Que la carrera de Christopher Lambert está más acabada que las maracas de Machín es algo que sabemos todos, pero, aunque no lo parezca, hubo un tiempo en que el tipo prometía y parecía que nos íbamos a encontrar un nuevo Belmondo pero a nivel internacional y con mirada estrábica.
Comenzó muy fuerte con Greystoke, Subway. En busca de Freddy y, sobre todo, Los inmortales.Luego intentó labrarse una carrera como actor serio y todo comenzó a descarrilar: El siciliano, Conspiración para matar a un cura y hasta se atrevió con la comedia en A mi que me registren. Como veía que la cosa no acababa de funcionar empalmó proyectos más comerciales: la innecesaria Los inmortales II. El desafio, Jaque al asesino (una rémora de El silencio de los corderos que él mismo producía) y Fortaleza infernal (que es hasta salvable). A partir de ahí se pasa a películas de acción que tiene su objetivo la explotación en videoclub y que con suerte se estrenan en cines: Gunmen, Sin escrúpulos, Los inmortales III. El hechicero, Presa de la secta y la archiconocida Mortal Kombat. No voy a seguir repasando lo que vino después porque no vale la pena pero resumiendo, que Lambert finalmente ha terminado en una especie de action-actor de películas de serie B, muy lejos de jugar en la primera división (Stallone/Schwarzenegger) o, incluso de la segunda (Van Damme/Seagal -al menos hasta los 90-) y tiene que convivir en la tercera más zetosa junto a Dudikoff o el Seagal del nuevo milenio (especializado a sacar uno o dos telefilms al año de supuesta acción).
Nos trasladamos a verano del 99 ¿y qué nos encontramos? Christopher Lambert por partida doble. Por un lado la película buena (cojámoslo con pinzas, please) Resurrección. Su reencuentro con Mulcahy no era más que un explotation de Seven, con todos los clichés habidos y por haber, donde Lambert producía y escribía el argumento. Pese a todos sus peros el film se podía ver y disfrutar si uno no era excesivamente exigente. Y luego teníamos la mala, Beowulf, que en los USA se estrenó directamente en vídeo, basada muy libremente en un poema épico anglosajón. Nos encontrábamos a Lambert, que vaga por un mundo totalmente anacrónico, hasta que se topa con un castillo donde cada noche sus habitantes comienzan a morir a manos de una extraña criatura que vive en las catacumbas. No hace falta decir que Beowulf, el personaje de Lambert, se introducirá en él para dar caza a la bestia.
Muchas cosas negativas se han dicho del film, que si la peor película del año, una de las peores de la historia... Hombre, la película buena no es, ahora bien, en un segundo visionado (cuando ya sabemos lo que nos vamos a encontrar) la cosa cambia y es un producto mucho más disfrutable y, sin lugar a dudas, más divertido. Si no, no se puede entender esa escena al principio del metraje (que es toda una declaración de intenciones) donde un grupo de hombres, que a cada cual lleva unas vestimentas más estrafalarias, están a punto de degollar a una mujer con una navaja de afeitar gigante.
Esos atuendo que comentaba tienen una estética que sólo eran capaces de conseguir los sucedáneos italianos de Mad Max y 1997: Rescate en N.Y., al igual que parte de la estética del castillo que tiene unas chimeneas industriales que no paran de bramar fuego.
