Diabolik

1968 es recordado como uno de los más prolíficos en cuanto a películas que marcaron un antes y un después en el género fantástico. 2001. Una odisea en el espacio, El planeta de los simios, La noche de los muertos vivientes... y ¡Diabolik!

Vale, ponerla como obra puramente fantástica quizá sea cogerlo con pìnzas, pero una película basada en un fumetti, con un protagonista enmascarado que pega princos por todos lados, que conduce un cochazo (un Jaguar E-Type de negro mortuorio), que utiliza multitud de gadgets, que tiene una guarida secreta bajo tierra y que luce un rubia de impresión a su lado ¿es o no fantástico?

Diabolik es un personaje basado en el comic italiano (llamado más propiamente fumetti, en el caso de Diabolik un fumetto nero) creado por las milanesas Angela y Lucciana Giussani a principios de los 60 fuertemente inspiradas por las novelas giallo y con unas gotas de Fantomas.

La publicación es todo un éxito. Y como todo éxito que se precie ha de tener sus imitadores: Kriminal, Infernal, Satanik, Demoniac... Algunos de ellos tuvieron adaptación a la gran pantalla pero de resultados demasiado pobres.

 
Tonino Cervi (tambien conocido como Antonio Cervi) productor, director y guionista que tenía como su obra cumbre el haber producido Bocaccio'70, piensa en la posibilidad de hacer la película basada en Diabolik y logra convencer al todo poderoso Dino De Laurentiis para que se la produzca.

El mismo Cervi se pusó tras la cámara y fichó a Jean Sorel (actor francés con varios giallo a sus espaldas: Una lagartija con piel de mujer, La corta noche de las muñecas de cristal...) como protagonista y a Elsa Martinelli (modelo reciclada a actriz) como Eva Kant. Después de unas cuantas sesiones de fotos para publicitar el proyecto (al más estilo Cannon) y una semana de rodaje De Laurentiis lo suspende al ver los copiones y comprobar que lo que se está filmando es de una calidad paupérrima.

Diabolik versión Tonino Cervi

El productor italiano decide que el proyecto necesita más presupuesto y se le ocurre hacer un paquete con la película junto a Barbarella, otra adaptación de cómic que estaba preparando para que Roger Vadim la dirigiera y Jane Fonda la protagonizara, y endosársela a la Paramount que acepta sin rechistar.

Contrata a Mario Bava como director, basicamente por su fama de sacar el máximo partido hasta el último céntimo, haciendo que todo luzca en pantalla al máximo, que, además, escribe el guión junto a tres guionistas más y la supervisión de las autoras originales. Como Diabolik eligen a John Philip Law, que también iba a interpretar un papel importante en Barbarella, el ángel ciego Pygar, y para su compañera Eva Kant aceptan la recomendación de R. Vadim y contratan a Catherine Deneuve. Michel Piccoli (un habitual de Buñuel) encarnaría al inspector Ginko, el rival de Diabolik, y Adolfo Celi (que estaba en un buen momento de popularidad después de haber sido el malo en Operación trueno. Este detalle tendrá importancia más adelante) se haría cargo del gangster Valmont.

Catherine Deneuve como Eva Kant

En un principio Barbarella era la película importante, la que con más medios y presupuesto iba a contar, y la que primero iba a rodarse pero un retraso en el sistema de proyección frontal que tenía que llegar desde Inglaterra obliga a retrasarla y se decide que Diabolik empiece a filmarse.

A la semana Bava y De Laurentiis llegan a la conclusión que Deneuve no es la indicada para el papel sustituyéndola por la austriaca Marisa Mell (que curiosamente un par de años después protagonizó Una historia perversa junto a los que tuvieron que ser el primer Diabolik y la primera Eva, Jean Sorel y Elsa Martinelli respetivamente) después de descartar a Marilù Tolo, con lo que tiene que volver a iniciar el rodaje desde cero.


A partir de ahí el rodaje fue como la seda, a excepción de los tira y afloja que siempre tuvieron Bava y De Laurentiis, ya que el primero era partidario de mantener la línea perversa y excesivamente adulta del fumetti original (seguramente este es su film con menos hemoglobina) y el segundo quería algo más light para venderlo con más facilidad internacionalmente.

Aún y estos problemas entre director y productor De Laurentiis quedó tan satisfecho del resultado final y, sobre todo, de que sólo se hubiesen gastado 400 mil dólares de los 3 millones que tenían de presupuesto que le ofreció a Bava rodar una secuela con el dinero sobrante. No hace falta decir que éste se negó.
 
