Sonámbulos

Sónambulos es de esas películas que tienen a Stephen King detrás de la historia y que siempre he tenido en la recámara pero nunca acababa de dar el paso a visionarla. Más que nada por la mala fama que arrastra. Aunque visto de otro modo, ¿no le pasa eso al 90% de las adapataciones de King?

Finalmente le di la oportunidad y tengo que reconocer que tiene bastantes bondades y me hizo pasar un ratillo entretenido. ¿Quizá iba con las expectativas tan bajas que cualquier cosa me habría parecido salvable? Podría ser.

El amigo Mick Garris ya se había pasado por estos lares. Y no es para menos, pues, junto a Frank Darabont, debe ser el que más adaptaciones de Stephen King ha dirigido. Pero más allá de eso no seré yo el que alabe sus cualidades fílmicas. En general tiene pocas cosas salvables: Critters 2 es pasables sin más, la mini serie de El resplandor es un horror en el peor de los sentidos, Quicksilver Highway es bazofia, Psicósis IV que igual la veo algún día... y el resto es para darle de comer aparte. Es por eso que me sigue asombrando que lo tengan en esos altares del terror junto nombres que sí han demostrados su buen hacer, y que posiblemente su mejor virtud sea la de ser un tipo que sabe camelarse al personal como ya vimos cuando se marcó aquel Masters of horror. No por casualidad la productora que se montó a principios de los 80 para amparar sus making of de La cosa o Los Goonies se llama With Nice Guy Productions. Al menos el tío lo tiene claro desde que empezó.

Sonámbulos es el primer guión cinematográfico que escribió King sin ser una adaptación de sus novelas/relatos. Al menos el primero que se realizó, ya que a finales de los 70 escribió The Shotgunners y Sam Peckinpah se interesó por él, pero pocos años después el director moriría y el proyecto quedaría en el limbo.

Volviendo a Sonámbulos, contaba el propio King que la historia le vino a la cabeza a partir de una experiencia de su hijo Joe Hill. Siendo adolescente se quedó prendado de una chavalilla que trabajaba en el cine del pueblo, pero estaba angustiado por si recibía un rechazo. Eso fue el punto de partida para una historia que fue urdiendo King sobre si uno de los pretendientes de la chica no fuese el tipo perfecto que aparentaba.

Paramount se haría con los derechos del guión y contrató a Rupert Wainwright para que la dirigiese. El tipo, que era un habitual en la dirección de los videclips de MC Hammer y solamente había dirigido el telefilm Dillinger con Mark Harmon y Sherilyn Fenn, no acabó entendiéndose con King y salió del proyecto. Hay que apuntar que luego dirigió un Disney como Cheque en blanco y tuvo su incursión en el terror con Stigmata y el horripilante Terror en la niebla, remake milenial de la que tu ya sabes. Finalmente la silla de directo recayó en Garris cuando fue propuesto por el propio King después de ver Psicósis IV. 

 

El film sería una producción tirando a modesta con un presupuesto de 15 millones de dólares y contando con una pareja de protagonistas más o menos reconocibles en la época: Brian Krause, que acababa de protagonizar el fracaso de Regreso al lago azul junto a Milla Jovovich; y Mädchen Amick, que estaba on fire por ser una de las protagonistas de Twin Peaks. Además teníamos a Alice Krige, la Morgana de El aprendiz de brujo; Glenn Shadix, el Otho de Bitelchús; y Ron Perlman, Hellboy. Además un montón de cameos: Mark Hamill, Joe Dante, Tobe Hooper, John Landis, Clive Barker y el propio Stephen King.  

 

Un chico llamado Charles Brady y su madre se mudan a un pueblecito de esos idílicos. Allí Charles conoce a una compañera de clase de la que se enamora. Lo que ella no sabe es que Charles es un sonámbulo, seres felinos que transmutan en diferentes formas y se alimentan de la fuerza vital de las vírgenes. Su único punto débil son los gatos, que pueden ver su verdadero aspecto.

