Muy bien les debió funcionar Tintín y el secreto del toisón de oro porque 3 años después volvieron a la carga y, además, poniendo más pasta porque en esta nueva aventura de Tintín nos encontramos en una coproducción franco-española.
Aquí nos volvemos a encontrar una historia escrita especialmente para la gran pantalla.
El profesor Tornasol recibe, de un colega científico, un paquete que contiene una naranja de color azul, que es un experimento que permite cultivarlas en zonas desérticas.
Una noche la naranja es robada, así que Tintín y su troupe se van a buscar al doctor Zalamea. ¿A dónde? Pues muy fácil, si hablamos de naranjas nos vamos a Valencia, concretamente a Burjassot, Gandia o Xàtiva.
Y es que el 90% del metraje transcurre en tierras valencianas, cosa que hará mucha gracia a los más talluditos de la casa para poder recordar viejos tiempos.
Esta nueva peli de Tintín sigue manteniendo la línea aburrida de la anterior, pero eso sí, se nota que han contando con algo más de dinerillo y el film luce mucho más. Por ejemplo la barba de Haddock está más conseguida o el detalle de cambiarle la indumentaria clásica a Tintín por una más estival. Además de algunos escenarios calcados al cómic, como el palacio de Moulinsart.
Aquí cambiaron la mayoría del equipo: cambiaron al director y cambiaron a los actores que interpretaron al capitán Haddock, al profesor Tornasol y a los Hernández y Fernández.
En cambio Jean Pierre Talbot, que hacía de Tintín solamente por su parecido físico, volvió a repetir rol. Después de esta peli nunca más volvió a trabajar en el mundo del cine.
Y como pasaba en España y la coproductora era de aquí (Procusa, que le había producido cositas a un primerizo Jorge Grau) muchos de los actores autóctonos se hicieron con papeles, aunque la mayoría eran actores de la época y ni nos sonarán, incluido Pablito, el amiguete ché que se hace Tintín.
¡Con todos ustedes Lina Morgan!
Me parece maravilloso ese detalle tan castizo de meter en el camerino de Bianca Castafiore un cartelito del teatro La Latina anunciando a Lina Morgan (su dueña) y Juanito Navarro. Aunque estos gabachos no pueden resistirse y meter una coletilla made un Spain con ese tablao flamenco. Pero ya se sabe que aquí todos somos toreros y bailamos flamenco.
Y como decía antes, pese a corregir muchos de los fallos del anterior film el argumento sigue siendo igual de bluf y la hace soporiferam con una secuencia final de auténtica vergüenza ajena. Para completistas de Tintín o amigos de Burjassot, Gandia y Xàtiva deseosos de volver a los 60.
A finales de este 2011 nos llegará el inicio de una saga ideada por el tándem Steven Spielberg y Peter Jackson en animación 3D, Las Aventuras de Tintín: El Secreto del Unicornio.
Pero la creación de Hergé ya conoció versiones cinematográficas décadas atrás. Y no solo con versiones animadas (El templo del sol, Tintín y el lago de los tiburones...) si no con versiones con actores de carne y hueso. La primera fue este Tintín y el secreto del toisón de oro en 1961, producción franco-belga como tenía que ser. Y pese a usar los personajes del universo Tintín el argumento no está basado en ninguno de los cómics publicados.
Aquí tenemos la historia de como el capitán Haddock recibe la noticia que su amigo Themistocle Paramelic ha muerto y le ha dejado en herencia un barco, el Toisón de oro del título. Ni corto ni perezoso, Haddock se embarca, junto a Tintín y el profesor Tornasol, rumbo a Estambul para hacerse con el barco. Una vez allí descubren que la nave está para el desguace, aunque lo más sorprendente será la oferta millonaria que reciben para venderla. Hecho que les hará sospechar que algo debe esconder el barco.
Pese a que en el argumento no tuvo nada que ver Georges Prosper Remi, alias Hergé, la película respeta bastante todo ese espíritu naíf que tienen los cómics.