En líneas generales podríamos decir que en el momento de su estreno el film pasó con más pena que gloria a excepción de Italia, claro, donde funcionó maravillosamente. Pero en el resto del mundo, donde el personaje era un totalmente desconocido, apenas causó ningún tipo de reacción. Eso por no contar las innumerables mutilaciones que sufrió, por ejemplo, en Inglaterra, que se estrenó bastante tiempo más tarde, lo hizo con 15 minutos cortados.

En los USA (titulada Danger: Diabolik) se le llegó acusar de querer aprovecharse del éxito de la serie de Tv de Batman, cosa que parece bastante poco probable que cuando se empezó a gestar el film de Bava la serie hubiera llegado a Italia.

También se dijo que bebía de la saga de James Bond, aunque la realidad es que años más tarde, en el regreso de Connery al personaje en Diamantes para la eternidad llegaron a copiar muchas cosas de Diabolik. Si acaso, y muy cogido por los pelos, podríamos ver ciertos paralelismos con los Fantomas franceses.

 
Pero como siempre pasa en estos casos el tiempo no hizo más que ayudarla a conseguir ese estatus de culto que tiene hoy, un film que se ha reivindicado hasta la saciedad. A eso ha ayudado, al menos en Italia, que su versión impresa sigue saliendo a la calle periódicamente y con un éxito brutal. No es extraño que en el nuevo milenio se hayan visto series de dibujos, un videojuego (bastante justito a mi entender), que un modelo de coche lleve su nombre (el Fiat 500 Diabolika) o que en su país de origen a las sudaderas con capucha se les conozca como Diabolik. Por no hablar del pedazo homenaje que se marcaron los Beastie Boys.

Que Diabolik sea hoy en día lo que es no es ninguna casualidad. Es un film que destila calidad por todos sus poros. La mano de Bava se nota y se agradece. Consiguió darle una estética tan irreal que parece que estemos ante un cómic. Sólo hay que ver ese prólogo con el escuadrón de motos de la policía y los agentes de incógnito con bolsas repletas de dinero que lucen un espléndido signo del dolar. Incluso su estructura narrativa (realmente nos encontramos con tres aventuras del personaje) que parece de un cómic con varias historias en su interior. O los psicodélicos títulos de crédito con el siempre convincente efecto de pinturas en movimiento que, curiosamente, años después, se repetiría en cierta forma en otra producción De Laurentiis, Flash Gordon.

Todas esas composiciones de plano a cada cual más rebuscado, sus imposibles secuencias rodadas en blue screen, sencillos pero efectivísimos trucajes repletos de fondos pintados y falsos recortes que puestos en el lugar indicado y previa orientación de los actores nos da la sensación de que estamos ante una producción de gran envergadura. Ahí están todas las secuencias que acontecen en el escondite de Diabolik, por poner un ejemplo.

 
Está claro que esa estética tan apabullante sólo era posible en su época, aunque todo está tan exagerado que no puede parecernos más que un kitsch molón. Todo, absolutamente todo, entra por los ojos de forma cegadora. Desde el sencillo, pero perfecto, traje de cuero negro de Diabolik (su máscara fue diseñada por el gran Carlo Rambaldi) y los modelitos de Marisa Mell, que no hacen más que acentuar todo el erotismo que destila toda la película.

Un gran detalle que viene a colación a la indumentaria de Diabolik, cuando lleva su traje negro sólo vemos sus ojos, pero cuando se disfraza para confundirse con el resto de personas y pasar desapercibido se le ve toda la cara salvo los ojos, que están ocultos tras unas gafas de sol. Un gran hallazgo visual mostrándonos el negativo y el positivo del personaje.

Su banda sonora, que fue pasto de un corto firmado con pseudónimo, no desentona para nada en la alta calidad del resto de apartados. Compuesta por el mismísimo Ennio Morricone, que no puede evitar el auto homenaje a sus trabajos en el spaghetti western.

Lamentablemente el soundtrack nunca se comercializó y con los años los masters originales se perdieron en un incendio, con lo que las versiones que circulan son las que se han sacado directamente de la película (la mayoría de la versión LaserDisc). Una auténtica lástima.

Definitivamente, Diabolik es una obra maestra.