 

Sonámbulos tiene algo muy bueno y es que va por faena. No se comen mucho la cabeza en presentar personajes ni su historia. Si a eso le añadimos que si le quitamos los títulos de crédito iniciales y finales apenas llega a los 80 minutos, nos queda un producto de rápido consumo que nunca llega hacernos mirar el reloj. Quizá el ir tan a barraca le pase factura porque podríamos decir que hay detalles de importancia en la trama que no s eexplica, como todo el origen de esos seres felinos o sus intenciones, que te las has de suponer. Aun y así, prefiero esto a que se alargue hasta la extenuación. También habría que ver si parte del material que se tuvo que cortar para que no fuese clasificada como exclusivamente para mayores de 17 años, se llevó parte de esa trama.

Uno de los platos fuertos serían sus maquillajes y efectos. Los primeros están más que correctos aunque tampoco matn demasiado el diseño del aspecto real de los sonámbulos. Por contra tenemos algún efecto digital que básicamente eran los tan de moda en la época morphing, que a día de hoy han perdido cualquier tipo de espectacularidad y son espantosos.

En definitiva, Sonámbulos es como muchas de las adaptaciones de King en los 90, películas que no son las genialidades que se marcaron De Palma o Cronenberg una década antes pero que se quedan en algo entretenido sin demasiadas más pretensiones. Que ya es mucho.

Festival de trailers (CXLXVI)

New Police Story (Xin jing cha gu shi, 2004) de Benny Chan. Con Jackie Chan, Nicholas Tse, Mak Bau, Kenny Wong, Winnie Leung, Eric Kwok, Deep Ng, Ken Lo y Tony Ho.

Naked weapon. Arma desnuda (Chek law dak gung, 2002) de Ching Siu-Tung. Con Maggie Q, Anya, Jewel Lee, Daniel Wu, Almen Wong, Marit Thoresen, Karine Kwok y Renee Nichole Rommeswinkel.

Nacer para morir (Cradle 2 The Grave, 2003) de Andrzej Bartkowiak. Con Jet Li, DMX, Anthony Anderson, Kelly Hu, Mark Dacascos, Gabrielle Union, Paige Hurd y Tom Arnold.

Fulltime Killer (Chuen jik sat sau, 2001) de Johnnie To y Wai Ka-Fai. Con Andy Lau, Teddy Lin, Takashi Sorimachi, Cherrie Ying, Simon Yam, Kelly Lin, Lam Suet y Rocky Lai.

El monje (Bulletproof Monk, 2003) de Paul Hunter. Con Chow Yun-Fat, Seann William Scott, Jaime King, Karel Roden, Victoria Smurfit, Marcus Jean Pirae, Roger Yuan, Mako y K.C. Collins.

Bonus track:

La gran huida

Que la serie B o Z se sirviese de carteles llamativos para vendernos la moto era algo habitual, ya fuese en aquel grindhouse norteamericano o, ya en los 80, las carátulas de videoclub. Pero que lo hiciera una con un reparto de primer nivel era raro. 

Porque cuando ves el cartel de La gran huida, firmado por el mismísimo Drew Struzan, la que te viene a la cabeza es que te vas a encontrar con un film de aventuras más en la línea de Indiana Jones, a lo que hay que señalar una traducción del título nada acertada. Quizá por eso en su pasó al videoclub nos llegó con un engendro de carátula diferente (aunque si ves la del DVD de Manga Films se te caen los cojones al suelo).

Un joven con poder psíquicos es reclutado por una empresa que ha construido un sistema para introducirse fisicamente en los sueños de las personas. Paralelamente el presidente de los EEUU tiene constantes pesadillas con una guerra nuclear, lo que hará que se ponga en manos de esta empresa para que le ayuden.

