Aratz, one step beyond

Las aventuras secretas de Tom Thumb

2012-01-26T12:04:00.001+01:00

Película que vendría ser una revisión del cuento de Pulgarcito (para los anglosajones Tom Thumb), donde un matrimonio tiene un hijo diminuto, con más pinta de feto que otra cosa (explicado en la película pero que dejaré en el aire para sorpresa del posible espectador), que acaba siendo capturado por unos científicos que quieren experimentar con él.

Toda esta historia está ambientada en un mundo oscuro y onírico, pero a la vez melancólico y recargado, que mezcla una estética anacrónica de los 70 con seres mecánicos surgidos de una (ficticia) futura revolución industrial. Sin duda de aquí sacaron mucha inspiración Caro y Jeunet para La ciudad de los niños perdidos; hasta me atrevería decir que la banda sonora de Badalamenti también bebe de ahí.

Recuerdo que la primera vez que leí algo sobre este film fue en la extinta Fantastic Magazine. Sobre todo me llamó la atención una fotografía (se puede ver abajo), donde había un detalle absurdo y fabuloso al mismo tiempo, que acaba teniendo cabida gracias al final del film: un crucifijo en el que la figura de Cristo había sido sustituida con un Papa Noel con cara de tristeza.
Finalmente el film fue lanzado en vídeo por Manga Films bajo su sello Strong video. Seguramente animados por la cantidad de premios (entre ellos el de mejor director en Sitges'93) que obtuvo el film en festivales, dándole bastante fama.

Film facturado por Bolexbrothers, estudio independiente de animación creado a principios de los 90 en Inglaterra. Especializado en la técnica stop motion, su trabajo se centraba especialmente en el mundo de la publicidad y los cortometrajes.
Es en este campo de los cortos es donde realizaron Tom Thumb en 1992, que, pese a ser rechazado por la BBC por ser excesivamente tétrico para ser emitido en la programación navideña, tuvo tal éxito en festivales que, un año después, se convirtió en un largo de escasos 60 minutos producido por la misma BBC.
Este film combina la stop motion con la pixilación (pixilation), una técnica usada para mover personas fotograma a fotograma, dándoles el mismo estilo que la stop motion.

Las aventuras secretas de Tom Thumb es un film difícil aunque solamente dure una escasa hora. Pese a contar una historia que no deja de ser el cuento de Pulgarcito de toda la vida y además en stop motion, no es un film para niños. Excesivamente oscuro, grotesco y horripilante, con unos personajes, sobre todos los humanos, que acaban siendo los más repugnantes, demasiado grand guignol y que ni siquiera hablan, si no que emiten una especie de gruñidos; con un pueblo decadente por el que se pasean bichos por las paredes constantemente.
Demasiado especial para cualquier paladar, cosa que hace que los que lo sepan saborear lo valoren y aprecien más.

La pandilla basura

2012-01-24T11:04:00.002+01:00

No sé si todavía se hará, pero me acuerdo que de chinorri había días que uno salía del colegio y veía una aglomeración de gentío poco habitual. Un adulto rodeado de mocosos encolerizados con los ojos fuera de órbita solamente podía significar una cosa: estaban repartiendo cromos y álbumes de alguna nueva colección.
Que maravillosa campaña de marketing tenían montada los señores de Panini y compañía, enganchar a todos los críos del mismo colegio a la vez, así al día siguiente todos querrán hacérsela porque el amiguito de turno también se la hace. Poco les debía importar regalar los álbumes (ya sabéis, la primera vez siempre es gratis), ellos sabían que el negocio estaba en los cromos (igual que ahora, que venden las consolas por debajo de su precio, porque saben que la panoja sale de juegos y periféricos).
Por mis manos cayeron la archiconocida Monstruos (¡la primera que conseguí completar!), Caricaturas 22, Marcamanía (una colección hoy en día impensable. ¿Cromos con los logos de las multinacionales más rastreras del paneta? ¡Anda ya!), Efectos especiales (otra cosa que hoy en día no tendría cabida) o las clásicas de coches o de fútbol. Luego estaban las de Danone o Bollycao con las caricaturas de futbolistas y los Toi a la cabeza, pero esos son de otra liga.
La de La pandilla basura también cayó (si hasta los daban con la Superpop), pero a mí esos monigotes grotescos nunca acabaron de apasionarme. Tal era mi desazón que ni el día que descubrí la película, perdida en una de esas estanterías donde criaban malvas las cintas de terror sin ningún tipo de interés, me emocionó especialmente.

Garbage pail kids, en su nombre original, fueron lanzados por la compañía Topps en 1985. Realmente una parodia de las Cabbage Patch Kids, aquí más conocidas como las muñecas repollo. Este hecho hizo que Coleco, la fabricante de las muñecas, demandara a Topps, consigiuendo que estos rediseñaran los cromos para que no fuese tan parecidos a las muñecas.