El torreón

Durante la Segunda Guerra Mundial un pelotón nazi llega a un poblado de Romanía. Allí encuentran una fortaleza que usarán como campamento base. Pero rápidamente se darán cuenta que no es una fortaleza normal, sus pasillos están repletos de cruces y su construcción es a la inversa de lo normal, las paredes interiores están construidas con grandes piedras, mientras que las exteriores con pequeñas. No es una fortaleza hecha para protegerse de una amenaza exterior, todo lo contrario, está pensada para evitar que lo que habita en ella pueda salir.
Los soldados se instalarán en ella pese a las advertencias de la gente del lugar.


¿Sensación de déjà vu? Efectivamente, los parecidos con la película comentada días atrás, Beowulf, son más que evidentes. Aunque este El torreón, dirigida por Michael Mann en 1983, está basada en una novela de Francis Paul Wilson publicada en el 81 y convirtiéndose en un bestseller. Aunque el propio Mann, que su única razón para meterse en el cine fantástico era para romper con la línea "real" de su anterior film, Ladrón, se encargó de decir que su guión no era excesivamente respetuoso con la obra original.


Si antes comentaba las similitudes argumentales entre El torreón y Beowulf (que estaba basada en un antiguo poema anglosajón) hay un punto de similitud más: la banda sonora.

Mientras que en el film de Lambert era una música trallera, totalmente opuesta a lo que es una banda sonora tradicional (y más para una que podríamos catalogar como de espada y brujería aún siendo muy por los pelos) la de El torreón no se queda atrás con una música puramente electrónica.
Aunque claro, comparar ambas es cuanto menos injusto. La del film de Mann, aún siendo igualmente rompedora para el tipo de film que es y, sobre todo, en la época en la que está ambientada, es de una calidad infinitamente superior. Compuesta por Tangerine Dream, grupo alemán de música electrónica que desde finales de los 60 hasta fecha de hoy siguen lanzando discos. Y ya venían de trabajar con Mann en Ladrón un par de años antes y después siguieron haciendo música para cine en multitud de films (Carga maldita, por ejemplo).
Pese a que el grupo era muy conocido en la escena la banda sonora no apareció editada hasta finales de los 90, aunque de los 16 cortes solamente 3 aparecían en el film.


Uno de los aspectos fuertes de El torreón es su cuidado aspecto visual como ya es marca de la casa en su director. Toda la estética de la fortaleza, su interior lleno de niebla y sus juegos de luces puramente videocliperos contrastan con el batiburrillo de ideas que impregnan todo el metraje.
En un principio la película tenía que haber durado en torno de las 3 horas pero se acabó reduciendo en poco más de 90 minutos, más por cuestiones económicas y es que la Paramount dejó de inyectarle cash a la producción cuando llegó a los 6 millones de dólares. Luego la película pasó con más pena que gloria en la taquilla americana apenas recaudando la mitad de su presupuesto.


Siguiendo con el aspecto estético, Molasar, la criatura que habita en la fortaleza, fue diseñada por Enki Bilal (claramente inspirado en el golem de Paul Wegener) dibujante yugoslavo de comics muy ligado al formato cinematográfico, ya fuese realizando carteles, diseñando decorados o vestuario y dirigiendo películas. Quizá la más destacada sea Immortel (ad vitam) estrenada en el 2004 con bastante éxito en Francia; mezcla fallida de actores reales y animación 3D, una especie de El quinto elemento versión noir que se basaba en las dos primeras entregas de la trilogía de Nikopol que él mismo había dibujado y guionizado 20 años atrás.

El torreón es un film fallido, que quiere tocar muchos palos y va de aquí para allá sin mucho sentido (seguramente culpa de no haber tenido el dinero suficiente para haber rodado el guión original) que se aguanta por el fenomenal acabado visual, un reparto muy competente (Scott Glenn, Gabriel Byrne, Ian MacKellen, Jürgen Prochnow) y esa extraña (pero buena) banda sonora de Tangerine Dream.

Beowulf. La leyenda

Que la carrera de Christopher Lambert está más acabada que las maracas de Machín es algo que sabemos todos, pero, aunque no lo parezca, hubo un tiempo en que el tipo prometía y parecía que nos íbamos a encontrar un nuevo Belmondo pero a nivel internacional y con mirada estrábica.

Comenzó muy fuerte con Greystoke, Subway. En busca de Freddy y, sobre todo, Los inmortales. Luego intentó labrarse una carrera como actor serio y todo comenzó a descarrilar: El siciliano, Conspiración para matar a un cura y hasta se atrevió con la comedia en A mi que me registren.
Como veía que la cosa no acababa de funcionar empalmó proyectos más comerciales: la innecesaria Los inmortales II. El desafio, Jaque al asesino (una rémora de El silencio de los corderos que él mismo producía) y Fortaleza infernal (que es hasta salvable).
A partir de ahí se pasa a películas de acción que tiene su objetivo la explotación en videoclub y que con suerte se estrenan en cines: Gunmen, Sin escrúpulos, Los inmortales III. El hechicero, Presa de la secta y la archiconocida Mortal Kombat.



