Mejor solo que mal acompañado

Clasicazo de los 80 de la mano del rey de las comedias adolescentes ochenteras: John Hughes, director, productor y/o guionista de obras maestras como Las locas peripecias de un señor mamá, El club de los cinco, Solos con nuestro tío y un sin fin de títulos más

El argumento no tiene ningún secreto, una buddy movie pura y dura: Steve Martin, el clásico yuppie ochentero seriote, tiene que ir a Chicago para pasar el Día de Acción de Gracias con su familia, pero por el camino conoce a John Candy, un excéntrico vendedor de arandelas de cortina de ducha. Como es lógico (porque si no, no habría película) el viaje no será simplemente coger un avión, ya que un fuerte temporal les obliga a parar a mitad de camino y usar cualquier medio de transporte para volver a casa.


La película fue un exitazo la mar de merecido (costó 15 millones de dólares y recaudó más de 150) y no me extraña, porque es divertidísima y tiene un ritmo endiablado. Todos los que la hemos visto tenemos grabado a fuego momentos como el de Steve Martin lavándose la cara con los calcetines sucios y secándose con los calzoncillos de Candy, el coche antes de ser calcinado pasando entre dos camiones o la escena justamente anterior donde Candy hace un playback maravilloso de la canción que suena por la radio. Podría seguir así hasta la infinidad pero es mejor verlo que leerlo.

Mejor solo que mal acompañado es una película con un engranaje perfecto donde funciona hasta ese final de lacrimosidad fácil (tannnn yanki) pero totalmente válido y que lo clava. El propio Steve Martin dice que de las películas en las que ha participado esta es su favorita.


Hay un cameo bastante divertido de Kevin Bacon al principio del film. Esto era un autoguiño de Hughes, ya que al mismo tiempo que Mejor solo que mal acompañado estaba rodando La loca aventura del matrimonio protagonizada por Bacon y con un mini cameo de Michael Keaton.

Y como es habitual en la actualidad, hace poco hemos tenido su remake. ¿Que no os suena? Sí hombre, una tal Salidos de cuentas, con un tal Robert Downey Jr. Un remake inconfeso que sigue de pe a pa todo el guión de Hughes.


Escrita por Hugues en 3 días (al menos la primera versión del guión) basándose en una experiencia personal, llegó a usar el doble de celuloide en comparación con la mayoría de pelis. Se dice que hay material para una versión de 3 horas o más. Para muestra un botón: en el trailer aparecen varias escenas que no vimos en la edición final.
Y si alguien piensa revisarla que se espera al final de los créditos finales, que hay sorpresita.

Antes decía Mejor solo que mal acompañado, del que prefiero su título original (Planes, Trains and Automobiles) fue un exitazo, pues curiosamente en este bendito país pasó con más pena que gloria. Sin ir más lejos un bodrio como Loca academia de policía 5 recaudó 7 veces más que la película de Hugues. Espanya va bien.

El extravagante doctor Dolittle

El personaje del doctor John Dolittle pertenece a una serie de libros infantiles escritos por Hugh Lofting en los años 20. La serie tuvo tanto éxito que acabaron siendo doce los libros protagonizados por el personaje. El último editado en 1952.

Dado el éxito de la saga era más o menos normal que Hollywood se fijara en ella y la convirtiera en celuloide. De todas formas hay que apuntar que anteriormente los personajes creados por Lofting ya habían traspasado las páginas impresas: en un corto animado de Lotte Reiniger (especialista en cuentos infantiles animados con siluetas) en 1928 y seriales radiofónicos en los años 30.


Como decía, Dolittle tenía que acabar apareciendo en cines y fue gracias al productor Arthur P. Jacobs, que en un principio tenía una agencia de actores y de la mano de Marilyn Monroe se metió en el cine cuando esta iba a protagonizar Ella y sus maridos, producida por Jacobs. Pero Monroe murió y el papel protagonista acabó en manos de Shirley MacLaine.
Arthur P. Jacobs siguió produciendo películas y en sus manos cayó el proyecto de este Doctor Dolittle.

Como la Fox había tenido un gran éxito con Sonrisas y lágrimas vieron claro que el film se tenía que hacer en formato musical y para que compusiera la banda sonora se contrató a Leslie Bricusse, un letrista inglés que había compuesto canciones para Sammy Davis, Jr., Frank Sinatra o Shirley Bassey, entre otros/as; y que acababa de tener un gran éxito en Broadway con Stop the World – I Want to Get Off. Años después colaboraría en el score de Un mundo de fantasía.

Y aunque estuvieron tentados de coger algún director especialista en musicales se contrató a uno con experiencia en efectos y trucajes varios como Richard Fleischer, que venía de dirigir 20.000 leguas de viaje submarino, Los vikingos y Viaje alucinante.

Para el papel de Dolittle se contrató a Rex Harrison (que en mitad de la preparación del film se fue, siendo sustituido por Christopher Plummer pero después volvió) y por ahí también encontraríamos gente como Richard Attenborough, Samantha Eggar o Anthony Newley.