 

Si por algo destaca La gran huida es por un reparto muy apañado. Como protagonista absoluto un Dennis Quaid que venía de Tiburón 3 y todo indicaba que se acabaría convirtiendo en una super estrella en Hollywood, pero cuando ya estaba sacando la cabeza en el firmamento se las vio con El chip prodigioso que no funcionó lo bien que se le esperaba y fue perdiendo pistonada. Quaid está flanquado de Max Von Sydow, Christopher Plummer, David Patrick Kelly (el malo de The Warriors), George Wendt (el vecino fisgón de House), Eddie Albert (el abuelo cascarrabias de La montaña embrujada), Chris Mulkey (uno de los villanos de Twin Peaks) y Kate Capshaw (la mujer de Spielberg y que ese mismo año sería la pareja femenina de Harrisson Ford en Indiana Jones y el templo maldito).

En la dirección Joseph Ruben, que luego se especializaría en thrillers como El padrastro, Durmiendo con su enemigo o El buen hijo. Ruben también estaría detrás de un guión que firmaría junto a David Loughery (Star Trek V, Asalto al tren del dinero) y Chuck Russell que, además de ser productor, 3 años después dirigiría Pesadilla en Elm street 3, saga que se iniciaría el mismo año que La gran huida, con la que compartía todo el tema de meterse en los sueños.
Y apuntar que Roger Zelazny escribió el primer tratamiento basado en su novela El señor de los sueños, pero no aparece acreditado.

Se supone que el plato fuerte de la película son sus efectos especiales. Supervisados por Craig Reardon, que había estado en Poltergeist, En los límites de la realidad o en Los Goonies diseñando a Slooth, se han quedado exageradamente anticuados. Es cierto que hay un montón de técnicas diferentes (cromas, stop motion, maquetas, maquillajes, animatronics, rotoscopia...) pero se le nota que había demasiadas pretensiones para el presupuesto que manejaban.

La gran huida acaba siendo una mezcla de terror, thriller político y tecnológico, ciencia ficción... incluso tiene un momento de comedia con el tipo que tiene miedo que su mujer le ponga la cornamenta. Quizá por ello no supieron muy bien cómo venderla y el público no supo como tomársela. Aunque, ojo, que los paralelismos con la muy posterior Origen de Nolan son notables y llamativos.
Tampoco es de ayuda ciertos agujeros como el que apenas se profundiza en la máquina que es parte fundamental para entrar en los sueños o porqué el personaje protagonista no usa sus "poderes" para intuir por donde van a salir los malos.
Finalmente sería considerada un fracaso, pese a ser un film de producción independiente (aunque la distribución corrió a cargo de la Fox), que apenas contó con 6 millones de dólares en su presupuesto. ¿Su recaudación? 12 millones en suelo yankie.

Sin ser un castigo, su visionado es hasta cierto punto aguantable. Y si aguantamos veremos recompensada nuestra paciencia con los últimos 10 minutos en donde veremos un festival de efectos en su climax final. Vale que esos cromas cantosos son un poco risibles (por no hablar de su acartonado stop motion) pero la idea de un escenario totalmente post-nuclear con un tren lleno de zombies mola y mucho (aunque más en su concepto que en la ejecución).
Si después de casi 40 años sigue sin ser un título con demasiado culto por algo será.

Las series de Super Mario

Con la llegada del Super Mario Bros 3 a la consola de 8 bits de Nintendo hubo un antes y un después para el fontanero. Aquel juego vendió lo que no estaba escrito y en su momento muchos lo consideraron el mejor videojuego de la historia, lo que hizo que el mundo surgido del cabezón de Miyamoto pasara a otro nivel. El nivel en el que ya no solo es conocido por los aficionados a los videojuegos, si no para la gran masa. Mario ya no solo se conformaba a poner su cara en los 8 bits, también tenía sus cereales, relojes, camisetas, gorras... cualquier cosa era buena para ser parte de su merchandising. Y si unos años después Hollywood le dedicó una película, años atrás tuvo una fuerte presencia en televisión.