No voy a seguir repasando lo que vino después porque no vale la pena pero resumiendo, que Lambert finalmente ha terminado en una especie de action-actor de películas de serie B, muy lejos de jugar en la primera división (Stallone/Schwarzenegger) o, incluso de la segunda (Van Damme/Seagal -al menos hasta los 90-) y tiene que convivir en la tercera más zetosa junto a Dudikoff o el Seagal del nuevo milenio (especializado a sacar uno o dos telefilms al año de supuesta acción).

Nos trasladamos a verano del 99 ¿y qué nos encontramos? Christopher Lambert por partida doble.
Por un lado la película buena (cojámoslo con pinzas, please) Resurrección. Su reencuentro con Mulcahy no era más que un explotation de Seven, con todos los clichés habidos y por haber, donde Lambert producía y escribía el argumento. Pese a todos sus peros el film se podía ver y disfrutar si uno no era excesivamente exigente.
Y luego teníamos la mala, Beowulf, que en los USA se estrenó directamente en vídeo, basada muy libremente en un poema épico anglosajón.


Nos encontrábamos a Lambert, que vaga por un mundo totalmente anacrónico, hasta que se topa con un castillo donde cada noche sus habitantes comienzan a morir a manos de una extraña criatura que vive en las catacumbas. No hace falta decir que Beowulf, el personaje de Lambert, se introducirá en él para dar caza a la bestia.

Muchas cosas negativas se han dicho del film, que si la peor película del año, una de las peores de la historia... Hombre, la película buena no es, ahora bien, en un segundo visionado (cuando ya sabemos lo que nos vamos a encontrar) la cosa cambia y es un producto mucho más disfrutable y, sin lugar a dudas, más divertido.


Si no, no se puede entender esa escena al principio del metraje (que es toda una declaración de intenciones) donde un grupo de hombres, que a cada cual lleva unas vestimentas más estrafalarias, están a punto de degollar a una mujer con una navaja de afeitar gigante.

Esos atuendo que comentaba tienen una estética que sólo eran capaces de conseguir los sucedáneos italianos de Mad Max y 1997: Rescate en N.Y., al igual que parte de la estética del castillo que tiene unas chimeneas industriales que no paran de bramar fuego.

Más cosas malas: nos encontramos una peleas que en estética parece que quieran parecerse a las de Pacto de lobos si no fuese porque el film de Christophe Gans se estrenó dos años después. Peleas donde no hacemos más que ver a Lambert, perdón, al doble de Christopher Lambert dando volteretas por el aire mientras no paramos de ver los arneses que lo sujetan.Pero sin duda hay dos puntos que siempre aparecen en las críticas de la película: los efectos digitales y la música. Los efectos son, sin temor a exagerar, tercermundistas. Cuando aparece el monstruo lo vemos difuminado, es decir, que le han metido un filtro para distorsionarlo, seguramente porque se darían cuenta que el disfraz les quedó excesivamente ridículo. Pero eso sólo es detalle minúsculo cuando vemos el último combate del film, no se puede explicar con palabras, aunque la imagen de abajo puede darnos una pista.


Y la música, ¿qué decir de la música? Pues que ya puestos en hacer una escabechina no se les ocurrió otra cosa que poner música maquinera en una película de "cierto" aspecto medieval. Música electrónica pero de un gusto terrible, ni mi viejo Spectrum 128K era capaz de crear semejantes ruidos al cargar los juegos.

Curiosamente muchas de las personas que participaron en Beowulf están relacionados con la saga de Mortal Kombat, la película, sus secuelas o los telefilms: ya fuese los responsables de la banda sonora, varios de sus productores, los de efectos digitales y, por supuesto, su protagonista.

En cuanto a los actores pues todos muy mal, empezando por Lambert y su imposible rubio oxigenado o el alemán Götz Otto, que vivía ciertos días de gloria después de aparecer en El mañana nunca muere y que el que vea cine espanyol le pueda sonar de varias películas de Trueba: La niña de tus ojos y El embrujo de Shanghai.