Los personajes son clavados estéticamente a los del cómic. Y ahí radica uno de sus fallos, y es que esa estética en pantalla se ve ridícula, ya que parecen disfraces de algún catálogo de carnaval. No hay más que ver la barba del capitán Haddock para que empiece a darnos urticaria.
Los yankis, que de esto saben mucho, han sido lo suficientemente listos como para cambiarle el azul por el negro a Batmano no usar el traje amarillo de Lobezno, para hacernos ver que las translaciones del cómic a la pantalla no tienen que ser idénticas para salir bien.
Se nota bastante que a los actores los escogieron únicamente por su parecido físico, como es el caso de Jean-Pierre Talbot, que interpreta a Tintín, que ni siquiera era actor.
La edición española que he visto está redoblada, además de una forma espantosa, con voces malas que ni pegan con sus personajes. Pues la cuestión es que aquí se repite el efecto El hobbit, la banda sonora no tiene nada que ver la versión original.
Si al espantoso redoblaje le añadimos que es una peli bastante plana, con una realización muy telefilmesca y tosca no es aconsejable verla a la hora de la siesta. Para fans del cómic y gracias.
Decepción, eso es lo que me ha ofrecido The Troll Hunter. Tantas buenas críticas, tantas menciones en festivales tipo Sundance, para nada. Y eso que el cine escandinavo en su vertiente fantástica esté en alza siempre ayuda a crearte más expectativas todavía. Pero que no, que este The Troll Hunter está más cerca de la patochada de Incident at Loch Ness que a la seriosidad de El proyecto de la bruja de Blair.
Tenemos entre manos el ya clásico falso documental donde un grupo de chavales están haciendo un documental sobre cazadores de osos furtivos. Con la tontería acaban descubriendo todo un complot tramado por el gobierno que tiene a golpe de talonario a un cazador que se dedica a mantener controlados los trolls, esos seres del folclore escandinavo, de los bosques del país.
Evidentemente el que alguien se crea que esto tiene algo de realidad es que toma demasiados psicotrópicos o tiene 4 años. Y es que ese detalle de querer venderla como unas cintas encontradas y diferentes blaos es su gran cagada. Si la ves con ojos de película fantástica con tintes del genero de supervivencia vista a través de una cámara de vídeo, como en su momento Monstruoso (Cloverfield), pues adelante, debe ser hasta disfrutable. Pero si la vemos con el morbillo que en su momento pudo tener The Blair Witch Project, como un documental con cierta verosimilitud, nos dará la sensación que el tal André Øvredal, director de todo esto (e igual también albañil y pensador), se está partiendo de risa a nuestra costa.
Y la gran pregunta: ¿salen los trolls? Sip, salen los puñeteros trolls. Y eso es el otro gran fallo que le veo a la película, que a la media hora ya ves a uno y además de forma muy clara.
Y no están mal hechos, por lo menos para ser una peli noruega. Evidentemente que se le nota el CGI, pero lo suelen disimular bastante bien usando el efecto nocturno de la cámara.
Además me ha hecho gracia las similitudes visuales que tienen a los colosos del videojuego Shadow of the colossus.
Por lo demás los actores son bastante maletes, que no transpiran ni un ápice de naturalidad. La misma falta de naturalidad que tienen sus acciones, como el que el cazador se dedica a pasar de los chavales la primera media hora y luego se hace amiguete de ellos y les explica todo así porque sí.
Vamos, una joyita de película
Clasicazo de los 80 de la mano del rey de las comedias adolescentes ochenteras: John Hughes, director, productor y/o guionista de obras maestras como Las locas peripecias de un señor mamá, El club de los cinco, Solos con nuestro tío y un sin fin de títulos más
El argumento no tiene ningún secreto, una buddy movie pura y dura: Steve Martin, el clásico yuppie ochentero seriote, tiene que ir a Chicago para pasar el Día de Acción de Gracias con su familia, pero por el camino conoce a John Candy, un excéntrico vendedor de arandelas de cortina de ducha. Como es lógico (porque si no, no habría película) el viaje no será simplemente coger un avión, ya que un fuerte temporal les obliga a parar a mitad de camino y usar cualquier medio de transporte para volver a casa.