Aparte de las idas y venidas de Harrison los problemas de la producción fueron varios con los animales: patos que se ahogaban en el estanque, malos olores y multitud de moscas, ardillas que se comían los decorados y varias lluvias torrenciales que paraban el rodaje.
Quebraderos de cabeza que no hicieron otra cosa que triplicar el presupuesto, en un principio presupuestado en 6 millones de dólares que acabó costando 18. Hay que mencionar que por ejemplo ese mismo año Bonnie and Clyde costó 2,5 millones, El graduado 3 o Casino Royale 12.
A todo eso hay que añadir una gran campaña de promoción de la peli con infinidad de merchandising.


Yo, que soy amigos de los musicales (y cuanto más bizarros mejor), puedo decir sin sonrojarme que este El extravagante doctor Dolittle es un bodrio de tomo y lomo y que su único interés es más por el desastre que supuso para la Fox que por sus logros artísticos.

La película es un auténtico desastre y aburrida, muy aburrida. Y es que su argumento no da para esas casi 3 horas que dura (y eso que recortaron un par de canciones en la edición final). Porque durante su primera hora lo único que vemos es a Dolittle interactuar con los animales y poco más. Luego, no me enteré muy bien porqué, le da el antojo de ir a buscar un animal místico, un caracol rosa gigante que vive bajo el mar. A partir de ahí parece que es cuando empieza la historia y nos da la sensación que el film coge unos tintes aventureros cuando los protagonistas van a parar a una isla flotante habitada por unos indígenas la mar de cultos. Resumiendo, mala y aburrida a rabiar.
Ah! Y que nadie se espere un musical como en los de la época, porque aquí no hay números musicales, y es que Rex Harrison tiene menos movilidad que el Gazpacho de los Fruittis.

Los efectos especiales (recordemos, ganadores del Oscar) son muy miserables con esa llama de dos cabeza que se nota que es un disfraz o el caracol gigante o la polilla también gigante del final de la peli.
Una cosa que me ha hecho gracia es que al ser una peli más o menos larga hacen un parón a mitad de película, incluso ponen un cartelito en pantalla. Muy freak todo ello.


Curiosamente el fracaso de El extravagante doctor Dolittle (recaudó solamente 9 millones de dólares y la crítica la vapuleó) hizo peligrar la siguiente producción de Jacobs: El planeta de los simios. Y tanto influyó que la Fox, que se encontraba en una situación económica muy delicada, le obligó a rodarla con un presupuesto muy justito, (menos de 6 millones de dólares) además de aprovechar un lago que habían construido para la película de Dolittle.

Uno de los aspectos más oscuros de la peli es como la Fox se dedicó a untar a los miembros de la academia, consiguiendo ser nominada en 9 apartados (entre ellos mejor película), ganando el de la mejor canción y mejores efectos visuales. No hace falta decir el revuelo que causó este hecho, y hoy en día eso de dar regalos y cositas varias a los miembros está absolutamente prohibido.


Como es sabido a mediados de los 90 Eddie Murphy volvió a resucitar al personaje en cines (sin su componente musical) con una saga de películas tan infantiles como ridículas.

Batman Returns (Expanded archival collection)

Nada más estrenarse el primer Batman, la Warner corrió a pedirle a Burton una secuela, los millones amasados en un par de meses habían animado a los productores a convertir al hombre murciélago en franquicia. Pero no pensaron que Burton había quedado tan quemado del rodaje que lo último en lo que quería meterse era en otra superproducción controlada por un gran estudio, así que se fue a la Fox a rodar Eduardo Manostijeras ya que la Warner no estaba muy de acuerdo en producírsela, basicamente para presionarle con un segundo Batman.

Una vez finalizado el rodaje de la película del chico con tijeras en lugar de manos, Burton aceptó hacerse cargo de la secuela del hombre murciélago, siempre y cuando la Warner le diera carta blanca para decidir en cualquier asunto de la peli.
Así que de un plumazo se cargó cualquier cosa que tuviera que ver con fichar algún artista mediático para que aportara canciones a la banda sonora. Con Elfman se bastaba.
Como aquí también necesitaba una canción para acompañar la escena del baile de máscaras Elfman (recordemos que fue el frontman de Oingo Boingo) escribió Face to face junto a Siouxsie & the Banshees para que estos la interpretaran.
En esa escena del baile también se puede oir brevemente el tema funky de principios de los 80 Super Freak.