El éxito de los cromos hizo que en 1987 apareciera una serie de animación. Pero sus 13 episodios nunca fueron emitidos en los USA (hasta hace 6 años que aparecieron en DVD) debido a presiones de la Action for Children's Television, pero en cambio se emitió en otros países, entre ellos Spain (Tv3 la pasó bajo el título de La colla de la Brossa).

En ese mismo 1987 apareció la película que nos ocupa. Producida a medias entre la compañía creadora, Toops, y Atlantic Entertainment Group, productora de la saga Teen Wolf.
Si hoy en día se hacen películas de lo que sea, en la época era algo rarísimo y más una basada en unos cromos. Y si además esos cromos son simplemente una ilustración de un niño haciendo guarradas difícil era sacar de ahí una historia para llenar 90 minutos.
Al final todo se reducía a una historia juvenil de un naif que tira para atrás. Aquí se deja entrever que la procedencia de los personajes es extraterrestre y su cubo de basura vendría a ser su nave espacial. Por alguna razón que el film no explica (falta de money, desinterés/incompetencia del director o todo a la vez), acaban en una tienda de antigüedades. La cuestión es que los monstruitos se hacen colegas del ayudante del anticuario, un chavalín que no tendrá más de 13 años y parece el hermano pequeño de Michael J. Fox, al que ayudarán para que se ligue a una chica que debe tener, si es que no los supera, la veintena. Con lo que todo queda muy bizarro y pederasta.
Y como todo eso no es capaz de llenar una hora y media, entre medio tenemos a la pandilla basura haciendo trastadas en un bar de moteros, en un cine (que es más pequeño que el salón de mi casa) y hasta haciendo un número musical.

En un primer momento se pensó en John Carl Buechler (director de Troll y Viernes 13: VII, pero que tiene más currículum en tareas de efectos especiales) como director, pero su intención era hacer una película de terror, con lo que quedó descartado pues la intención era hacer algo más para todos los públicos. Aun y así, Buechler se encargó de los maquillajes.
Finalmente la dirección acabó en manos del productor Rod Amateu, que también acabaría encargándose del guión. Este señor tiene una filmografía bastante lastimosa, donde destaca un montón de series para televisión.

La pandilla basura es mala, muy mala, terríblemente mala. La escasez de medios es alarmante, abocándola irremediablemente a la serie Z. El millón y medio que se gastaron no daba para más. Todo ello rebozado con una estética ochentera. Pero la mala, la de los pelos cardados, ropa con mucha purpurina, al estilo de Jem y los hologra mas. Y podría seguir con escenas que de un plano pasamos a ser de día a de noche, música de teclado Casio, dobles en la escena de la pelea que cantan al máximo, un doblaje espantoso (por ahí anda José Carabias) o la incapacidad de su director por hacer algo medianamnete simpático (los primeros minutos no acabamos de ver del todo a los miembros de la pandilla basura y en lugar de sacarse un plano chanante, para mostrarlos en todo su esplendor, los saca de cuerpo presente de cualquier manera. Muy triste.

De lo poco que se puede salvar del film son los títulos de crédito, que recrean los cromos originales; pero por lo demás es demasiado espantosa. Tan mala que merece un visionado para poder creerlo.

Entre tomas (VI)

2012-01-22T12:14:00.000+01:00

John Phillip Law y Mario Bava

A finales de los 30 nació John Phillip Law, hijo de un sheriff llamado John Law (Juan Ley). Siendo un bebé ya hizo sus pinitos en el cine, pero no fue hasta su estancia en la universidad, mientras estudiaba psicología, que decidió matricularse en interpretación con el simple propósito de librarse de su gran timidez.

No fue hasta después de algunos papeles como extra y algunas obras de teatro que haría su primer papel importante en Hollywood con ¡Que vienen los rusos! Después se incorporaría al rodaje de La noche deseada de Otto Preminger, donde coincidiría con Jane Fonda, la que le recomendó a Roger Vadim para su nueva película, Barbarella. Pero el retraso de su filmación hizo que acabara fichando por otro film del productor Dino De Laurentiis, Diabolik. Ambas rodadas en Italia, con lo que Phillip Law acabó viviendo en la mansión de la pareja Fonda y Vadim, donde se dice que hubo bacanales para parar un tren como él mismo recordaba: "Celebraban orgías con gente llegada de todas partes. Vadim me insinuó que le gustaría verme haciendo cosas con Jane (Fonda). Pero las orgías no me acabaron de gustar, me sentía incomodo."
Apunto estuvo de convertirse en uno de los grandes en Hollywood, pero las dos películas que lo tenían que catapultar (Diabolik & Barbarella) no funcionaron, a eso hay que añadirle que rechazó participar en dos films que le podían haber dado un vuelco a su carrera: Easy Rider (En busca de mi destino) y Cowboy de medianoche. Aunque él siempre dijo que "nunca quise ser una estrella sino un actor, que no es lo mismo".