Si acaso destaquemos a un par de féminas (más por cuestiones físicas que no actorales) que no paran de lucir palmito durante todo el metraje. Rhona Mitra, que venía de ser la Lara Croft publicitaria, y su escote vertiginoso y Layla Roberts, modelo del canal Playboy, que directamente se pasea totalmente desnuda en la mayoría de sus escenas o, como mucho, lleva algún vestidito transparente que no deja nada para la imaginación.


El director de todo estos desvaríos varios es Graham Baker, que venía de dirigir videoclips y en terreno cinematográfico El final de Damien, Alien Nation y que después de este Beowulf (¡oh, sorpresa!) nunca más ha vuelto a ponerse detrás de las cámaras.

Lo sé, después de todo esto puede parecer que la película es un gran bodrio, y sí, lo es, pero no hay que dejarse engañar, porque es un bodrio muy divertido y disfrutable. Una exageración en mayúsculas en cada uno de sus planos y secuencias, donde siempre sabemos lo que ocurrirá y que antes que Lambert abra la boca para soltar sus intentos de imposibles frases lapidarias sabemos lo que dirá. Sin duda, la película favorita del señor que va dentro del disfraz de Godzilla en la películas de Ishiro Honda.

Cosas que hay que saber en chino (según Douglas Coupland) [3]

Cirugía estética

Televisión

Aburrimiento

Clásicos Keaton: Out of sight (Un romance muy peligroso)

Sí, lo sé, para hablar del personaje que interpreta Keaton, Ray Nicolette, sería más justo hacerlo de Jackie Brown, pero la película de Soderbergh es más apropiada y tiene más chicha y, entre otras cosas consigue llegar hasta donde Tarantino no pudo (o supo).

Hablar de Out of sight significa hacerlo obligatoriamente de Elmore Leonard, autor del libro en el que se basa el film. Y aunque parezca que la relación de su obra con el cine sea más o menos reciente, desde finales de los 90 con las películas de Tarantino y Soderbergh o Como conquistar Hollywood, lo venía haciendo desde décadas atrás. Los primeros trabajos de Leonard eran novelas baratas del oeste y esas fueron las que dieron el pistoletazo de salida en los 60: Hombre (con Paul Newman), Que viene Valdez (con Burt Lancaster) o Mr. Majestyk (con Charles Bronson). A parte de películas que se basaban en su obra impresa tambien participó en varios guiones: El tren de las 3.10 (con Glenn Ford), Joe Kidd (con Clint Eastwood) o Los crímenes del rosario (con Donald Sutherland).


El autor del guión de Out of sight es Scott Frank, que ya venía de firmar el de Como conquistar Hollywood, que, aún siendo bastante respetuoso con el libro, puso varios añadidos como el segundo final.

A Soderbergh le gustó mucho el libreto y se fue a la gente de Jersey Films (que entre otros está detrás Danny DeVito) para que la produjeran. Hay que recordar que esta productora ya había estado involucrada en Pulp Fiction o la mentada Como conquistar Hollywood.

Uno de los detalles del primer guión es que estaba contado de forma cronológica, y Frank y Soderbergh se dieron cuenta que el personaje de Jennifer Lopez, Karen Cisco, no aparecía en pantalla hasta pasada la primera media hora. Así que Frank decidió desordenar la línea cronológica y usar el recurso de los flashbacks. Cosa que a más de uno le desorienta durante el visionado del film.


El film gira absolutamente entorno a la pareja formada por George Clooney y Jennifer Lopez (es más, toda ella se vendió con un rollo erotiquillo de tensión sexual). El primero es Jack Foley, un experimentado ladrón de bancos (todos ellos robados sin usar un sólo arma, todo a base de mucho paliqueo) que acaba con sus huesos en la trena. No tardará en fugarse gracias a la ayuda de su compinche Buddy (Ving Rhames). Pero durante la fuga se encuentran a la agente judicial Karen Cisco (Jennifer Lopez) con lo que los dos criminales se verán obligados a secuestrarla y, con la intención de sortear los controles de carretera, la esconderán en el maletero junto a Foley. Es durante ese trayecto en el maletero que el ladrón y la agente se comenzar a sentirse atraídos.
 

Para la película acabaron contando con reparto de calidad al igual que extenso: Ving Rhames (que, al igual que pasó con el personaje de Pam Grier en Jackie Brown, en la novela era blanco), Don Cheadle, Catherine Keener, Dennis Farina, Albert Brooks y Luis Guzmán.