En este nuevo doble CD, que contiene media hora de música inédita hasta la fecha, hay menos sorpresas que en el caso de la edición del primer Batman, pero no por ello está excento de ellas.
En el primer CD nos encontramos toda la banda sonora de la película. Y cuando digo toda, me refiero a TODA, ya que en el disco que apareció en el 92 faltaba una gran parte. Solamente hay que comparar que en aquel disco sus 21 cortes duraban 70 minutos y en esta nueva edición hay 25 cortes (21 en el primer CD y 4 en el segundo, ya que no en uno solo no caben todas) que sobrepasan los 90 minutos.
Aparte de eso en el segundo disco nos esperan 13 temas más, compuestos de versiones alternativas y alguna sorpresilla.
Y al igual que en la anterior entrega aquí también tenemos nuestros librito (con unas cuantas páginas más) repletos de información y fotos.

Batman (Expanded archival collection)

Al igual que hace casi dos años apareció aquella banda sonora alternativa de Flash Gordon, a finales del pasado 2010 de la mano de La-La Records aparecieron las versiones especiales de Batman y Batman Returns en unas ediciones limitadas a 5.ooo unidades la primera y 3.500 la segunda.



Cuando se puso en marcha la maquinaría para empezar la producción de Batman, Burton llamó a Danny Elfman para que le hiciera la banda sonora. Aparte necesitaban dos canciones para el film, una para la secuencia del desfile y otra para cuando el Joker entraba en el museo.
Pero los productores (Guber y Peters) tenían otra idea en la cabeza. Después que Elfman grabara el tema de los títulos de crédito dieron su aprobación definitva para que se hiciera cargo del soundtrack pero aparte quisieron fichar a Michael Jackson para que escribiera una canción de amor, a George Michael para que hiciera una para el personaje de Vicki Vale y a Prince para que hiciera lo mismo con una canción para el Joker.
Al final ni Jackson ni G. Michael trabajaron en el film, pero Prince se emocionó tanto en el proyecto que acabó haciendo un disco entero (lo que se llama álbum conceptual), cosa que acabó complicándole la vida a Burton, ya que se veía obligado a usar en el film cuantas más canciones mejor.
Al final el disco de Prince fue de los más vendidos aquel año. En cambio, el otro disco de la película, la banda sonora pura y dura de Elfman, fue alabado por la crítica y recibió algún que otro premio.
Aunque como contrapunto hay que decir que, como es habitual en el mundillo de las bandas sonoras, el disco no contenía íntegro el score de Elfman faltando varias partes.

En esta nueva versión nos encontramos con dos discos.
En el primero aparecen 30 pistas que forman la banda sonora que aparece en la película, incluyen varios cortes que no aparecían en el disco del 89. Algunos temas son los de la secuencia que B. Wayne observa desde la batcueva las cámaras que espían a los invitados de su fiesta o la escena que Batman se enfrenta al Joker en la catedral.

En el segundo disco encontramos los 21 cortes que forman el disco lanzado hace más de 20 años pero totalmente remasterizados. Y vaya si se nota esa remasterización (sus 18 meses de trabajo les costó) con un sonido más limpio y pulido a base de sacar los mejores cortes de todo el material de grabación que han conseguido rescatar.
Además nos obsequian con 8 bonus track la mar de golosos: algún corte que se descartó para la banda sonora final, versiones alternativas, el tema del anuncio del Joker o esa pequeña "broma" con la que nos obsequian al final de la última pista donde escuchamos a las orquesta jugando.
A todo eso hay que añadirle una magnífica presentación con un libreto de 18 páginas con una exhaustiva explicación a cada uno de los cortes.

El hobbit (1977)

Es curioso lo que uno se puede encontrar por 80 céntimos en uno de esos cajones gigantes repletos de caspas pixeladas.

A finales de 1977 se estrenaba directamente para la televisión americana este largo animado basado en el famoso libro de Tolkien, que próximamente tendrá su versión de carne y hueso seguramente de la mano de Peter Jackson.


Dirigido por Juless Bass (director de la archiconocida Mad monster party? inspiradora de Pesadilla antes de Navidad) y Arthur Rankin Jr., que habían estado detrás de aquella serie en stop motion llamada Las nuevas aventuras de Pinocho (que por aquí recuerdo que salió en vídeo en los 80), El vuelo de los dragones o Thundercats y Silverhawks (Los halcones galácticos).

Aunque los grandes capos de la producción eran yankis la animación fue realizada por el estudio japonés Topcraft, costando unos 3 millones de dólares.


Como todo el mundo sabe El hobbit es la antesala de la trilogía de El señor de los anillos y habla de las aventuras de un joven Bilbo Bolsón. De como es seleccionado por el mago Gandalf para formar parte de un grupo junto a 13 enanos que tienen como misión viajar hasta a Erebor y derrotar al dragón Smaug.

Yo no soy fan ni seguidor de la obra de Tolkien, pero como todo hijo de vecino me tragué las pelis de Jackson y me ha hecho gracia recordar algunos guiños que le hacía el neozelandés a El hobbit, como cuando Gandalf le recordaba a Bilbo lo del dragón o la aparición del diario de Bilbo llamado Historia de una Ida y de una Vuelta.