La película fue un exitazo la mar de merecido (costó 15 millones de dólares y recaudó más de 150) y no me extraña, porque es divertidísima y tiene un ritmo endiablado. Todos los que la hemos visto tenemos grabado a fuego momentos como el de Steve Martin lavándose la cara con los calcetines sucios y secándose con los calzoncillos de Candy, el coche antes de ser calcinado pasando entre dos camiones o la escena justamente anterior donde Candy hace un playback maravilloso de la canción que suena por la radio. Podría seguir así hasta la infinidad pero es mejor verlo que leerlo.
Mejor solo que mal acompañado es una película con un engranaje perfecto donde funciona hasta ese final de lacrimosidad fácil (tannnn yanki) pero totalmente válido y que lo clava. El propio Steve Martin dice que de las películas en las que ha participado esta es su favorita.
Hay un cameo bastante divertido de Kevin Bacon al principio del film. Esto era un autoguiño de Hughes, ya que al mismo tiempo que Mejor solo que mal acompañado estaba rodando La loca aventura del matrimonio protagonizada por Bacon y con un mini cameo de Michael Keaton.
Y como es habitual en la actualidad, hace poco hemos tenido su remake. ¿Que no os suena? Sí hombre, una tal Salidos de cuentas, con un tal Robert Downey Jr. Un remake inconfeso que sigue de pe a pa todo el guión de Hughes.
Escrita por Hugues en 3 días (al menos la primera versión del guión) basándose en una experiencia personal, llegó a usar el doble de celuloide en comparación con la mayoría de pelis. Se dice que hay material para una versión de 3 horas o más. Para muestra un botón: en el trailer aparecen varias escenas que no vimos en la edición final.
Y si alguien piensa revisarla que se espera al final de los créditos finales, que hay sorpresita.
Antes decía Mejor solo que mal acompañado, del que prefiero su título original (Planes, Trains and Automobiles) fue un exitazo, pues curiosamente en este bendito país pasó con más pena que gloria. Sin ir más lejos un bodrio como Loca academia de policía 5 recaudó 7 veces más que la película de Hugues. Espanya va bien.
El personaje del doctor John Dolittle pertenece a una serie de libros infantiles escritos por Hugh Lofting en los años 20. La serie tuvo tanto éxito que acabaron siendo doce los libros protagonizados por el personaje. El último editado en 1952.
Dado el éxito de la saga era más o menos normal que Hollywood se fijara en ella y la convirtiera en celuloide. De todas formas hay que apuntar que anteriormente los personajes creados por Lofting ya habían traspasado las páginas impresas: en un corto animado de Lotte Reiniger (especialista en cuentos infantiles animados con siluetas) en 1928 y seriales radiofónicos en los años 30.
Como decía, Dolittle tenía que acabar apareciendo en cines y fue gracias al productor Arthur P. Jacobs, que en un principio tenía una agencia de actores y de la mano de Marilyn Monroe se metió en el cine cuando esta iba a protagonizar Ella y sus maridos, producida por Jacobs. Pero Monroe murió y el papel protagonista acabó en manos de Shirley MacLaine. Arthur P. Jacobs siguió produciendo películas y en sus manos cayó el proyecto de este Doctor Dolittle.
Como la Fox había tenido un gran éxito con Sonrisas y lágrimas vieron claro que el film se tenía que hacer en formato musical y para que compusiera la banda sonora se contrató a Leslie Bricusse, un letrista inglés que había compuesto canciones para Sammy Davis, Jr., Frank Sinatra o Shirley Bassey, entre otros/as; y que acababa de tener un gran éxito en Broadway con Stop the World – I Want to Get Off. Años después colaboraría en el score de Un mundo de fantasía.