Más cosas malas: nos encontramos una peleas que en estética parece que quieran parecerse a las de Pacto de lobos si no fuese porque el film de Christophe Gans se estrenó dos años después. Peleas donde no hacemos más que ver a Lambert, perdón, al doble de Christopher Lambert dando volteretas por el aire mientras no paramos de ver los arneses que lo sujetan.Pero sin duda hay dos puntos que siempre aparecen en las críticas de la película: los efectos digitales y la música.Los efectos son, sin temor a exagerar, tercermundistas. Cuando aparece el monstruo lo vemos difuminado, es decir, que le han metido un filtro para distorsionarlo, seguramente porque se darían cuenta que el disfraz les quedó excesivamente ridículo. Pero eso sólo es detalle minúsculo cuando vemos el último combate del film, no se puede explicar con palabras, aunque la imagen de abajo puede darnos una pista. Y la música, ¿qué decir de la música? Pues que ya puestos en hacer una escabechina no se les ocurrió otra cosa que poner música maquinera en una película de "cierto" aspecto medieval. Música electrónica pero de un gusto terrible, ni mi viejo Spectrum 128K era capaz de crear semejantes ruidos al cargar los juegos.
Curiosamente muchas de las personas que participaron en Beowulf están relacionados con la saga de Mortal Kombat, la película, sus secuelas o los telefilms: ya fuese los responsables de la banda sonora, varios de sus productores, los de efectos digitales y, por supuesto, su protagonista.
En cuanto a los actores pues todos muy mal, empezando por Lambert y su imposible rubio oxigenado o el alemán Götz Otto, que vivía ciertos días de gloria después de aparecer en El mañana nunca muere y que el que vea cine espanyol le pueda sonar de varias películas de Trueba: La niña de tus ojos y El embrujo de Shanghai.
Si acaso destaquemos a un par de féminas (más por cuestiones físicas que no actorales) que no paran de lucir palmito durante todo el metraje. Rhona Mitra, que venía de ser la Lara Croft publicitaria, y su escote vertiginoso y Layla Roberts, modelo del canal Playboy, que directamente se pasea totalmente desnuda en la mayoría de sus escenas o, como mucho, lleva algún vestidito transparente que no deja nada para la imaginación. El director de todo estos desvaríos varios es Graham Baker, que venía de dirigir videoclips y en terreno cinematográfico El final de Damien, Alien Nation y que después de este Beowulf (¡oh, sorpresa!) nunca más ha vuelto a ponerse detrás de las cámaras.
Lo sé, después de todo esto puede parecer que la película es un gran bodrio, y sí, lo es, pero no hay que dejarse engañar, porque es un bodrio muy divertido y disfrutable. Una exageración en mayúsculas en cada uno de sus planos y secuencias, donde siempre sabemos lo que ocurrirá y que antes que Lambert abra la boca para soltar sus intentos de imposibles frases lapidarias sabemos lo que dirá. Sin duda, la película favorita del señor que va dentro del disfraz de Godzilla en la películas de Ishiro Honda.
Sí, lo sé, para hablar del personaje que interpreta Keaton, Ray Nicolette, sería más justo hacerlo de Jackie Brown, pero la película de Soderbergh es más apropiada y tiene más chicha y, entre otras cosas consigue llegar hasta donde Tarantino no pudo (o supo).
Hablar de Out of sight significa hacerlo obligatoriamente de Elmore Leonard, autor del libro en el que se basa el film. Y aunque parezca que la relación de su obra con el cine sea más o menos reciente, desde finales de los 90 con las películas de Tarantino y Soderbergh o Como conquistar Hollywood, lo venía haciendo desde décadas atrás.Los primeros trabajos de Leonard eran novelas baratas del oeste y esas fueron las que dieron el pistoletazo de salida en los 60: Hombre (con Paul Newman), Que viene Valdez (con Burt Lancaster) o Mr. Majestyk (con Charles Bronson).A parte de películas que se basaban en su obra impresa tambien participó en varios guiones: El tren de las 3.10 (con Glenn Ford), Joe Kidd (con Clint Eastwood) o Los crímenes del rosario (con Donald Sutherland). El autor del guión de Out of sight es Scott Frank, que ya venía de firmar el de Como conquistar Hollywood, que, aún siendo bastante respetuoso con el libro, puso varios añadidos como el segundo final.