La calidad de la animación es más bien justita, con el movimiento de los personajes bastante acartonado. En cambio la paleta de color se me hace agradable. No así el diseño de los personajes, que no es que me parezcan malos pero sí muy poco apropiados para la ilustrar la historia de Tolkien, no hay más que ver a ese Gollum que parece más una rana que otra cosa, o el dragón Smaug que recuerda poderosamente a los que salían en El vuelo de los dragones. Las caras de los personajes son bastante grotescas, con tantas arrugas que parecen ciruelas secas. En cambio, en los personajes malos, como orcos y trasgos funciona muy bien esa estética horripilante, dando pie a los momentos más escabrosos de la película (no me extrañaría que los niños de la época tuvieran pesadillas).
Los elfos tampoco es que salgan muy bien parados, aquí aparecen con unas pintas mezcla de hippys y los niños perdidos del país de nunca jamás, o los trolls que me recuerdan a los bichos de Cristal oscuro.

Gollum versión setentera

Una de las cosas curiosas que me he encontrado en esta copia de dudosa procedencia es su banda sonora, totalmente diferente en su versión original a la española. ¿Por qué? No estoy seguro pero me apuesto lo que sea que la distribuidora (que también la caga en la contra de la caja con el año de producción) se encontraría con una copia en la que la banda sonora, los efectos sonoros y las voces estaban mezcladas en la misma pista, con lo que habrán tenido que hacer la chapuza de meterle lo que buenamente encontraron en el soundtrack y efectos de sonido.
Y no solamente se quedaron a gusto con esta cutrada, si no que además no acertaron ni una a la hora del doblaje, poniendo voces que no pegaban ni con cola a los personajes. No como en la versión original, en la que nos encontrábamos con gente de la talla de John Huston u Otto Preminger.

Un año después se estrenaría la versión de El señor de los anillos de Bakshi y en el 80 el tándem Bass/Rankin volverían a la carga lanzando El retorno del rey otra vez directamente para tv. Pero eso ya son otras historias.

Condorman

Recuerdo que cuando era pequeño una peli de superhéroes era lo máximo, entre otras cosas porque había pocas y la mayoría malas y/o cutres. Ahí están los telefilms de Spiderman y Hulk, o las cutradas en su máximo esplendor como Batwoman de Cardona o la innombrable de Piquer Simón. O sea, que a excepción de Superman y, si me apuras, Flash Gordon todo el género olía a mierda. Hasta que un día en la estantería del videoclub veías una de esos estuches blancos de la Disney con un cuadrado en medio donde salía una foto con el logo mega-superheroico-patriotico-dorado de Condorman y al personaje en cuestión con las alas extendidas en la azotea de algún edificio. "¡Madre de Dios! Esto tiene que ser la polla", debí pensar. Así que la alquilamos y comenzamos con unos títulos de crédito bastante chulos con la música de Mancini -la cosa promete- y ochenta y tantos minutos después, fin. Y es que la peli es una buena mierda, para no desentonar con el resto del género que se hacía en aquella época.


Creo que el principal fallo de Condorman es que nos la vendían como una peli de superhéroes, cuando no es nada de eso. Es simplemente una versión de James Bond pasado por el turmix de Disney donde un dibujante de cómics, obsesionado con probar todos los cachivaches que dibuja para darle verisimilitud a sus historietas, es requerido por un amigo agente de la CIA que le pide que entregue unos documentos secretos. El dibujante, que es bastante payasete, se acaba metiendo en un lío de espionaje internacional.

Y culpa de pensarnos que es una peli de superhéroes es el no respetar el título original de la novela en la que está basada, The game of X (aquí editada como El agente X en acción), escrita a mediados de los 60 por un experto de la ciencia ficción como Robert Sheckley, de sus libros o relatos han salido películas como La víctima número 10 o Freejack: sin identidad.
Curiosamente Sheckley acabó haciendo la novelización de Condorman.
Y aparte del libro aparecieron comics con las aventuras del protagonista, que a día de hoy están buscadísimos.

Las joyas de la corona de Disney

Como decía antes esto es una peli de James Bond en plan chistoso: los personajes que viajan por varios países, salen vehículos cuanto más extraños mejor, hay romance y supuestas escenas de efectos especiales. Escenas que son de auténtica abominación, donde se notan a leguas las pantallas azules o los cables que sujetan a Condorman, por no hablar de la escena que caen de un telesilla que se ven unos muñecos la mar de tristes.


Otro de los problemas de la película es su director, Charles Jarrot. ¿Había un director menos indicado para un producto de estas características? Rotundamente no.
Este inglés, que lo único que había hecho son episodios de series para televisión, no pegaba no con cola en una peli que tenía que ser de lo más movida y llena de momentos de acción. Además de ser demasiado mayor y pertenecer a una época en la que no se trabajaba con efectos y demás.