Es curioso la cantidad de oportunidades le llegaron a Clooney dar en sus inicios. Pasaremos por alto la películas menores que hizo a finales de los 80 y principios de los 90. Después de saltar a la fama con la serie Urgencias el siguiente paso era, evidentemente, el cine. Hizo Abierto hasta el amanecer que, aunque ahora todo el mundo la conoce, en su estreno pasó totalmente desapercibida en USA, siendo, incluso, considerada un pseudo fracaso, sobre todo por estar Tarantino metido en el ajo. Un día inolvidable y El pacificador pasaron con más pena que gloria, apenas llegando a los 40 millones. Y de Batman y Robin no hace falta comentar el descalabro económico que le supuso a la Warner, por no hablar del aluvión de malas críticas que se llevó.
Aún y así por hacer Out of sight se llevó la friolera de 10 millones de dólares. Por suerte, la película funcionó medianamente bien ingresando casi 80 millones en todo el mundo sobre un presupuesto de 50. Aunque mejor le fue a niveles de crítica, a la par que se llevó varios premios y fue nominada en los Oscars en los apartados de guión adaptado y edición.


Al igual que muchos otros autores Elmore Leonard es amigo de usar sus personajes en diferentes novelas, aunque sea de forma muy secundaria. Y ahí es donde entra el personaje de Ray Nicolette, el agente de la ATF de Jackie Brown, que tiene una breve aparición en la novela Out of sight. Ese era un detalle que no se le había pasado por alto a una de las productoras del film, Stacey Sher.En plena pre-producción y ha sabiendas que Jackie Brown estaba a punto de iniciar la filmación se dirigió a los productores de la película de Tarantino para pedirles que les cediesen los derechos del personaje de Nicolette para usarlo a modo de cameo. Eso le hizo gracia a Tarantino (tambien amigo de mezclar elementos en diferentes películas) e hizo la gestiones para que no hubiera ningún problema de derechos, ya que las dos películas eran de majors diferentes (Miramax y Universal).

En un principio ni Soderbergh ni Scott Frank estaban muy interesados en usar al personaje por una cuestión de no alargar demasiado el metraje, pero finalmente acabó en el guión definitivo. Rodaron las escenas pero realmente nadie tenía la convicción de que acabaran en el montaje final. Pero, casi por probar y ante la insistencia de Stacy Sher, la secuencia se usó en uno de los test screening. La respuesta del público al ver a Keaton y captar al instante que era el mismo personaje que habían visto unos meses antes en Jackie Brown fue buenísima. Así que Soderbergh decidió mantener la escena en el montaje final.

Otro cameo no acreditado es el de Samuel L. Jackson, que aunque en algunas revistas hablaban que interpretaba al mismo personaje de Jackie Brown, hacía de un delincuente llamado Hejira Henry.

Out of sight es una película redonda, donde no sobra absolutamente nada. Si acaso, como decía antes, el sistema de flashbacks puede liar a más de uno al principio, pero nada importante.
La mano de Soderbergh se nota en todo el metraje, como la diferencias de las paletas cromáticas según los lugares donde transcurre la acción (cosa que usado varias veces más, por ejemplo en Traffic) variando los tonos fríos y cálidos. Además de secuencias cámara al hombro y ese montaje cuidadamente descuidado tan suyo o las imágenes congeladas. Todo ello, junto a su magnífica banda sonora (que mezcla lo compuesto por David Holmes con varios temas de otros autores), no hace más que darle al film un rollo setentero muy importante.
 
 
Algún personaje de la película siguió apareciendo en la pequeña pantalla. Es el caso del personaje de López, Karen Sisco, que en el 2003 tuvo una serie propia en tv bajo los rasgos de Carla Gugino (tambien estaba por ahí Robert Forster, después de resucitar -en menor medida- gracias a Jackie Brown) que se canceló a los 10 episodios.

Mutronics (The Guyver 1 y 2)

Que Brian Yuzna es un chapuzas ya lo sabemos. Así que cuando uno se dispone a ver Mutronics y ve en los títulos de crédito que aparece como productor ya sabe que algo malo va a pasar.Para rodar estos Mutronics (título que se le puso en algunos países europeos, entre ellos el nuestro, ya que aquí el manga de Guyver nos era totalmente desconocido y se buscó un título que podía tener más gancho) se rodeó de varios de sus habituales colaboradores, como David Gale y Jeffrey Combs (que curiosamente interpretaba a un mad doctor llamado Dr. East). Aparte de estos nos encontrábamos a Mark Hamill (en unas horas muy bajas), a Michael Berryman y a la scream queen Linnea Quigley.