A Soderbergh le gustó mucho el libreto y se fue a la gente de Jersey Films (que entre otros está detrás Danny DeVito) para que la produjeran. Hay que recordar que esta productora ya había estado involucrada en Pulp Fiction o la mentada Como conquistar Hollywood.
Uno de los detalles del primer guión es que estaba contado de forma cronológica, y Frank y Soderbergh se dieron cuenta que el personaje de Jennifer Lopez, Karen Cisco, no aparecía en pantalla hasta pasada la primera media hora. Así que Frank decidió desordenar la línea cronológica y usar el recurso de los flashbacks. Cosa que a más de uno le desorienta durante el visionado del film. El film gira absolutamente entorno a la pareja formada por George Clooney y Jennifer Lopez (es más, toda ella se vendió con un rollo erotiquillo de tensión sexual). El primero es Jack Foley, un experimentado ladrón de bancos (todos ellos robados sin usar un sólo arma, todo a base de mucho paliqueo) que acaba con sus huesos en la trena. No tardará en fugarse gracias a la ayuda de su compinche Buddy (Ving Rhames). Pero durante la fuga se encuentran a la agente judicial Karen Cisco (Jennifer Lopez) con lo que los dos criminales se verán obligados a secuestrarla y, con la intención de sortear los controles de carretera, la esconderán en el maletero junto a Foley. Es durante ese trayecto en el maletero que el ladrón y la agente se comenzar a sentirse atraídos. Para la película acabaron contando con reparto de calidad al igual que extenso: Ving Rhames (que, al igual que pasó con el personaje de Pam Grier en Jackie Brown, en la novela era blanco),Don Cheadle, Catherine Keener, Dennis Farina, Albert Brooks y Luis Guzmán.
Es curioso la cantidad de oportunidades le llegaron a Clooney dar en sus inicios. Pasaremos por alto la películas menores que hizo a finales de los 80 y principios de los 90. Después de saltar a la fama con la serie Urgencias el siguiente paso era, evidentemente, el cine. Hizo Abierto hasta el amanecer que, aunque ahora todo el mundo la conoce, en su estreno pasó totalmente desapercibida en USA, siendo, incluso, considerada un pseudo fracaso, sobre todo por estar Tarantino metido en el ajo. Un día inolvidable y El pacificador pasaron con más pena que gloria, apenas llegando a los 40 millones. Y de Batman y Robin no hace falta comentar el descalabro económico que le supuso a la Warner, por no hablar del aluvión de malas críticas que se llevó. Aún y así por hacer Out of sight se llevó la friolera de 10 millones de dólares. Por suerte, la película funcionó medianamente bien ingresando casi 80 millones en todo el mundo sobre un presupuesto de 50.Aunque mejor le fue a niveles de crítica, a la par que se llevó varios premios y fue nominada en los Oscars en los apartados de guión adaptado y edición. Al igual que muchos otros autores Elmore Leonard es amigo de usar sus personajes en diferentes novelas, aunque sea de forma muy secundaria. Y ahí es donde entra el personaje de Ray Nicolette, el agente de la ATF de Jackie Brown, que tiene una breve aparición en la novela Out of sight. Ese era un detalle que no se le había pasado por alto a una de las productoras del film, Stacey Sher.En plena pre-producción y ha sabiendas que Jackie Brown estaba a punto de iniciar la filmación se dirigió a los productores de la película de Tarantino para pedirles que les cediesen los derechos del personaje de Nicolette para usarlo a modo de cameo. Eso le hizo gracia a Tarantino (tambien amigo de mezclar elementos en diferentes películas) e hizo la gestiones para que no hubiera ningún problema de derechos, ya que las dos películas eran de majors diferentes (Miramax y Universal).