Y los actores tampoco eran de estar por casa: Michael Crawford que, no nos engañemos, está fatal repitiendo todos los tics de aquella serie que hizo, Ni ha que neixen estrellats (Some Mothers Do 'Ave 'Em), la guapa de Barbara Carrera, Oliver Reed, haciendo de malo, Dana Elcar (el jefe de MacGyver) y James Hampton (el padre de Michael J. Fox en Teen Wolf).

Como es habitual en estos casos la peli fue un fracaso de taquilla y bien merecido. ¿Hay algo peor que una peli de acción sin un mínimo de épica y emoción (por mucho que se empeñe Mancini con su banda sonora)?
Seguro que más de uno la recuerda con nostalgia (sobre todo su escena más recordada: la del Condormobil saliendo por debajo de una camioneta), pues mejor recordarla así y no sufrir su visionado.

Navigator, una odisea en el tiempo

Recuerdo que esta peli me llevaron a verla al cine Comedia, allá por primavera del 90 (aunque la película es del 88, esas cosas que tiene la distribución de films pequeños) y salí bastante emparanoiado porque a quien se le ocurre meter a un niño de 9/10 años a ver estas historias rocambolescas. Esas cosas que tienen los padres mal informados, que ven un niño en plan medieval y ya se piensan que es infantil.

Pero pese a que Navigator está ambientada en la mitad o más de su metraje en la época medieval muy poco tiene de ese género. Aquí ni hay brujas, dragones y seres fantásticos, espadas, magos, reyes, castillos ni nada de eso.


Sino que tenemos a un chavalín que en el siglo XIV vive en un poblado del norte de Inglaterra que vive asolado por la llegada de la peste. El chaval tiene sueños premonitorios y en uno de ellos sueña que un acto de fe les librará de la peste, con lo que acaban montando una expedición para colocar una cruz de bronce en la torre más alta de la cristiandad, que está en las antípodas. Con lo que la expedición comenzará a cavar un túnel en dirección al otro lado del planeta.
Y ahí entramos en la trama fantástica, ya que consiguen atravesar todo el globo y una vez en el otro lado aparecen en la Nueva Zelanda del siglo XX.


Yo creo que es una idea bastante generalizada, pero personalmente me resultan muy cansinas estas películas donde personajes de épocas anteriores aparecen en la actualidad con el inevitable choque de mentalidad. Cosa que además siempre acaba derivando en la comicidad, ahí están los Austin Powers, Los pasajeros del tiempo, Los visitantes no nacieron ayer... Vale, quizá sean ejemplos muy drásticos pero ya me entendéis.

Por suerte aquí no juegan excesivamente con ese elemento, juegan más con el apartado fotográfico. Toda la parte que acontece en el siglo XIV está rodada en blanco y negro, rompiendo con los colores azulados y anaranjados del presente, dando justificación a los inicios pictóricos de Vincent Ward, el director, y que recuerdan a los vitrales eclesiásticos.


Navigator tuvo bastante éxito, sobre todo a nivel de premios y crítica. Y ya se los pudieron dar porque la producción pasó por numerosa penalidades.
Tardaron 4 años en rodarla, después de los 2 primeros no tenían suficiente dinero para seguir y tuvieron que suspender la producción y destruyeron todos los decorados que tenían. Un año después consiguieron reiniciarla aunque no con todo el presupuesto que tenían pensado. Se habla que necesitaban como mínimo 20 millones de dólares para poder rodarla como querían y no llegaron a esas cifras ni por asomo.
Aparte de tener que rodarla en lo más alto de los Alpes neozelandeses, donde curiosamente, muy cerca de allí, también se estaba rodando Willow, que acabaron "robándoles" a muchos de sus técnicos ya que en la peli de Ron Howard pagaban mejor.



Después del relativo éxito del film, Vincent Ward fue fichado para dirigir Alien 3, pero lo que pasa en estos casos, las insuflas de artista chocaron con los productores y acabó saliendo de la producción.
A partir de ahí se dedicó hacer un par de dramas y un documental. Aunque por en medio tuvo tiempo de meterse de lleno en el corazón de Hollywood con Más allá de los sueños, un tostón protagonizado por Robin Williams y Cuba Gooding Jr. que fracasó en taquilla que sólo destacaba por la dirección artística y los efectos (no por nada acabó ganando los Oscar en esos apartados).

Incident at Loch Ness

Hace 6 0 7 años se anunció que Werner Herzog estaba filmando un documental sobre el monstruo del lago Ness. Pero no solo eso, si no que se anunció que habían pasado sucesos extraños y que había muerto gente durante el rodaje. Evidentemente la sorpresa fue generalizada, ¿Herzog, un director más cercano al arte y ensayo, metido en un proyecto que seguía la estela de El proyecto de la bruja de Blair?

