpe en la pequeña China) en la fotografía; Tommy Lee Wallace, que terminaría dirigiendo Halloween III, como editor y diseñador de producción; Craig Stearns (Asalto en la comisaría del distrito 13) como director artístico; y Larry Franco, que acabaría siendo productor de todas sus películas en los 80, como ayudante de dirección. Y en los efectos destacar un joven Rob Bottin que también interpretaría al fantasmagórico Blake. También en los efectos colaboró (aunque sin acreditar) un jovencísimo Steve Johnson que luego tendría un largo recorrido en el campos de los efectos y maquillajes y volvería a colaborar con el director en Golpe en la pequeña China.

Y ya delante de la cámara un festival de rostros conocidos en el universo del director: Adrienne Barbeau (que en aquellos días eran pareja y habían coincidido en ¡Alguien me está mirando!), Jamie Lee Curtis y su madre Janet Leigh, Tom Atkins, James Canning, Charles Cyphers, George 'Buck' Flower, Nancy Kyes, y el propio Carpenter haciendo un cameo al inicio del film como el tipo que trabaja en la iglesia. Y, aunque es su única incursión en la filmografía del director, mentar a Hal Holbrook como el cura del pueblo.

La niebla es un cuentecito de terror muy influenciado por los relatos clásicos y los cómics de la EC, lo cual se acentúa con ese inicio en el que un hombre explica una historia a un grupo de chiquillos delante de una fogata por la noche. Precisamente esa es una de la escenas que se filmarían cuando la producción ya había acabado y el primer montaje no acababa de funcionar. El propio Carpenter se dio cuenta que al intentar evitar las escenas truculentas apenas aparecían los marineros sedientos de venganza y en una época que lo que estaba de moda eran los acuchillamientos y la sangre, le preocupaba que su ausencia le jugase una mala pasada en la taquilla. Así que rodó insertos con los marineros zombificados y algo de sangre, aunque tampoco demasiada.

El film, que en Barcelona sería la película que inauguraría el mítico cine Niza, acabaría superando escasamente el millón de dólares por esos añadidos. Presupuesto modesto para la época (El resplandor, que es del mismo año, superó los 20) pero mucho mayor que los escasos 300 mil dólares que costó La noche de Halloween. En su momento tuvo un éxito moderado en la taquilla yankie, pero el tiempo le ha ido dando cierto estatus de culto por mucho que el propio Carpenter nunca le haya tenido demasiada estima. Y lo cierto es que es de esas películas que se le ven las buenas intenciones pero algo tiene que no le hace brillar. Tiene atmósfera, una fotografía perfecta para el tipo de historia macabra que pasa en un pueblecito costero, una música del propio Carpenter que casa a la perfección... pero hay algo que hace que no sea del todo redonda.

Decía el propio director en la promoción del remake de hace una década, en el que estaba acreditado como productor, que esa nueva versión era para poder subsanar los errores del original y parir algo más pulido. Viendo los resultados y como Carpenter ha ido encaminando sus declaraciones de los posteriores remakes de su obra, está claro que le importan bien poco todas esas nuevas versiones de sus películas y que a él mientras le paguen, chitón y a seguir jugando a la Play y haciendo sus conciertos, mientras otros remakean sus viejos films que acaban engrandecidos. Bien por Carpenter.

Mi novia es una extraterrestre

Aunque ahora está un poco desaparecida, Kim Basinger pilló unos cuantos años donde metió la cabeza en las películas que reinaban en las carteleras: Nueve semanas y media. Atrapados sin salida o Una cita explosiva, hasta que comenzó a dejar ese lugar privilegiado a partir de Cool World.
Pero justo en su momento de más esplendor, en 1988, apareció en esta comedia junto a Dan Aykroyd, sin duda que con intención de repetir en la comedia después de la que protagonizó junto a Bruce Willis, y deshacerse de su imagen de mujer fatal.


Aykroyd ejerce aquí de un científico muy en la línea del que ya interpretó en Los cazafantasmas, pero aquí, en lugar de buscar vida en el más allá, la busca en otras galaxias. Intentando mandar una señal a otro planeta y por un cúmulo de circunstancias (lluvia, unos botones metálicos en el lugar menos indicado, o sea, esas cosas que solamente pensábamos que pasaban en las pelis de Kurt Russell en Disney) hace que la señal llegué a otra galaxia, pero con tal mala fortuna que, por cuestiones que nunca explican en la película, pone en peligro un planeta habitado. Los seres que viven allí mandan a Basinger para que Aykroyd vuelva a mandar otra señal, que será la única manera de evitar la destrucción del planeta.