En un principio ni Soderbergh ni Scott Frank estaban muy interesados en usar al personaje por una cuestión de no alargar demasiado el metraje, pero finalmente acabó en el guión definitivo.Rodaron las escenas pero realmente nadie tenía la convicción de que acabaran en el montaje final. Pero, casi por probar y ante la insistencia de Stacy Sher, la secuencia se usó en uno de los test screening. La respuesta del público al ver a Keaton y captar al instante que era el mismo personaje que habían visto unos meses antes en Jackie Brown fue buenísima. Así que Soderbergh decidió mantener la escena en el montaje final. Otro cameo no acreditado es el de Samuel L. Jackson, que aunque en algunas revistas hablaban que interpretaba al mismo personaje de Jackie Brown, hacía de un delincuente llamado Hejira Henry.
Out of sight es una película redonda, donde no sobra absolutamente nada. Si acaso, como decía antes, el sistema de flashbacks puede liar a más de uno al principio, pero nada importante. La mano de Soderbergh se nota en todo el metraje, como la diferencias de las paletas cromáticas según los lugares donde transcurre la acción (cosa que usado varias veces más, por ejemplo en Traffic) variando los tonos fríos y cálidos. Además de secuencias cámara al hombro y ese montaje cuidadamente descuidado tan suyo o las imágenes congeladas. Todo ello, junto a su magnífica banda sonora (que mezcla lo compuesto por David Holmes con varios temas de otros autores), no hace más que darle al film un rollo setentero muy importante. Algún personaje de la película siguió apareciendo en la pequeña pantalla. Es el caso del personaje de López, Karen Sisco, que en el 2003 tuvo una serie propia en tv bajo los rasgos de Carla Gugino (tambien estaba por ahí Robert Forster, después de resucitar -en menor medida- gracias a Jackie Brown) que se canceló a los 10 episodios.
QueBrian Yuzna es un chapuzas ya lo sabemos. Así que cuando uno se dispone a ver Mutronics y ve en los títulos de crédito que aparece como productor ya sabe que algo malo va a pasar.Para rodar estos Mutronics (título que se le puso en algunos países europeos, entre ellos el nuestro, ya que aquí el manga de Guyver nos era totalmente desconocido y se buscó un título que podía tener más gancho) se rodeó de varios de sus habituales colaboradores, como David Gale y Jeffrey Combs (que curiosamente interpretaba a un mad doctor llamado Dr. East). Aparte de estos nos encontrábamos a Mark Hamill (en unas horas muy bajas), a Michael Berryman y a la scream queen Linnea Quigley.
En la dirección debutaba otro habitual de Yuzna, Screaming Mad George que compartía función con Steve Wang. Los dosvenían trabajando en varias películas de cierto empaque en labores de maquillajes y efectos desde la época de Depredador.
Y al final Mutronics acabó luciendo lo que era, una serie B de bajos vuelos basada en un anime de un tal Yoshiki Takaya que contaba la historia de un chaval que se encontraba un artefacto mecánico que al fusionarse con él se transformaba en Guyver, un guerrero embutido en una armadura, que tenía que luchar contra unos individuos que mutaban en monstrouos. Toda la historia venía de milenios atrás, cuando los extraterrestres crearon a la unidad Guyver, que es lo que buscan a toda costa los Zoanoides, los hombres que se transforman en monstruos. Si algo nos queda claro después del visionado de la película son las ganas de sus responsables de apuntarse a la moda de las Tortugas ninja y, por qué no, de los gremlins. De este último film es más que evidente en el exagerado parecido entre los mogwais evolucionados de la secuela con algunas criaturas de Mutronics. Y es que uno de sus directores, Wang, había trabajado en la película de Joe Dante cuando ejercía funciones en el equipo de Rick Baker.
Aunque todo el parecido se queda en algo superficial en unos disfraces que podían dar el pego en la correspondiente sesión de fotos pero que cantaban cosa mala en cuanto los veíamos en movimiento y se delataba su condición de disfraz de caucho. Y eso que se habían gastado 3 millones de dólares que no era moco de pavo para una serie B. Todo lo demás seguía su línea de mediocridad con actores de tres al cuarto, escenas mal filmadas, una banda sonora más propia de la memoria de un teclado Casio y algunas gracieta que ni son graciosas ni nada de nada.