El documental tiró hacia adelante, se estrenó y no pasó absolutamente nada. Y no me extraña, porque Incident at Loch Ness tiene bastante tela. Pero vayamos por partes.
La historia de este supuesto documental parece una muñeca rusa ya que es un falso documental dentro de otro falso documental.
John Bailey, director de fotografía de films como Atrapado en el tiempo o En la línea de fuego, se dedica a rodar un documental llamado Werner Herzog in Wonderland sobre la figura de Herzog, que precisamente en ese momento está a punto de iniciar el rodaje de un reportaje sobre el monstruo del lago Ness. Así que veremos como el director de Fitzcarraldo se mete en la piel del narrador/presentador de un documental.


Hasta ahí podríamos pensar que estamos ante un making of puro y duro, como en su momento lo fueron Lost in La Mancha o Full Tilt Boogie, pero no, ya que en ese momento entra el falso documental, ya que el productor, Zack Penn (auténtico director de este Incident at Loch Ness y guionista habitual del cine superheroico con X men 2 y 3) tiene planeado, sin decirle nada a Herzog, usar diferentes efectos para hacer creer que hay algo en el fondo del lago.

Para darle más verosimilitud al asunto meten por en medio gente con nombre y apellidos, profesionales reconocidos que hacen sus tareas técnicas en el falso documental: Gabriel Beristain (director de fotografía de Blade II o Los dueños de la calle) o Russell Williams II (técnico de sonido ganador de dos Oscar's por Tiempos de gloria y Bailando con lobos). Además hay un par de apariciones la mar de bizarras: Jeff Goldblum y Crispin Glover, que casi ni se le ve.


Pero ni por esas, ni poniendo ahí a la creme de la creme del star system le pueden dar un mínimo de credibilidad a este falso documental. Se nota muchísimo que todos están actuando. A los 15 minutos ya notas que algo va a mal (mucha discusión forzada sin venir a cuento) pero a los 20 minutos ya sabes que se están riendo del espectador en su cara. Evidentemente no falta el momento que el productor amenaza a Herzog con una pistola para que siga rodando al igual que éste hizo en su día con Kinski (véase foto inferior).
Y encima la música, madre del amor hermoso ¡que música! Parecen los descartes de Solo en casa. Tienen un tono de comedieta de los años 20 con cámara acelerada y pastelazos en la cara que tira al traste cualquier intento de causarnos un mínimo de incomodidad.
Al final de todo esto uno no puede dejar de pensar que Pauly Shore is dead era gloria bendita.


Viendo esta caquita prefiero quedarme con otro falso documental que también seguía la estela de El proyecto de la bruja de Blair, El experimento de Francesville del "gran" (léase las comillas) Ted Nicolaou, film mucho más pobre y precario pero mucho más divertido y con algún que otro momento que da canguelo.
Avisados quedan.

El retorno del dragón (The green hornet)

Ni me interesa este nuevo The Green Hornet que acaban de estrenar (¿la gente todavía pica viendo semejantes trailers?) y mucho menos cualquier cosa que vaya firmada por Gondry (no se me ocurre un director menos adecuado para un blockbuster de estas características), que su filmografía hasta el momento me parece bastante olvidable por decirlo de forma suave.

Peeero el serial de los 60's sí que me parecía que podía tener gracia (cuan equivocado estaba), que si el coche ese tan chulo, Bruce Lee, las máscaras, la entrada secreta... vamos, que ahí veía cositas interesantes.


Un año después de la muerte de Bruce Lee se estrenó en salas espanyolas dos presuntas películas de la serie The green hornet o más conocida aquí como El avispón verde que en el fondo simplemente eran un conjunto de episodios remontados uno detrás del otro. Ni siquiera se molestaron en unos títulos de crédito e incrustaron los de la serie, que tanto le deben gustar a Tarantino que fusiló la sintonía en Kill Bill.

La primera peli simplemente se llamaba El avispón verde, la segunda, estrenada (o remontada) dos años después fue este El retorno del dragón.

La peli tiene la gran cagada de ser tres episodios al uso, con lo que si uno no sabe nada del personaje, de su compinche Kato, del coche, etc., pues seguirá si enterarse de nada porque aquí van directos al grano en historietas de lo más ramplonas. Con una realización parca y ramplona, llena de interiores, planos medios y más estáticos que un carámbano.


Leído lo escrito ya vemos que nos encontramos con otro serial más de los 60's, que en su momento estaría muy bien pero en la actualidad está más pasado que las maracas de Machín.
Al final lo único salvable es el coche y ni siquiera se le saca mucho partido, algo así como en el serial del Batman de Adam West.

Comparación nada al azar, ya que ambas series se emitían en la misma cadena, ABC, tenían al mismo productor, usaban unas cortinillas de transición similares y además hicieron un crossover donde los dos protagonistas de la serie aquí comentada hacían una visita a la Gotham City televisiva.

Por lo demás Green Hornet eso otra de esas series que nos puede llamar la atención pero que cuando la revisionamos... ¡vendita nostalgia!