Y aunque estuvieron tentados de coger algún director especialista en musicales se contrató a uno con experiencia en efectos y trucajes varios como Richard Fleischer, que venía de dirigir 20.000 leguas de viaje submarino, Los vikingos y Viaje alucinante.
Para el papel de Dolittle se contrató a Rex Harrison (que en mitad de la preparación del film se fue, siendo sustituido por Christopher Plummer pero después volvió) y por ahí también encontraríamos gente como Richard Attenborough, Samantha Eggar o Anthony Newley.
Aparte de las idas y venidas de Harrison los problemas de la producción fueron varios con los animales: patos que se ahogaban en el estanque, malos olores y multitud de moscas, ardillas que se comían los decorados y varias lluvias torrenciales que paraban el rodaje.
Quebraderos de cabeza que no hicieron otra cosa que triplicar el presupuesto, en un principio presupuestado en 6 millones de dólares que acabó costando 18. Hay que mencionar que por ejemplo ese mismo año Bonnie and Clyde costó 2,5 millones, El graduado 3 o Casino Royale 12.
A todo eso hay que añadir una gran campaña de promoción de la peli con infinidad de merchandising.
Yo, que soy amigos de los musicales (y cuanto más bizarros mejor), puedo decir sin sonrojarme que este El extravagante doctor Dolittle es un bodrio de tomo y lomo y que su único interés es más por el desastre que supuso para la Fox que por sus logros artísticos.
La película es un auténtico desastre y aburrida, muy aburrida. Y es que su argumento no da para esas casi 3 horas que dura (y eso que recortaron un par de canciones en la edición final). Porque durante su primera hora lo único que vemos es a Dolittle interactuar con los animales y poco más. Luego, no me enteré muy bien porqué, le da el antojo de ir a buscar un animal místico, un caracol rosa gigante que vive bajo el mar. A partir de ahí parece que es cuando empieza la historia y nos da la sensación que el film coge unos tintes aventureros cuando los protagonistas van a parar a una isla flotante habitada por unos indígenas la mar de cultos. Resumiendo, mala y aburrida a rabiar.
Ah! Y que nadie se espere un musical como en los de la época, porque aquí no hay números musicales, y es que Rex Harrison tiene menos movilidad que el Gazpacho de los Fruittis.
Los efectos especiales (recordemos, ganadores del Oscar) son muy miserables con esa llama de dos cabeza que se nota que es un disfraz o el caracol gigante o la polilla también gigante del final de la peli.
Una cosa que me ha hecho gracia es que al ser una peli más o menos larga hacen un parón a mitad de película, incluso ponen un cartelito en pantalla. Muy freak todo ello.
Curiosamente el fracaso de El extravagante doctor Dolittle (recaudó solamente 9 millones de dólares y la crítica la vapuleó) hizo peligrar la siguiente producción de Jacobs: El planeta de los simios. Y tanto influyó que la Fox, que se encontraba en una situación económica muy delicada, le obligó a rodarla con un presupuesto muy justito, (menos de 6 millones de dólares) además de aprovechar un lago que habían construido para la película de Dolittle.
Uno de los aspectos más oscuros de la peli es como la Fox se dedicó a untar a los miembros de la academia, consiguiendo ser nominada en 9 apartados (entre ellos mejor película), ganando el de la mejor canción y mejores efectos visuales. No hace falta decir el revuelo que causó este hecho, y hoy en día eso de dar regalos y cositas varias a los miembros está absolutamente prohibido.
Como es sabido a mediados de los 90 Eddie Murphy volvió a resucitar al personaje en cines (sin su componente musical) con una saga de películas tan infantiles como ridículas.
Nada más estrenarse el primer Batman, la Warner corrió a pedirle a Burton una secuela, los millones amasados en un par de meses habían animado a los productores a convertir al hombre murciélago en franquicia. Pero no pensaron que Burton había quedado tan quemado del rodaje que lo último en lo que quería meterse era en otra superproducción controlada por un gran estudio, así que se fue a la Fox a rodar Eduardo Manostijeras ya que la Warner no estaba muy de acuerdo en producírsela, basicamente para presionarle con un segundo Batman.