El embolao fue dirigido por Richard Benjamin, actor ocasional (La pareja chiflada, Desmontando a Harry) que a como director se ha especializado en comedietas amables (Esta casa es una ruina, Air America), aunque de vez en cuando se ha marcado algún thriller (Espías sin identidad) y tuvo aquel fracaso de Ciudad muy caliente con los colosos Reynolds and Eastwood.

Es muy curioso que la idea del film ya circulaba por Hollywood a principios de los 80, pero que en sus inicios fuese más orientada al cine de terror con una perversa madrastra alienígena.


La película combina efectos y trucajes más que correctos (toda la parte de la nave espacial) con otros bastante abominables (¡esos cromas!). Y luego hay que darle de comer a parte el bolso parlante, que es para darle a comer aparte, una suerte de muppet que nunca me ha quedado claro si es que se quisieron reír del personal o es que no les quedaba ni un céntimo para hacerlo.

En cuanto al reparto poco que destacar aparte de Aykroyd y Basinger, el debut en el cine de Juliette Lewis. Pero el rey de la función y que termina comiéndose todos los planos donde aparece es John Lovitz, un actor buenísimo que no ha recibido la cancha que merece. Sin duda su personaje es el más cachondo y divertido de la función, un hermano calavera que se dedica a ir de ligón a lo Travolta pero que en realidad es un hortera de cuidado. No me extrañaría que estuviese inspirado en el Larry Laffer.

La película, filmada en los estudios de la Fox, donde se construyeron la nave de Kim Basinger o una enorme antena satélite, acabó siendo un batacazo en la taquilla americana, donde apenas recaudó la mitad de los 20 millones que costó.

En Spain la distribuidora fue un poco más lista y no la estrenó hasta julio del 89, basicamente para aprovecharse del estreno americano de Batman en donde también teníamos a Basinger luciendo palmito.

Mi novia es una extraterrestre ha perdido muchísimo con el tiempo. De ser una comedia más o menos simpaticona ha terminado oliendo a rancio dos décadas después, con gracietas que algunos reirán y a otros les parecerá de vergüenza ajena. Pero es general de eso se trata el síndrome Aykroyd, un humor tan suyo que solamente lo entiende él.

Festival de trailers (CLXXXII)

Posesión infernal (The Evil Dead, 1981) de Sam Raimi. Con Bruce Campbell, Ellen Sandweiss, Betsy Baker, Richard DeManincor, Theresa Tilly y Scott Spiegel.

Las pesadillas de Freddy (reddy's Nightmares: A Nightmare on Elm Street: The Series, 1988) Varios. Con Robert Englund, Sandahl Bergman, Tony Dow, Amy Lyndon, Jim Landis, Hili Park y Todd Allen.

Sabes que estás sola (He Knows You're Alone, 1980) de Scott Parker. Con Don Scardino, Caitlin O'Heaney, Elizabeth Kemp, Tom Hanks, Tom Rolfing, James Rebhorn, Lewis Arlt, Patsy Pease y Dana Barron.

Braindead. Tu madre se ha comido a mi perro (Braindead, 1992) de Peter Jackson. Con Timothy Balme, Diana Peñalver, Fran Walsh, Elizabeth Moody, Ian Watkin, Stuart Devenie, Brenda Kendall y Peter Jackson.

Golpe en la pequeña China (Big Trouble in Little China , 1986) de John Carpenter. Con Kurt Russell, Kim Cattrall, Dennis Dun, Kate Burton, Victor Wong, James Hong, Donald Li, Carter Wong y Suzee Pai.

Bonus track

Cobra. El brazo fuerte de la ley

A mediados de los 80 Stallone era uno de los blancos fáciles para la crítica. Sí bien con su salto a la primera división con el éxito de Rocky (por la cual, no lo olvidemos, tuvo una nominación a los Oscar como guionista y otra como actor en los Globos de oro) se ganó cierto crédito como "artista" más allá de ser un amasijo de músculos, cosa que, más o menos aguantó con F.I.S.T. Símbolo de fuerza pero ya con La cocina del infierno, su debut como director, o Rhinestone el castillo de naipes empezó a desmoronarse. Al menos le quedaba el favor del público, el cual seguía yendo a ver sus películas en masa pese a ir sorteando algún que otro traspiés como Los halcones de la noche (más por expectativas que por los resultados reales), pero Rocky y John Rambo siempre estaban ahí para parir una nueva secuela y mantenerlo en la primera línea del starsystem.

Por el camino se le cruzó Paula Gosling y los primos Menahem Golan y Yoram Globus.
La primera es la autora de Fair game (que si no voy errado aquí nunca se ha editado), que acabó siendo adaptada por el propio Stallone dando vida a Cobra (una década después el libro volvería a tener otra adaptación, Caza legal con William Baldwin y Cindy Crawford) y el dúo israelí empezaría a darle cheques en blanco al actor en su intento por llevar a la Cannon al nivel de las majors hollywoodienses.