Todavía les quedó algo de sentido del humor para meter la coletilla al final de los títulos de crédito: "No Zoanoids were injured in the making of this movie". No hace falta decir que nunca se estrenó en cines, apareció directamente en vídeo, aquí de la mano de Record Vision, que estaba en su máximo apogeo distribuyendo Terminator 2, Akira o Acción Mutante.Hará poco tiempo apareció en DVD un Director's cut en USA con una de las carátulas más estafadoras de la historia, que daba a entender que Mark Hamill era el protagonista absoluto y el alter ego de Guyver. Cuando realmente hacía de agente del FBI que lo único que hacía era lucir un triste bigote y llevarse una porrada de palos. Y no debieron tener suficiente porque en el 94 sacaron una secuela, Guyver. Dark hero. Que aquí nunca llegó a salir y está dirigida en solitario por Steve Wang y sin contar con nadie de la primera parte (no estaba ni Yuzna).
Por todo lo demás más de lo mismo. Y es una pena porque la primera secuencia, una especie de prólogo donde vemos a Guyver acabar con unos maleantes como si fuese un justiciero urbano al margen de la ley, nos hace pensar que la coletilla del título (Dark hero) va en serio y nos vamos a encontrar una película más seria. Pero una vez pasado ese prólogo vemos que nada más lejos de la verdad. Aquí la película ya luce al máximo su condición de explotación de los Power Rangers con personajes disfrazados con los peores trajes y dando muchos saltos y volteretas en el aire. Y poco presupuesto deberían tener porque todo el metraje acontece en un bosque, ya que el protagonista se mete en una excavaciones científicas donde han encontrado unos símbolos que a él se le aparecen en sueños. La curiosidad es que el prota es un tal David Hayter (cuando luce el trae de Guyver es un doble) que como actor es lamentable, que sólo se le podrá reconocer por ser el doblador de Solid Snake en los videojuegos de la saga Metal Gear Solidy, nadie lo diría, pero que como guionista ha estado detrás de los libretos de las primera partes de X-men y de Watchmen. Casi nada.
Mike Judgehabía presentado un corto animado en el festival Sick and Twisted. La animación, de un par de minutos, se llamaba Frog baseball, donde Beavis y Butt-head, un par de adolescentes descerebrados y amantes del heavy que visten pantalones cortos y camisetas de AC/DC y Metallica (en el posterior merchandising por cuestiones legales serían cambiadas por Skull y Death rock) se dedicaban a jugar a béisbol usando una rana como pelota.
El sketch fue adquirido por Liquid Television de la MTv y contrataron a Judge para que desarrollara una serie con Beavis y Butt-head. Le acabaron encargando 65 episodios. Y cuando contrató a un minúsculo equipo de animación y vieron que a la entrega de los primeros 20 episodios únicamente tenían acabados 2 se les vino el mundo encima. Así que en marzo del 93 empezaron a emitir esos dos episodios, que eran de una calidad técnica ínfima, y para sorpresa de todos el primer episodio dobló la audiencia que solía tener la cadena. Durante la primera semana se emitió el mismo episodio y cada día la audiencia aumentaba considerablemente. En ese momento apareció el imperio Beavis and Butt-head.
Una especie de versión animada de El mundo de Wayne pero yendo más allá. Creando unos clichés propios, como su forma de reír, o minimizando el lenguaje a cool y suck (mola y apesta), con un humor que mezclaba lo grotesco (que empezaba por el aspecto físico de B&B), con el absurdo y el destroyer, que se mofaba de una generación cuyo único interés era consumir televisión y drogarse (ahora mal llamada Nini). Generación que era la misma que consumía la propia serie y que acabó en su evolución natural: Jackass.