Todos recordamos Super Mario Bros. El Super Show!, su primera serie emitida por las tardes en Antena 3 con escenas de actores de carne y hueso. Momentos puramente de sitcom ochentera pero con cierto aspecto sordido y que parecía Manolo y Benito entre pizzas y tuberías. Mario era interpretado por ex luchador de wrestling Lou Albano y Luigi por Danny Wells, que lo más destacado que hizo fue aparecer de forma más o menos recurrente en la serie Los Jefferson. Quizá lo único salvable era las apariciones estelares de gente tan diversa como Elvira, Roddy Piper "El Gaitero" o Cyndi Lauper.

 
Un año después, en 1990, vendría una nueva serie basada en el videojuego Super Mario Bros 3. Ahora sí, dejando de lado los actores reales y centrándose en la animación, que cada vez empeoraba su calidad. Formada por 26 capítulos se quedó en una única tmeporada que aquí emitió Telecinco durante las mañanas de los fines de semana.

Pero como la tecnología avanza a velocidad del hiper espacio, la Nes dejó paso a la flamante Super Nintendo, el cerebro de la bestia, que traería bajo el brazo la nueva aventura del bigotudo fontanero: Super Mario World. Y efectivamente, en 1991 nos llegaría una serie basada en ese juego. Esta vez quedándose en apenas 13 episodios. Al final todas estas series eran cosas muy tontorronas, con cambios o gazapos de la mitología del universo Mario que les (y nos) importaba bien poco. 

 

Además de irse emitiendo en canales infantiles, a finales de los 90-principios de los 2000 alguna de esas compañías turbias, se dedicó a editarlas en VHS con unas carátulas tan creepy como la que puedes ver más arriba. Encima mezclaban los episodios, y en la misma cinta te ponían uno de la serie del Super Mario 3 y el siguiente del Super Mario World. Pero aun y así, esto es bueno porque así podemos recuperar un capítulo de cada una.

Festival de trailers (CXLXV)

COP. Con la ley o sin ella (Cop, 1988) de James B. Harris. Con James Woods, Lesley Ann Warren, Charles Durning, Charles Haid, Raymond J. Barry, Steven Lambert y Randi Brooks.

Al final del edén (Another Day in Paradise, 1998) de Larry Clark. Con James Woods, Melanie Griffith, Vincent Kartheiser, Natasha Gregson Wagner, Paul Hipp y Brent Briscoe.

Casino (Casino, 1995) de Martin Scorsese. Con Robert De Niro, Sharon Stone, Joe Pesci, James Woods, Don Rickles, Alan King y Kevin Pollak.

Casi una familia (Immediate Family, 1989) de Jonathan Kaplan. Con Glenn Close, James Woods, Mary Stuart Masterson, Kevin Dillon, Linda Darlow y Jane Greer. 

Vampiros (Vampires, 1998) de John Carpenter. Con James Woods, Daniel Baldwin, Sheryl Lee, Thomas Ian Griffith y Maximilian Schell.

Planet terror

Si alguien tenía y podía rescatar las sesiones dobles de cine Z ese era Tarantino. Amigo de hacer pases en su mansión de pelis trash y de ir metiendo trailers entre sesión y sesión (todo ellos en celuloide, of course), se tuvo que liar con su colega Robert Rodriguez para sacar adelante el proyecto de Grindhouse. Cada uno rodaría una película y antes de cada una se proyectarían falsos trailers rodados para la ocasión que estaban dirigidos por sus amiguetes. Rob Zombie firmaría Werewolf Women of the S.S. con un pasadísmo Nicolas Cage; Edgar Wright haría lo propio con Don't, donde contaba con sus habituales Frost y Pegg; Machete del propio Rodriguez, que tuvo tan buena aceptación que acabó convirtiéndose en película con secuela incluida; y Thanksgiving de Eli Roth, un slasher que posiblemente fue el que más gustó a los fans. Paralelamente, Rodriguez montó un concurso de trailers en el festival South by Southwest que ganó Hobo with a Shotgun, que sería incluido en las proyecciones de Grindhouse en Canadá y también tuvo su película, protagonizada por todo un Rutger Hauer.