Clásicos Keaton: Caballero y asesino (The Merry Gentleman)

Debut de Michael Keaton en la silla del director (anteriormente ya había estado en labores de productor ejecutivo en La última noche y La última oportunidad), a la que fue a parar de forma casi rocambolesca, ya que en principio el film tenía que ser dirigido por Ron Lazzeretti, también autor del guión, pero un ataque de apendicitis le obligó a cederle el cargo al protagonista de los primeros Batman. Eso sí, aceptaba siempre y cuando él pudiera hacerse cargo de la elección de algunos participantes en la película. Entre sus elecciones estaba el director de fotografía Chris Seager, con el que ya había coincidido en White noise, y la protagonista Kelly Macdonald (No es un país para viejos).

Y aunque este es el debut de Keaton en un largo ya había estado dirigiendo un chorto a mediados de los 80 para el programa de su amigo David Letterman y un documental sobre el mundo del rodeo que, evidentemente, no tuvo ningún tipo de repercusión.


The Merry Gentleman narra la extraña amistad que surge entre un asesino a sueldo (Keaton) con tendencia suicida, que durante el día es costurero en una tienda de ropa, y una chica (Macdonald) que ha cambiado de ciudad escapando de su marido maltratador. Por en medio aparecerán la pareja de policías que investigan un asesinato de Keaton que tiene como testigo a la chica maltratada y la aparición del marido maltratador.


Aunque en un principio pueda dar la sensación que la película es de un estilo love que tira de espaldas nada más allá de la realidad, se podría catalogar más bien como drama crepuscular. La relación entre los dos protagonistas es de amistad, de dos personajes lacónicos (tan lacónicos que Keaton durante la primera media hora no pronuncia ni una sola palabra) que están solos en época navideña.

El film no es una obra maestra, ni mucho menos, pero se deja ver muy bien. Y si no fuera porque es muy rebuscado diría que es una especie de versión moderna de Jinete pálido, al menos tiene muchos puntos en común.
Sin caer en el cutrismo se le nota la modestia (poco presupuesto y apenas 4 semanas para rodarla), aunque no molesta ya que es un film de personajes que se centra básicamente en la pareja protagonista.
Un detalle que me ha hecho mucha gracia es la banda sonora, que tiene un estilo minimalista muy del estilo que estaba tan de moda en los 90 para este tipo de películas independientes.

Diferentes cartelicos de la peli

La película fue posible gracias a un grupo de cineastas independientes (que calificativo más ridículo, ¡por Dios!) de Chicago que pusieron los 6 millones que costó.
Y ya se sabe que en estos proyectos indies o independientes siempre hay problemas de distribución. En un principio Samuel Goldwyn Films se hizo con su distribución en USA que tenía previsto estrenarla en navidades de 2008 (previo pase por Sundance, donde obtuvo muy buenas acogida) pero sus problemas financieros retrasaron su estreno un año más tarde en circuito minoritario. En el resto del mundo ha salido directamente en DVD de forma muy minoritaria y por aquí ni está ni se le espera.
A todo esto hay que añadirle que Keaton acabó renegando del montaje definitivo, lo que propicio una guerra entre él y los productores que le acusaban de no haberla promocionado como es debido. La cosa acabó en los tribunales. Como tiene que ser.

Nota (octubre de 2012): Al final Versus a tenido a bien editarla en DVD por estos tristes lares.

Capitán América

Como ya comenté en su día, la Cannon, esa productora que vivió sus días de gloria en los 80, se había ido al traste por culpa de la pobre acogida que tuvieron sus producciones más ambiciosas: Lifeforce, Masters del universo y Supermán 4.
Uno de los hombres fuertes de la productora, Menahem Golan decidió dejarla y meterse de lleno con la 21 Century Film, que realmente ya existía desde principios de los 70 y que, aún produciendo algún film, se dedicaba a la distribución. Ella distribuyó en los USA bastantes películas italianas y chinas: El pájaro de las plumas de cristal, Los supergualdaspaldas o Manhattan baby, entre muchas otras.

Fue con la entrada de Golan que la 21 Century Film volvió a meterse de lleno en la producción, con algunos títulos, cuanto menos, llamativos: El fantasma de la ópera (versión Robert Englund), La noche de los muertos vivientes (el remake de Tom Savini) o Lambada, el baile prohibido (¿alguién se acuerda de esto?).

Y es en este preciso momento cuando entra el capitán América. La jugada de Menahem Golan era clara, repetir el éxito que había tenido el Batman de Tim Burton en el verano americano del 89. Capitán América tenía que tener un estreno por todo lo alto en verano del 90 aprovechando los 50 años del nacimiento del personaje del cómic.