En la dirección debutaba otro habitual de Yuzna, Screaming Mad George que compartía función con Steve Wang. Los dos venían trabajando en varias películas de cierto empaque en labores de maquillajes y efectos desde la época de Depredador.

Y al final Mutronics acabó luciendo lo que era, una serie B de bajos vuelos basada en un anime de un tal Yoshiki Takaya que contaba la historia de un chaval que se encontraba un artefacto mecánico que al fusionarse con él se transformaba en Guyver, un guerrero embutido en una armadura, que tenía que luchar contra unos individuos que mutaban en monstrouos.
Toda la historia venía de milenios atrás, cuando los extraterrestres crearon a la unidad Guyver, que es lo que buscan a toda costa los Zoanoides, los hombres que se transforman en monstruos.


Si algo nos queda claro después del visionado de la película son las ganas de sus responsables de apuntarse a la moda de las Tortugas ninja y, por qué no, de los gremlins. De este último film es más que evidente en el exagerado parecido entre los mogwais evolucionados de la secuela con algunas criaturas de Mutronics. Y es que uno de sus directores, Wang, había trabajado en la película de Joe Dante cuando ejercía funciones en el equipo de Rick Baker.

Aunque todo el parecido se queda en algo superficial en unos disfraces que podían dar el pego en la correspondiente sesión de fotos pero que cantaban cosa mala en cuanto los veíamos en movimiento y se delataba su condición de disfraz de caucho. Y eso que se habían gastado 3 millones de dólares que no era moco de pavo para una serie B.
Todo lo demás seguía su línea de mediocridad con actores de tres al cuarto, escenas mal filmadas, una banda sonora más propia de la memoria de un teclado Casio y algunas gracieta que ni son graciosas ni nada de nada.

Todavía les quedó algo de sentido del humor para meter la coletilla al final de los títulos de crédito: "No Zoanoids were injured in the making of this movie".


No hace falta decir que nunca se estrenó en cines, apareció directamente en vídeo, aquí de la mano de Record Vision, que estaba en su máximo apogeo distribuyendo Terminator 2, Akira o Acción Mutante.Hará poco tiempo apareció en DVD un Director's cut en USA con una de las carátulas más estafadoras de la historia, que daba a entender que Mark Hamill era el protagonista absoluto y el alter ego de Guyver. Cuando realmente hacía de agente del FBI que lo único que hacía era lucir un triste bigote y llevarse una porrada de palos.


Y no debieron tener suficiente porque en el 94 sacaron una secuela, Guyver. Dark hero. Que aquí nunca llegó a salir y está dirigida en solitario por Steve Wang y sin contar con nadie de la primera parte (no estaba ni Yuzna).

Por todo lo demás más de lo mismo. Y es una pena porque la primera secuencia, una especie de prólogo donde vemos a Guyver acabar con unos maleantes como si fuese un justiciero urbano al margen de la ley, nos hace pensar que la coletilla del título (Dark hero) va en serio y nos vamos a encontrar una película más seria.


Pero una vez pasado ese prólogo vemos que nada más lejos de la verdad. Aquí la película ya luce al máximo su condición de explotación de los Power Rangers con personajes disfrazados con los peores trajes y dando muchos saltos y volteretas en el aire.
Y poco presupuesto deberían tener porque todo el metraje acontece en un bosque, ya que el protagonista se mete en una excavaciones científicas donde han encontrado unos símbolos que a él se le aparecen en sueños.


La curiosidad es que el prota es un tal David Hayter (cuando luce el trae de Guyver es un doble) que como actor es lamentable, que sólo se le podrá reconocer por ser el doblador de Solid Snake en los videojuegos de la saga Metal Gear Solid y, nadie lo diría, pero que como guionista ha estado detrás de los libretos de las primera partes de X-men y de Watchmen. Casi nada.

Lynch hands to the work

Encuentros con el cartero (13): Beavis and Butt-head

Mike Judge había presentado un corto animado en el festival Sick and Twisted. La animación, de un par de minutos, se llamaba Frog baseball, donde Beavis y Butt-head, un par de adolescentes descerebrados y amantes del heavy que visten pantalones cortos y camisetas de AC/DC y Metallica (en el posterior merchandising por cuestiones legales serían cambiadas por Skull y Death rock) se dedicaban a jugar a béisbol usando una rana como pelota.