La crítica persiguió siempre a la serie, sobre todo cuando un niño de cinco años quemó su casa con su hermana pequeña dentro inspirándose en la pareja animada. La MTv no paraba de recibir denuncias y cartas de espectadores furiosos, con lo que tuvo que reajustar su horario y emitirla pasadas las 10 de la noche y comenzar a recortar las escenas violentas y a censurar algunas palabras malsonantes. Aun y así B&B siguieron metiendo perros en lavadoras, frieron ratas y gusanos para servir a los clientes despistados del Burguer World, destrozaban la casa de su vecino y reventaban las clases del instituto.
La mayoría de personajes que aparecían en la serie estaban inspirados en diferentes personas que había conocido Judge (él mismo pondría voz en la versión original a casi todos). Uno de estos personajes era una fémina llamada Daria, que acabó protagonizando serie propia, pero si a B&B les envolvía la esencia del heavy, ella era la versión grunge, tan de moda en la época.
Pero pese a todos los problemas de censura la serie seguía triunfando, lanzando cualquier objeto inimaginable con la cara de B&B: camisetas, llaveros, ropa interior, posters, muñecos, papel higiénico, gorras, comics de la Marvel (que aquí sacó Planeta y que degeneraban algo la esencia de los personajes), su versión porno e incluso videojuegos para consolas (que siendo del montón aun se les podía sacar partido) y una aventura gráfica para Pc llamada Beavis and Butt-head do U., que aquí llegó, lamentablemente, sin traducir. Y, por supuesto, acabaron teniendo su propia película, Beavis y Butt-head recorren América, que, aunque parezca mentira, en un primer momento se pensó en hacerla con actores reales.
Pero, al igual que la CherryCoke, Beavis y Butt-head nacieron y murieron en los 90. Judge se cansó rápidamente de ellos, pero su contrato por 8 temporadas lo ataban a la serie. Finalmente pudo hacer un trato con la MTv y a cambio de la realización de un largometraje (Beavis y Butt-head recorren América) le perdonaban la octava temporada, dando lugar al final de Beavis y Butt-head en el año 97.
Como decía antes Beavis and Butt-head fueron un fenómeno social en los USA y en algunos países, no así en Espanya, que, al emitirse de forma codificada por Canal Plus (también se podía ver directamente en la MTv a través del satélite Astra) y de madrugada, nunca pasaron de un grupito selecto que se pasaban las grabaciones bajo mano. Allá por el 96 la Paramount tuvo a bien editar en VHS algunas cintas recopilando episodios de la serie. Cintas de vídeo que llevaban títulos como El trabajo apesta, Toma barrio, El día del juicio final, Tías y tal y Beavis y Butthead hacen la navidad. Éste último era un recopilatorio más curioso, porque aparte de ser, como su nombre indica, un especial navideño donde se versiona el Cuento de Navidad de Dickens, aparecen varios videoclips comentados por el dueto (cosa que no pasaba en las otras cintas) y se volvía un poco a los orígenes reales de los personajes.
Ya en plena era digital aparecieron 3 volúmenes (en USA ya habían aparecido otros recopilatorios pero estos "teóricamente" era una selección de propio Judge) que, sin ser la serie al completo, era una selección de los episodios más representativos (40 episodios por volumen) donde además incluía extras como entrevistas con los que hicieron la serie o algunos videoclips comentados por B&B. Lamentablemente no venían con el mitiquísimo doblaje (desconozco si fue por una cuestión de derechos).
Estaba estos días leyéndome el Nocturna de Guillermo del Toro y Chuck Hogan (luego llevada al formato de serie televisiva como The strain) y no paraba de venirme a la cabeza esta peliculita con el que tenía ciertas cosas en común.