Después que Tarantino sacara pecho porque juraba y perjuraba que Grindhouse se proyectaría como un solo film por aquello que le dividieron Kill Bill en dos películas pese a su negativa, la película se estrenó en los USA y se metió un buen castañazo. Una recaudación de 25 millones dejaba en bragas los casi 70 que costó, así que los Westein se pasaron por el forro las palabras de Tarantino y decidieron que en el resto del mundo se proyectarían las dos películas en sus versiones extendidas y por separado, además de dejar fuera a los falsos trailers (sólo se proyectó el de Machete en Planet terror).

 

Así que en aquel ya lejano agosto de 2007 me fui al pase de Planet terror en los cines Icaria (Death proof, la que firmaría Tarantino, llegaría 4 semanas después) a ver qué se cocía.
¿De qué va el asunto? Algo así como un grupo de militares han sido puteados por el gobierno ya que se han visto infectados por una toxina, con lo que deciden comprarla en el mercado negro para liberarla entre la población civil y obligar al gobierno que busque una cura. Accidentalmente, la noche del 15 de abril, se libera la sustancia en un pueblecito con lo que su población empieza a infectarse. Por ahí nos toparemos con varios personajes que se veran enmedio de esa pandemia.

 

Planet terror es el ya clásico ejercicio (aunque en su momento podría conseiderarse de novedoso, al menos en el cine mainstream) de acumulación de clichés en películas setenteras y ochenteras de serie B y Z lo que ahora se diría "de modernos". Todo llevado a la exageración, con gore a lo bruto, amputacines, chorretones de sangre, carne burbujeante y piernas amputadas con un fusil injertado. También hay detalles como el que falten fragmentos por aquello de las bobinas perdidas y, sobre todo, mucho efecto de celuloide roído. Además de rodar con película defectuosa para conseguirlo, Rodriguez le metió mucho efecto en postproducción. Demasiado. Tanto que en muchos cines tenían que poner un cartelito en la entrada indicando que la calidad de la imagen era intencionado.Sí, aquí somos asín.
Hoy en día te haces esos efectos en cualquier app de tu móvil, pero no hay que olvidar que en aquel 2007 los teléfonos todavía se limitaban a llamadas y mensajes de texto. Como mucho jugabas a la serpiente, al Space impact y al Batumi del Nokia 3310.

 

Y como suele ser habitual en estos dos, aquello parecía una reunión de amigotes: Rose McGowan (que al final nunca protagonizó el Red Sonja de Rodriguez), Josh Brolin, Freddy Rodríguez, Michael Biehn, Jeff Fahey (que en aquellas tuvo cierto resurgimiento con Perdidos), Naveen Andrews (otro que venía de Lost), Michael Parks (que repetía su personaje de Abierto hasta el amanecer y Kill Bill), Carlos Gallardo (prota de El Mariachi), Tom Savini y breves apariciones de Bruce Willis y un fondón Tarantino. Los efectos corrieron a cargo de la KNB.

 

Si comparamos Planet terror con Death proof la primera gana por goleada en diversión. La de Tarantino era un constante paliqueo que la hacía soporífera, pero en su defensa hay que apuntar que era más fiel al espíritu de aquel tipo de cine, donde todo se alargaba y apenas había alguna escena llamativa mientras tus neuronas se iban suicidando. Su película mostraba (poca) acción real, la del especialista de toda la vida, la de un cine totalmente artesanal, mientras que Rodriguez parecía que bebía más del mundo de comic macarra con todas esas explosiones y monstruos. No hay que olvidar que aquel auténtico grindhouse era ese cine tramposo en el que su cartel nos prometía grandes momentos y su parecido con el film era pura coincidencia. Más o menos lo que pasaba en los videoclubs en los 80.