Cartel del estreno en cines en el 79

Hay que decir que el personaje creado por Simon y Kirby ya había tenido su encarnación en el celuloide. La primera vez fue interpretado por Dick Purcell a mediados de los 40 en un serial de 15 episodios que apenas llegaban al cuarto de hora producidos por la Republic Pictures.
Tuvieron que pasar más de 30 años para que el capitán América volviera a la pantalla, concretamente en 1978, en un telefilm que la Universal produjo para la cadena CBS, que también se encargó de emitir las series de Spiderman y Hulk. Este telefilm fue dirigido por Rod Holcomb (especialista en telefilms y teleseries) y protagonizado por Red Brown (Strike Commando).
Un año después se rodó una segunda parte titulada Captain America II: Death Too Soon, que aquí se proyectó en cine bajo el título de Captain América. En la secuela repetía Red Brown como protagonista y como villano Christopher Lee hacía de un terrorista latino; y en la dirección estaba Ivan Nagy (otro habitual de telefilms y series).


Volvamos con la película de la 21 Century.
Lo que hizo Golan fue buscar la mayor cantidad de dinero posible asociándose con otras productoras: Marvel Enterprises, que la única experiencia que tenía eran aquellas series (des)animadas bochornosas de sus personajes en los 60, y Jadran Film, productora croata que en aquella época era una de las compañías más fuertes de Europa central especializada en coproduciones (varias de ellas ganadoras de Oscar).


Así lo que tenía que ser una producción de cierta envergadura (se hablaba de más de 10 millones de la época) acabó por no conseguir el dinero suficiente para ser la gran superproducción esperada y se acabó contando con un equipo de segunda fila.
En la dirección un clásico de la Cannon, Albert Pyun. Aunque en un principio Dolph Lundgren tenía todas las papeletas para interpretar al capitán América acabó declinando el papel ya que estaba rodando otra adaptación Marvel, The Punisher, para acabar interpretado por una especie de Herman Monster con flequillo, Matt Salinger, que quien lo iba a decir es el hijo de J. D. Salinger.
El malo de la función no podía ser otro que Cráneo Rojo, que acabó en manos de otro desconocido, Scott Paulin.
Y para el resto del reparto se podía encontrar alguna cara conocida: Francesca Neri, Ned Beatty (que apenas sale 15 minutos), Michael Nouri (Flashdance, The hidden) y Ronny Cox (el malo de Robocop y Desafío total).
Entre la falta de presupuesto, un reparto bastante desangelado y que la mayoría de la película se rodó en Yugoslavia nadie podía esperar nada bueno.
Por eso el gran estreno que tenía previsto en verano del 90 se fue post poniendo hasta que en verano del 92 apareció directamente en vídeo (aquí de la mano de la terrible Record Vision).


Capitán América realmente no es tan mala como pueda parecer. Este Capitán América sigue bastante fielmente la historia del cómic (salvando algunos cambios) y el traje de látex no está mal del todo (fue fabricado por la misma empresa que hicieron el traje del primer Batman de Michael Keaton) salvando las orejitas de plástico. Incluso los primeros minutos, cuando pasan en la base de Cráneo Rojo pintan bastante bien, no a un nivel de superproducción pero sí de telefilm de lujo (para la época). Pero esas buenas sensaciones se van desvaneciendo mientras pasa el metraje y vemos como los medios van disminuyendo, evidente caso de que el presupuesto se les agotó rápidamente.
O por tocar otro tema, la banda sonora. Terrible! De lo peor que he escuchado en una película por muy zetosa que fuera. Todo lleno de sintetizadores de videojuego rancio.

Bueeeno, es malilla, pero una vez sepamos lo que vamos a ver (una serie B) la película se deja visionar e incluso asistimos atónitos a escenas con un montaje muy trepidante con varios planos por segundo. Es en este punto cuando nos damos cuenta que algo ha pasado durante el montaje, porque es extraño ver escenas tan bien resueltas y otros fragmentos tan mal hechos donde no paran de verse los micros colgando por encima de los actores o sombras de grúas.
No es de extrañar que Steve Tolkin, el guionista, acusó a Golan de todo el desastre, ya que el primer montaje del film duraba cerca de 4 horas y el productor se encargó de la edición final dando tijeretazo a cualquier secuencia sin reparar que los cortes afectaban a la trama. Por ejemplo, nos quedamos sin ver una lucha en un circo romano entre el capitán América y unos gladiadores enviados por Cráneo Rojo, persecuciones acuáticas o la parte donde el protagonista intenta entender la mentalidad de los años 90.

Top 5 de las mejores muertes de Argento (y V)

Y por fin el número 1.
Terror en la ópera (1987). Con este film Argento comenzó su personal declive del que nunca salió. Realmente el film fue una venganza personal después de haber estado preparando para teatro una versión vampírica del Rigoletto de Verdi/Piave que los responsables del Sferisterio Teatro di Macerata le arrebataron en plena preparación para entregársela a otro director de cine italiano, Mauro Bolognini.

La prota es perseguida por el maloso de la película. Se esconde en el piso de Daria Nicolodi. No hay luz en el edificio. Alguien llama al timbre de la puerta. La Nicolodi mira por la mirilla para ver la "supuesta" placa de policía del que está al otro lado de la puerta y... ¡mamá, ya soy un hombre!