Para dirigirla se fichó a George P. Cosmatos, que acababa de hacer lo propio con Rambo. Acorralado Parte II. Aunque se dice que ahí el que cortaba el bacalao era el propio Sly, cosa que no sería ningún disparate pues, años después, Cosmatos aterrizaría, por sugerencia de Stallone, en el set de Tombstone. La leyenda de Wyatt Earp cuando Kevin Jarre (curiosamente guionista de Rambo II) fue despedido, aunque quien en realidad tomaba las decisiones era Kurt Russell.

Para el reparto Sly adjudicó a su pareja de la época, Brigitte Nielsen, como la socorrida dama en apuros; además de contar con Reni Santoni, que alguno lo recordará como el Poppie de Seinfeld, aquel tipo que no se lavaba las manos después de miccionar; Art LaFleur, secundario mítico en mogollón de productos y subproductos; David Rasche, que ese mismo año protagonizaría la serie Sledge Hammer; y Brian Thomson, una especie de Chuache en versión fea que podría haber tenido mejor carrera pero se quedó como malo (con esa cara no podía hacer de bueno ni de broma) en Noche de miedo 2 o Doctor Mordrid y de ahí a serie B.

Cobra podría resumirse como la historia de un poli que debe proteger a una testigo. Simple y directo. Pero Sly lo que hace es hacer su propia Ruta sucida mezclada con Harry el sucio (justamente en el cast encontramos alguna cara que ya apareció en la película de Don Siegel) cuando el cine de justicieros ya estaba de capa caída (no hay más que ver las entregas de El justiciero de la ciudad de mediados de los 80, virando cada vez más a una autoparodia involuntaria). Además de salpicarlo todo con detallitos muy suyos, que si bien le funcionaron en Rocky aquí se le veía el plumero. Ya fuese el añadir diálogos intrascendentes para la trama (Cobra tiene cierta obsesión para que su compañero deje de tomar demasiada azúcar y se tire por una dieta más sana) o colarnos escenas puramente videocliperas (Tony Scott style) con canción AOR de fondo. Además no se corta un pelo y mete alguna que otra idea loca, como ese coche clásico que esconde un botón para activar el modo turbo (!!!) mientras nos va telegrafiando con antelación lo que nos iremos encontrando.

La película empieza muy fuerte, con la famosa escena del supermercado (con diferencia lo mejor del film), lo que hace que luego pierda gas hasta que a mitad de película abandonan la ciudad y la cosa se empequeñece demasiado en un pueblecito más propio de El equipo A.

Vista en la actualidad, Cobra es el claro ejemplo de todos los tics más parodiados de las películas del poli de turno que tiene que traspasar la ley para finiquitar a los malos. Los tiene todos: policía expeditivo al que todo el mundo cuestiona sus métodos, lleva un arma y/o coche chanante, vive solo y se alimenta de sobras (pese a estar bien mazado), no se le conoce familia pero acaba haciendo buenas migas con la chavala de turno, tiene un compañero al que le suelen dar matarile (en este caso le dan lo suyo pero sobrevive)... sólo falta el contrapicado mientras grita venganza y tiene en sus brazos algún cadáver. Es por todo ello que si nos la tomamos a coña puede funcionar, pero a diferencia de, por ejemplo, Comando, que sí se le intuye cierto tono autoparódico dada su exageración, la película de Sly huele a leguas que todo está hecho en serio, muy en serio. 

Festival de trailers (CLXV)

Vanilla sky (Vanilla sky, 2001) de Cameron Crowe. Con Tom Cruise, Penélope Cruz, Kurt Russell, Cameron Díaz, Jason Lee, Noah Taylor y Ken Leung.

Algunos hombres buenos (A Few Good Men, 1992) de Rob Reiner. Con Tom Cruise, Demi Moore, Jack Nicholson, Kevin Pollak, Kevin Bacon, Kiefer Sutherland, J.T. Walsh, James Marshall y Cuba Gooding Jr..

El color del dinero (The Color of Money, 1986) de Martin Scorsese. Con Paul Newman, Tom Cruise, Mary Elizabeth Mastrantonio, John Turturro, Helen Shaver, Forest Whitaker e Iggy Pop.

Días de trueno (Days of Thunder, 1990) de Tony Scott. Con Tom Cruise, Nicole Kidman, Robert Duvall, Randy Quaid, Michael Rooker, Fred Dalton Thompson, Don Simpson y John C. Reilly.

Cocktail (Cocktail, 1988) de Roger Donaldson. Con Tom Cruise, Elisabeth Shue, Bryan Brown, Lisa Banes, Kelly Lynch, Gina Gershon, Laurence Luckinbill y Ron Dean.

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