Festival de trailers (CXLXIV)

El caballo del traje gris (The Horse in the Gray Flannel Suit, 1968) de Norman Tokar. Con Dean Jones, Diane Baker, Lloyd Bochner, Fred Clark, Ellen Janov, Morey Ámsterdam y Kurt Russell.

Natty Gann (The Journey of Natty Gann, 1985) de Jeremy Kagan. Con Meredith Salenger, John Cusack, Jed, Ray Wise y Lainie Kazan.

El show de los Teleñecos (The Muppet Show, 1976) de Jim Henson. Animación.

3 pequeños ninjas (3 Ninjas, 1992) de Jon Turteltaub. Con Victor Wong, Michael Treanor, Max Elliot Slade, Chad Power, Rand Kingsley, Alan McRae y Margarita Franco.

Y tú creías que tus padres eran raros (And You Thought Your Parents Were Weird, 1991) de Tony Cookson. Con Joshua John Miller, Edan Gross, Marcia Strassman, John Quade, Sam Behrens, Alan Thicke, Susan Gibney, A.J. Langer, Gustav Vintas, Eric Walker y Bill Smillie.

Sangre de héroes

Sangre de héroes es de esas cintas que nunca alquilé en el videoclub. Básicamente por la carátula, que al igual que a veces te vendían la moto y te comías un buen boniato, otras veces hacían el efecto contrario. Si sumamos un título totalmente aséptico (molaba más el original australiano, The Salute of the Jugger) con la imagen de los protas en plan guerrilleros ya me venía a la cabeza un dramón ambientado en Vietnam me quitaba las ganas de dedicarle 90 minutos y 100 pesetillas. Si a eso le sumamos que Rutger Hauer ya había iniciado su retirada de las grandes producciones hollywoodienses (Blade Runner, Lady Halcon) en dirección de las siempre agradecida serie B para videoclub (Se busca vivo o muerto, Furia ciega), la ganas de verla no es que mejoraran mucho, la verdad.

En un futuro indeterminado (aunque en la carátula indique el año 2200) la civilización se ha ido al garete y, básicamente, se ha dividido entre los que viven en la superfície, que son los que malviven en puebluchos y cultivando lo poco que la tierra les deja; y los que viven bajo tierra, que serían la clase burguesa de la sociedad. Lo único que les une es un deporte salvaje parecido al fútbol americano, que consiste en dos equipos que han de poner el cráneo de un perro en la meta del rival mientras intentan evitar, con ayuda de la fuerza bruta, cadenas y armas, que el contrario anote. Cada pueblo tiene un equipo que suelen recibir la visita de equipos nómadas que les retan. Todos ellos viven con la aspiración de conseguir entrar en la liga que tienen los habitantes que viven bajo tierra, donde son tratados casi como la clase alta.

Sangre de héroes es una coproducción entre Australia y USA, lo que la convierte en la alumna aventajada de las secuelas de Mad Max. Sus primeros 45 minutos, donde nos dejan claro como vive la sociedad en la superfície y nos ponen en antecedentes, es puro cine postapocalíptico con parajes desérticos y polvorientos. Una primera mitad es algo monótona porque su acción se limita a los partidos de ese deporte en una época que el montaje no permitía demasiadas florituras y todo es desierto, desierto y más desierto. Por fortuna, cuando ya nos pensamos que no vamos a ver nada más, la historia de nuestros protagonistas nos lleva a la ciudad subterránea y la cosa cambia, pareciéndose más al inicio de Mad Max III. Ya con un diseño de producción muy interesante, que casi parece como si hubieran cogido el vestuario y algunos decorados del Dune de Lynch y les hubieran metido rayos gamma y los hubieran dejado al Sol unos cuantos siglos. Sin duda esta cuestión estética es la mejor parte, porque a nivel argumental la cosa es simplista y va por el camino de la previsibilidad. Esto es: grupo de zarrapastroso que irán pasando pruebas hasta conseguir vérselas con el equipo de primer nivel al que -¡oh, sorpresa!- superarán. Y no podemos olvidarnos del personaje (Hauer) que tuvo un pasado mejor cuando formó parte de la elite y fue lanzado a los infiernos por un lío de faldas y ahora busca redimirse.