Una vez finalizado el rodaje de la película del chico con tijeras en lugar de manos, Burton aceptó hacerse cargo de la secuela del hombre murciélago, siempre y cuando la Warner le diera carta blanca para decidir en cualquier asunto de la peli.
Así que de un plumazo se cargó cualquier cosa que tuviera que ver con fichar algún artista mediático para que aportara canciones a la banda sonora. Con Elfman se bastaba.
Como aquí también necesitaba una canción para acompañar la escena del baile de máscaras Elfman (recordemos que fue el frontman de Oingo Boingo) escribió Face to face junto a Siouxsie & the Banshees para que estos la interpretaran.
En esa escena del baile también se puede oir brevemente el tema funky de principios de los 80 Super Freak.
En este nuevo doble CD, que contiene media hora de música inédita hasta la fecha, hay menos sorpresas que en el caso de la edición del primer Batman, pero no por ello está excento de ellas.
En el primer CD nos encontramos toda la banda sonora de la película. Y cuando digo toda, me refiero a TODA, ya que en el disco que apareció en el 92 faltaba una gran parte. Solamente hay que comparar que en aquel disco sus 21 cortes duraban 70 minutos y en esta nueva edición hay 25 cortes (21 en el primer CD y 4 en el segundo, ya que no en uno solo no caben todas) que sobrepasan los 90 minutos.
Aparte de eso en el segundo disco nos esperan 13 temas más, compuestos de versiones alternativas y alguna sorpresilla.
Y al igual que en la anterior entrega aquí también tenemos nuestros librito (con unas cuantas páginas más) repletos de información y fotos.
Al igual que hace casi dos años apareció aquella banda sonora alternativa de Flash Gordon, a finales del pasado 2010 de la mano de La-La Records aparecieron las versiones especiales de Batmany Batman Returnsen unas ediciones limitadas a 5.ooo unidades la primera y 3.500 la segunda.
Cuando se puso en marcha la maquinaría para empezar la producción de Batman, Burton llamó a Danny Elfman para que le hiciera la banda sonora. Aparte necesitaban dos canciones para el film, una para la secuencia del desfile y otra para cuando el Joker entraba en el museo.
Pero los productores (Guber y Peters) tenían otra idea en la cabeza. Después que Elfman grabara el tema de los títulos de crédito dieron su aprobación definitva para que se hiciera cargo del soundtrack pero aparte quisieron fichar a Michael Jackson para que escribiera una canción de amor, a George Michael para quehiciera una para el personaje de Vicki Vale y a Prince para que hiciera lo mismo con una canción para el Joker.
Al final ni Jackson ni G. Michael trabajaron en el film, pero Prince se emocionó tanto en el proyecto que acabó haciendo un disco entero (lo que se llama álbum conceptual), cosa que acabó complicándole la vida a Burton, ya que se veía obligado a usar en el film cuantas más canciones mejor.
Al final el disco de Prince fue de los más vendidos aquel año. En cambio, el otro disco de la película, la banda sonora pura y dura de Elfman, fue alabado por la crítica y recibió algún que otro premio.
Aunque como contrapunto hay que decir que, como es habitual en el mundillo de las bandas sonoras, el disco no contenía íntegro el score de Elfman faltando varias partes.
En esta nueva versión nos encontramos con dos discos.
En el primero aparecen 30 pistas que forman la banda sonora que aparece en la película, incluyen varios cortes que no aparecían en el disco del 89. Algunos temas son los de la secuencia que B. Wayne observa desde la batcueva las cámaras que espían a los invitados de su fiesta o la escena que Batman se enfrenta al Joker en la catedral.