The night flier, que realmente es un telefilm (que aquí se encargaría de editar en vídeo Manga Films con el horrible cartel -diferente al que he puesto- que te destrozaba la sorpresa de como era el malo y con un espantoso doblaje) basado en un relato corto llamado The night flier (El volador nocturno) publicado en el 88 y que el autor no era otro que un tal Stephen King. El argumento gira alrededor de la figura de Richard Dees, un reportero sensacionalista del no menos sensacionalista The Inside View (uno de esos periódicos en la línea de aquel Noticias del mundo, donde tenían cabida desde abducciones, jamones con la cara de Chiquito o mujeres con dos cabezas). Dees es un tipo malcarado y cínico que usa como bandera su lema "jamás creas lo que publiques ni publiques lo que creas" (que en algunas versiones de los carteles era la frase promocional) a la vez que no tiene escrúpulos, siendo capaz de destrozar una lápida y mancharla de sangre sólo para conseguir una foto impactante. Antaño había sido el reportero estrella del periódico sensacionalista y ahora su buena época forma parte del pasado. Pero cuando comienzan haber noticias de una avioneta negra que llega a los aeropuertos y deja tras de sí un reguero de asesinatos, Dees verá en estos acontecimientos una nueva oportunidad para publicar un artículo lo suficientemente morboso como para devolverlo a primera plana. A finales de los 70 hubo el boom de S. King, tanto en literatura como en cine. Muchos directores de primera línea usaron material del escritor para hacer películas que salieron más o menos airosas (El replandor, Carrie, La zona muerta, Christine...) pero poco a poco, ya a mediados-finales de los 80, la cosa decayó, más por el éxito de público de los films que por su calidad (Los ojos del gato, Miedo Azul, Cementerio de animales...) para, ya en los 90, pasar el grueso de lo filmado a telefilms (It, Tommyknockers, Langoliers...). Aunque eso no quita que esporádicamente hayan aparecido grandes películas y con gran éxito basadas en obras de King.
King, como otros autores, por ejemplo Elmore Leonard, es amigo de usar personajes y elementos ya aparecidos en su obra en otros de sus libros. Por ejemplo, el personaje del sheriff Alan Pangbornen aparece en La mitad oscura y en La tienda. En la versión cinematográfica de Los ojos del gato podíamos ver a Cujo, al coche de Christine o que en una televisión están emitiendo La zona muerta. En el caso del relato The night flier el personaje del periodista sin escrúpulos, Richard Dees, tenía una aparición en La zona muerta, y la publicación donde trabaja, The Inside View, es fácil encontrársela en varios de sus escritos.
The night flier, que seguía a rajatabla el texto original a excepción de incorporar un personaje femenino que era la rival de Dees a la hora de escribir la historia del asesino de la avioneta, está dirigida por un tal Mark Pavia, siendo su primera y única película. Ese dato es importante porque sumado a su ajustado presupuesto hace que la película se vea excesivamente plana en cuanto a su filmación. Como curiosidad decir que el productor es el míticoRichard P. Rubinstein, que había producido el grueso de la filmografía de George A. Romero. Y el hecho que esté basada en un relato corto hace que muchas partes se noten estiradas, si hubieran hecho un capítulo de alguna serie estilo Tales from the crypt de 45 minutos de duración hubiese quedado todo mucho más compacto y mejor.
Además es una lástima la cantidad de detalles interesantes que apenas se desarrollan y quedan muy en el aire. Como la figura de Dwight Renfield, el piloto del avión negro, que se deja entrever que había tenido algo que ver con una de sus víctimas décadas atrás, o el álbum de fotos que lleva en el avión, o todos los espejos rotos que deja a su paso. Cuestiones a las que más o menos puedes encontrarles respuestas, pero que en la película quedan a su suerte. Una lástima porque son ideas que daban mucho de sí. Sin duda el personaje de Renfield, pese a esos detalles que mentaba, es de lo mejor de la película, a excepción de su aspecto, que sólo se ve al final, que no es que esté mal hecho, es que todo su diseño está muy mal planteado. Pero el auténtico rey de la función es su protagonista, Miguel Ferrer, que además de guionista de cómics y primo de George Clooney es uno de esos secundarios roba planos que tiene varias joyitas en su filmografía (Robocop, Twin Peaks, Traffic).