Visto así no estamos ante una película que innove en nada, pero los ingredientes están lo suficientemente bien combinados como para que se deje ver y hasta nos sorpenda con el diseño del mundo subterráneo.

Delante de la cámara tenemos a un Rutger Hauer, en pleno descuido de su figura, como prota, acompañado de Joan Chen (que, además de interpretar a Jocelyn Packard en Twin Peaks, volvería a trabajar con el holandés en Peligrosamente unidos, Yacimiento lunar y Tonight at Noon), Delroy Lindo (el policía de 60 segundos de Nicolas Cage), un jovencito Vincent D'Onofrio, Hugh Keays-Byrne (el malo de la primera y cuarta entrega de Mad Max) y Anna Katarina (la tipa del caniche de Batman Vuelve).

En la dirección David Webb Peoples, que aquí ejerció su única incursión como director, pero que como guionista tiene una carrera envidiable: Blade Runner (la última reescritura), Lady halcón (haciendo añadidos de última hora sin acreditar), Sin perdón (que el tito Clint se tiró más de 15 años para hacerla desde que adquirió el guión), Soldier (que antes que lo produjera la Warner con Kurt Russell, lo compró David Geffen para que lo protagonizara Wesley Snipes) o 12 monos. A finales de los 80 escribió una adaptación del cómic Sargento Rock para Joel Silver con Schwarzenegger como prota, pero nunca se llegó a materializar.

 

Sangre de héroes llegó en un mal momento para el subgénero postapocalíptico, los italianos lo habían quemado con tropecientas subproducciones. El último intento hollywoddiense databa de 3 años antes, 1986, con Guerreros del Sol que fue un estrepitoso fracaso, dejándoles claro que ya no había donde rascar, con lo que el film de Webb tuvo una vida en cines limitada. Aquí, como era de esperar, nos llegó directamente a VHS. Pero la gracia es que existen 2 montajes: el original australiano, que es el largo; y el americano más corto y que los títulos de crédito empiezan aparecer cuando todavía estamos en el desenlace. Una locura. ¿Cuál nos llegó aquí? Efectivamente, el chiflado que se marcaron los yankies.

Pero si hay algo a lo que es imposible ganar a los alemanes es en el campo de lo sordido. Estos quedaron enamorados del deporte que aparece en la película y se montaron sus ligas de Jugger que fueron abriéndose paso en diferentes países. Sí, aquí también hay una federación del susodicho. Es que lo sórdido mola. 

Festival de trailers (CXLXIII)

Una terapia peligrosa (Analyze This, 1999) de Harold Ramis. Con Robert De Niro, Billy Crystal, Lisa Kudrow, Chazz Palminteri y Joe Viterelli.

Atrapado en el tiempo (Groundhog Day, 1993) de Harold Ramis. Con Bill Murray, Andie MacDowell, Chris Elliott, Stephen Tobolowsky, Angela Paton y Brian Doyle-Murray.

Un papá genial (Big Daddy, 1999) de Dennis Dugan. Con Adam Sandler, Joey Lauren Adams, Jon Stewart, Rob Schneider, Steve Buscemi, Cole Sprouse, Dylan Sprouse y Kristy Swanson.

Cowboys de ciudad (City Slickers, 1991) de Ron Underwood. Con Billy Crystal, Daniel Stern, Jack Palance, Bruno Kirby, Patricia Wettig, Helen Slater, Tracey Walter, Jeffrey Tambor y Jake Gyllenhaal. 