En el segundo disco encontramos los 21 cortes que forman el disco lanzado hace más de 20 años pero totalmente remasterizados. Y vaya si se nota esa remasterización (sus 18 meses de trabajo les costó) con un sonido más limpio y pulido a base de sacar los mejores cortes de todo el material de grabación que han conseguido rescatar.
Además nos obsequian con 8 bonus track la mar de golosos: algún corte que se descartó para la banda sonora final, versiones alternativas, el tema del anuncio del Joker o esa pequeña "broma" con la que nos obsequian al final de la última pista donde escuchamos a las orquesta jugando.
A todo eso hay que añadirle una magnífica presentación con un libreto de 18 páginas con una exhaustiva explicación a cada uno de los cortes.
Es curioso lo que uno se puede encontrar por 80 céntimos en uno de esos cajones gigantes repletos de caspas pixeladas. A finales de 1977 se estrenaba directamente para la televisión americana este largo animado basado en el famoso libro de Tolkien, que próximamente tendrá su versión de carne y hueso seguramente de la mano de Peter Jackson. Dirigido por Juless Bass (director de la archiconocida Mad monster party? inspiradora de Pesadilla antes de Navidad) y Arthur Rankin Jr., que habían estado detrás de aquella serie en stop motion llamada Las nuevas aventuras de Pinocho (que por aquí recuerdo que salió en vídeo en los 80), El vuelo de los dragones o Thundercats y Silverhawks (Los halcones galácticos). Aunque los grandes capos de la producción eran yankis la animación fue realizada por el estudio japonés Topcraft, costando unos 3 millones de dólares. Como todo el mundo sabe El hobbit es la antesala de la trilogía de El señor de los anillos y habla de las aventuras de un joven Bilbo Bolsón. De como es seleccionado por el mago Gandalf para formar parte de un grupo junto a 13 enanos que tienen como misión viajar hasta a Erebor y derrotar al dragón Smaug. Yo no soy fan ni seguidor de la obra de Tolkien, pero como todo hijo de vecino me tragué las pelis de Jackson y me ha hecho gracia recordar algunos guiños que le hacía el neozelandés a El hobbit, como cuando Gandalf le recordaba a Bilbo lo del dragón o la aparición del diario de Bilbo llamado Historia de una Ida y de una Vuelta. La calidad de la animación es más bien justita, con el movimiento de los personajes bastante acartonado. En cambio la paleta de color se me hace agradable. No así el diseño de los personajes, que no es que me parezcan malos pero sí muy poco apropiados para la ilustrar la historia de Tolkien, no hay más que ver a ese Gollum que parece más una rana que otra cosa, o el dragón Smaug que recuerda poderosamente a los que salían en El vuelo de los dragones. Las caras de los personajes son bastante grotescas, con tantas arrugas que parecen ciruelas secas. En cambio, en los personajes malos, como orcos y trasgos funciona muy bien esa estética horripilante, dando pie a los momentos más escabrosos de la película (no me extrañaría que los niños de la época tuvieran pesadillas). Los elfos tampoco es que salgan muy bien parados, aquí aparecen con unas pintas mezcla de hippys y los niños perdidos del país de nunca jamás, o los trolls que me recuerdan a los bichos de Cristal oscuro.
Gollum versión setentera
Una de las cosas curiosas que me he encontrado en esta copia de dudosa procedencia es su banda sonora, totalmente diferente en su versión original a la española. ¿Por qué? No estoy seguro pero me apuesto lo que sea que la distribuidora (que también la caga en la contra de la caja con el año de producción) se encontraría con una copia en la que la banda sonora, los efectos sonoros y las voces estaban mezcladas en la misma pista, con lo que habrán tenido que hacer la chapuza de meterle lo que buenamente encontraron en el soundtrack y efectos de sonido. Y no solamente se quedaron a gusto con esta cutrada, si no que además no acertaron ni una a la hora del doblaje, poniendo voces que no pegaban ni con cola a los personajes. No como en la versión original, en la que nos encontrábamos con gente de la talla de John Huston u Otto Preminger. Un año después se estrenaría la versión de El señor de los anillos de Bakshi y en el 80 el tándem Bass/Rankin volverían a la carga lanzando El retorno del rey otra vez directamente para tv. Pero eso ya son otras historias.