Resumiendo, El aviador nocturno, pese a su condición de telefilm, es una pequeña joya descubrir y que, seguramante, pasará a la historia por ser la primera vez que vemos a un vampiro mear (sorpresa incluida de lo que acaba expulsando).
Michael Cooney es un guionista inglés de tercera fila que venía de firmar engendros del calibre de Jack Frost, pero no la de Michael Keaton, si no la del muñeco de nieve asesino, y su secuela, Jack Frost 2: Revenge of the Mutant Killer Snowman (sic), que además dirigió. La cuestión es que el tipo, en un ataque de inspiración, escribió el libreto de Identidad, que acabó en manos de la productora Cathy Konrad, que en los 90 había producido varias películas para Miramax. Ésta se lo pasó a James Mangold, director capaz de lo mejor (Copland) y de lo peor (Kate & Leopold), que, junto a Cooney, se encargó de reescribir algunos pasajes. Una vez puesta la maquinaria de producción en marcha hace acto de presencia Mark Friedberg para encargarse del diseño de producción, en especial del motel donde acontece toda la acción. Motel que se construyó en uno de los platos más grandes de los que dispone Sony Pictures, en el desierto de California, durante 8 semanas y pensando en la cantidad de agua que tendría que soportar, por lo cual todo el escenario se alzó sobre un subsuelo gigante de caucho y se construyó con le mismo material con el que se hacen las piscinas. En Identidad nos encontramos a diez personajes que, por una serie de casualidades, acaban en un motel de carretera durante una noche lluviosa. Todos ellos (un conductor de limusinas, una actriz caída en el olvido, un agente federal y el asesino al que custodia, un matrimonio y su hijo pequeño que acaban de sufrir un accidente, una prostituta y una pareja de recién casados) son personajes que esconden un pasado turbulento del que intentan deshacerse. Si la noche ya se les había puesto mal al no tener más remedio que hospedarse en un motel de mala muerte peor se les ponen las cosas cuando comienzan a morir uno a uno y los cuerpos desaparecen para, simplemente, aparecer una llave de una habitación.
A todo esto nos encontramos una historia paralela (o no) en la que el doctor Mallick tiene que ir a una vista de urgencia donde debe defender a un demente condenado a muerte. Sin duda Identidad pertenece a ese género tan agathachristesco (reconocido por el propio director) de un grupo de individuos que acaban encerrados en una casa (no hace falta que diga que con el teléfono cortado, luces que se apagan y puertas que hacen mucho ruido) y comienzan ha aparecer los cadáveres. Donde esa atmósfera nocturna y lluviosa convierten al propio motel como un personaje más.Mangold sabe como engancharnos nada más empezar con esa secuencia de flashbacks genialmente montados donde vemos como las acciones de los personajes repercuten en los demás y los van condenando uno a uno a resguardarse en el motel. A eso hay que añadirle un cast muy bien buscado que ayuda en todo momento a engancharnos a la trama: John Cusack, Ray Liotta, Alfred Molina, Jake Busey y Rebecca De Mornay entre otros. Estrenada en USA en abril del 2003 (aquí tuvimos que esperar a septiembre) cosechó críticas bastante buenas y favorables, además de contar con una magnífica taquilla, más de 50 millones de dólares en suelo yanki y otros 40 en el mercado internacional, haciendo más que rentables los 28 millones de su presupuesto. Identidad es una película tramposa que deja que el espectador juegue a resolver sus enigmas pero que en el último momento da un vuelco demasiado exagerado (tan de moda en la época) con la intención de sorprender al más avispado de los espectadores a la vez que gratuito. Aunque esto tampoco es del todo cierto porque el director se encarga de meternos pistas que hasta el final del metraje uno no sabe como interpretar.
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