Dino Rex (Theodore Rex, 1995) de Jonathan R. Betuel. Con Whoopi Goldberg, Armin Mueller-Stahl, Carol Kane, Pons Maar, Bruce Lanoil, Richard Rountree, Jack Riley y Juliet Landau. 

La machine

El prestigioso neurólogo Marc Lacroix ha concluido la construcción de una máquina que le permitirá meterse en el cerebro de las personas y para hacer la primera prueba nadie mejor que un psicópata que tienen recluido. Pero el experimento no sale como Lacroix pensaba y su mente queda atrapada en el cuerpo del asesino y viceversa. Para su desgracia la máquina la ha construido en secreto y solamente su amante conoce su existencia, con lo que todo el mundo lo verá como el psicópata y nadie le creerá.

Muy posiblemente te haya venido a la cabeza Cara a cara de John Woo y no vas nada desencaminado. Las coincidencias van más allá del intercambio de personalidades y el que nadiea su alrededro sepa lo que ha pasado. Aquí también tenemos al malo dándole candela a la mujer del médico e interactuando con el hijo. En su día se dijo que Hollywood había comprado los derechos para hacer una versión, con lo que no sería de extrañar que alguien tomara apuntes para el guión que acabaría protagonizando Travolta y Cage. Y más en una época en la que Gerad Depardieu (protagonista absoluto del film que nos ocupa) lo petaba en los USA gracias al éxito (y nominación a mejor actor en los Oscar) de Cyrano de Bergerac, 1942. La conquista del paraíso o el remake disneynianonano Mi padre ¡qué ligue! del que ya había protagonizado el original Mi padre, mi héroe. 

 

La machine, que está basada en la novela La máquina de René Belletto (aquí editada por Mondadori en 1991 y después por Alfaguara, que, para aprovechar el estreno de la película, le colocó el póster cinematográfico en la cubierta -¿Soy yo o Depardieu se parece en la imagen a David Warner?-), empieza con cierto tono interesante, con esa máquina que nos traerá a la cabeza La mosca versión Cronenberg, pero rápidamente caerá en el thriller más convencional de persecución entre el grato y el ratón. Con esa fotografía tan horrenda que salpicaba a todas las producciones europeas de los 90, entraremos en un producto pensado para el lucimiento de un Depardieu en su momento álgido, pues en cierto modo, interpreta a 3 personajes diferentes y es extraño no verlo en pantalla durante los 90 minutos de metraje. 

El director, François Dupeyron, no parece demasiado interesado en el aspecto puramente fantástico y le importa bien poco ahondar en la máquina cambia-cerebros. Como tampoco le importa dar mayor explicación a los agujeros del guión (¿por qué Lacroix no puede revertir el experimento nada más concluir, por qué nadie sabe de la existencia de la máquina o cómo puede llevar al psicópata de la institución donde está confinado hasta su laboratorio secreto sin que nadie repare en ello?). 

 

Dupeyron venía de un debut en el largo a finales de los 80 bastante exitoso en su país con Drôle d'endroit pour une rencontre (donde ya coincidió con Depardieu), pero Un coeur qui bat, su siguiente film, fue un fracaso. La machine, que sería el primero de sus films que tendría distribución por aquí, parecía una decisión más segura por aquello de tener a Depardieu como protagonista y una temática bastante llamativa. Aun y así pasó sin pena ni gloria en su estreno. Después volvió a sus queridos dramones y ya en el nuevo milenio volvería a catar el sabor del éxito de crítica y publico con una para jubilados y pensionistas como El señor Ibrahim y las flores del Corán. 

 

Como curiosidad de cine "fantástico" (muy entrecomillado) europeo, en una época que el género era casi anecdótico en Europa, La machine tiene un tiento, pero más allá de eso... tremendamente decepcionante. En cambio, en cuanto coge la vertiente del thriller se queda en algo tan aséptico y de telefilm que ni ofende.