Recuerdo que cuando era pequeño una peli de superhéroes era lo máximo, entre otras cosas porque había pocas y la mayoría malas y/o cutres. Ahí están los telefilms de Spidermany Hulk, o las cutradas en su máximo esplendor como Batwoman de Cardona o la innombrable de Piquer Simón. O sea, que a excepción de Superman y, si me apuras, Flash Gordon todo el género olía a mierda. Hasta que un día en la estantería del videoclub veías una de esos estuches blancos de la Disney con un cuadrado en medio donde salía una foto con el logo mega-superheroico-patriotico-dorado de Condorman y al personaje en cuestión con las alas extendidas en la azotea de algún edificio. "¡Madre de Dios! Esto tiene que ser la polla", debí pensar. Así que la alquilamos y comenzamos con unos títulos de crédito bastante chulos con la música de Mancini -la cosa promete- y ochenta y tantos minutos después, fin. Y es que la peli es una buena mierda, para no desentonar con el resto del género que se hacía en aquella época. Creo que el principal fallo de Condorman es que nos la vendían como una peli de superhéroes, cuando no es nada de eso. Es simplemente una versión de James Bond pasado por el turmix de Disney donde un dibujante de cómics, obsesionado con probar todos los cachivaches que dibuja para darle verisimilitud a sus historietas, es requerido por un amigo agente de la CIA que le pide que entregue unos documentos secretos. El dibujante, que es bastante payasete, se acaba metiendo en un lío de espionaje internacional. Y culpa de pensarnos que es una peli de superhéroes es el no respetar el título original de la novela en la que está basada, The game of X (aquí editada como El agente X en acción), escrita a mediados de los 60 por un experto de la ciencia ficción como Robert Sheckley, de sus libros o relatos han salido películas como La víctima número 10 o Freejack: sin identidad. Curiosamente Sheckley acabó haciendo la novelización de Condorman. Y aparte del libro aparecieron comics con las aventuras del protagonista, que a día de hoy están buscadísimos.
Las joyas de la corona de Disney
Como decía antes esto es una peli de James Bond en plan chistoso: los personajes que viajan por varios países, salen vehículos cuanto más extraños mejor, hay romance y supuestas escenas de efectos especiales. Escenas que son de auténtica abominación, donde se notan a leguas las pantallas azules o los cables que sujetan a Condorman, por no hablar de la escena que caen de un telesilla que se ven unos muñecos la mar de tristes. Otro de los problemas de la película es su director, Charles Jarrot. ¿Había un director menos indicado para un producto de estas características? Rotundamente no. Este inglés, que lo único que había hecho son episodios de series para televisión, no pegaba no con cola en una peli que tenía que ser de lo más movida y llena de momentos de acción. Además de ser demasiado mayor y pertenecer a una época en la que no se trabajaba con efectos y demás. Y los actores tampoco eran de estar por casa: Michael Crawford que, no nos engañemos, está fatal repitiendo todos los tics de aquella serie que hizo, Ni ha que neixen estrellats (Some Mothers Do 'Ave 'Em), la guapa de Barbara Carrera, Oliver Reed, haciendo de malo, Dana Elcar (el jefe de MacGyver) y James Hampton (el padre de Michael J. Fox en Teen Wolf). Como es habitual en estos casos la peli fue un fracaso de taquilla y bien merecido. ¿Hay algo peor que una peli de acción sin un mínimo de épica y emoción (por mucho que se empeñe Mancini con su banda sonora)? Seguro que más de uno la recuerda con nostalgia (sobre todo su escena más recordada: la del Condormobil saliendo por debajo de una camioneta), pues mejor recordarla así y no sufrir su visionado.
¡Con todos ustedes Lina Morgan!