El sketch fue adquirido por Liquid Television de la MTv y contrataron a Judge para que desarrollara una serie con Beavis y Butt-head.
Le acabaron encargando 65 episodios. Y cuando contrató a un minúsculo equipo de animación y vieron que a la entrega de los primeros 20 episodios únicamente tenían acabados 2 se les vino el mundo encima. Así que en marzo del 93 empezaron a emitir esos dos episodios, que eran de una calidad técnica ínfima, y para sorpresa de todos el primer episodio dobló la audiencia que solía tener la cadena. Durante la primera semana se emitió el mismo episodio y cada día la audiencia aumentaba considerablemente. En ese momento apareció el imperio Beavis and Butt-head.

Una especie de versión animada de El mundo de Wayne pero yendo más allá. Creando unos clichés propios, como su forma de reír, o minimizando el lenguaje a cool y suck (mola y apesta), con un humor que mezclaba lo grotesco (que empezaba por el aspecto físico de B&B), con el absurdo y el destroyer, que se mofaba de una generación cuyo único interés era consumir televisión y drogarse (ahora mal llamada Nini). Generación que era la misma que consumía la propia serie y que acabó en su evolución natural: Jackass.


La crítica persiguió siempre a la serie, sobre todo cuando un niño de cinco años quemó su casa con su hermana pequeña dentro inspirándose en la pareja animada. La MTv no paraba de recibir denuncias y cartas de espectadores furiosos, con lo que tuvo que reajustar su horario y emitirla pasadas las 10 de la noche y comenzar a recortar las escenas violentas y a censurar algunas palabras malsonantes. Aun y así B&B siguieron metiendo perros en lavadoras, frieron ratas y gusanos para servir a los clientes despistados del Burguer World, destrozaban la casa de su vecino y reventaban las clases del instituto.

La mayoría de personajes que aparecían en la serie estaban inspirados en diferentes personas que había conocido Judge (él mismo pondría voz en la versión original a casi todos). Uno de estos personajes era una fémina llamada Daria, que acabó protagonizando serie propia, pero si a B&B les envolvía la esencia del heavy, ella era la versión grunge, tan de moda en la época.

Pero pese a todos los problemas de censura la serie seguía triunfando, lanzando cualquier objeto inimaginable con la cara de B&B: camisetas, llaveros, ropa interior, posters, muñecos, papel higiénico, gorras, comics de la Marvel (que aquí sacó Planeta y que degeneraban algo la esencia de los personajes), su versión porno e incluso videojuegos para consolas (que siendo del montón aun se les podía sacar partido) y una aventura gráfica para Pc llamada Beavis and Butt-head do U., que aquí llegó, lamentablemente, sin traducir. Y, por supuesto, acabaron teniendo su propia película, Beavis y Butt-head recorren América, que, aunque parezca mentira, en un primer momento se pensó en hacerla con actores reales.

Pero, al igual que la CherryCoke, Beavis y Butt-head nacieron y murieron en los 90. Judge se cansó rápidamente de ellos, pero su contrato por 8 temporadas lo ataban a la serie. Finalmente pudo hacer un trato con la MTv y a cambio de la realización de un largometraje (Beavis y Butt-head recorren América) le perdonaban la octava temporada, dando lugar al final de Beavis y Butt-head en el año 97.


Como decía antes Beavis and Butt-head fueron un fenómeno social en los USA y en algunos países, no así en Espanya, que, al emitirse de forma codificada por Canal Plus (también se podía ver directamente en la MTv a través del satélite Astra) y de madrugada, nunca pasaron de un grupito selecto que se pasaban las grabaciones bajo mano.
Allá por el 96 la Paramount tuvo a bien editar en VHS algunas cintas recopilando episodios de la serie. Cintas de vídeo que llevaban títulos como El trabajo apesta, Toma barrio, El día del juicio final, Tías y tal y Beavis y Butthead hacen la navidad. Éste último era un recopilatorio más curioso, porque aparte de ser, como su nombre indica, un especial navideño donde se versiona el Cuento de Navidad de Dickens, aparecen varios videoclips comentados por el dueto (cosa que no pasaba en las otras cintas) y se volvía un poco a los orígenes reales de los personajes.

Ya en plena era digital aparecieron 3 volúmenes (en USA ya habían aparecido otros recopilatorios pero estos "teóricamente" era una selección de propio Judge) que, sin ser la serie al completo, era una selección de los episodios más representativos (40 episodios por volumen) donde además incluía extras como entrevistas con los que hicieron la serie o algunos videoclips comentados por B&B. Lamentablemente no venían con el mitiquísimo doblaje (desconozco si fue por una cuestión de derechos).