Pero pese a ese culto, entrados los 70 hasta el 2008, año en el que murió, se movió (salvo alguna excepción como El viaje fantástico de Simbad) básicamente entre la serie B y la Z. Films (muchos italianos) que en su mayoría eran puramente alimenticios: Striker de Castellari, Alienator de Olen Ray o La maldición del 49 de John Carl Buechler.

Pero aunque no llegó a lo más alto hoy en día a se le tiene como un actor de culto, "porque soy el protagonista de tres películas de culto, Diabolik, Barbarella y El viaje fantástico de Simbad. He rodado más de sesenta películas, pero siempre se me recuerda y rinde homenaje por estas tres."

El misterio de la dama blanca

2012-01-19T12:04:00.001+01:00

Clasicista película de fantasmas que piden ayuda. Esta vez enmarcada en un pequeño pueblo americano de principios de los 60, donde el racismo sigue latente. El protagonista, un chavalín de 10 años, víctima de una gamberrada de sus compañeros, se queda encerrado la noche de halloween en la escuela. Allí presenciará la aparición del fantasma de una niña que fue asesinada años atrás. En medio de este susto será sorprendido por un hombre que lo atacará, dándolo por muerto. Una vez pasados estos acontecimientos el chico tendrá que descubrir qué pasó con la niña y quien es esa figura que le ha intentado matar.

Dirigida por Frank LaLoggia, que aquí ejerce de hombre para todo componiendo la banda sonora, produciendo, guionizando y dirigiendo. Y ya sabemos que el que mucho abarca... Aunque, todo hay que decirlo, su banda sonora es soberbia.
Entre los actores tenemos al protagonista, un Lukas Haas que seguía aprovechando la fama que Único testigo le había dado 3 años atrás, y que le da al personaje ese tono de fragilidad que le va estupendo al papel.
Y poco más, si todo caso destacar a Jared Rushton, el amigo de Tom Hanks en Big o uno de los protagonistas de Cariño, he encogido a los niños.

El principal problema del film es que, al igual que su director, intenta abarcar demasiado: películas de fantasmas, cine costumbrista con esa familia italiana, investigación, toques humorísticos y crítica social. Todos esos elementos hacen que la duración se eleve en demasía (2 horas) y que el ritmo sea una montaña rusa que sube y baja constantemente; donde lo que nos mantiene enganchados es todo lo que respecta al misterio de fantasmas y asesinos.
Además de contar con unos efectos especiales (básicamente cromas) que son realmente infectos, incluso para ser un film de 1988.

Aun y así merece la pena darle una oportunidad y catar el sabor añejo del que hace gala, con esa estética tan de la época (la escena de la fiesta de halloween en el colegio seguro que fue tenida muy en cuenta en la estupenda Truco o trato unas décadas después) y una magnífica fotografía.
La película pasó totalmente inadvertida en la taquilla americana, apenas recaudó menos de 2 millones de dólares, y eso que costó 5. Seguramente ese pseudofracaso, entre otras cosas, le ha ayudado a tener un pequeño culto.

Blancanieves. La verdadera historia

2012-01-17T12:14:00.002+01:00

Aunque pueda parecer que ahora han descubierto que de los cuentos clásicos se le puede sacar una lectura adulta y se están apresurando a sacar películas del estilo. El año pasado teníamos una muy mediocre Caperucita roja (¿A quién tienes miedo?) y actualmente se están ultimando dos proyectos demasiado parecidos (algo así como cuando teníamos aquellos duelos de Robin Hood, príncipe de los ladrones vs Robin Hodd, el magnífico o Cristobal Colón. El descubrimiento vs 1492. La conquista del paraíso) Blancanieves (Mirror, mirror) y Blancanieves, la leyenda del cazador con Julia Roberts y Charlize Theron haciendo de malas. Aunque el proyecto que más promete es el de Malefica con Angelina Jolie, que tenía que haber dirigido Tim Burton y ahora dicen que acabará en manos del debutante Robert Stromberg.

La cuestión es que estas relecturas ya hace tiempo que se vienen haciendo. Sin ir más lejos La Blancanieves de Disney es aterradora para tratarse de un film de animación para niños, al igual que otras muchas películas de la factoría. En imagen real hay varias versiones, pero de las más valientes tenemos a En compañía de lobos (guardemonos la Blancanieves de Luca Damiano). Y ya a mediados de los 90 nos encontramos en las estanterías del videoclub esta Blancanieves. La verdadera historia (Snow white. A tale of terror).

La historia no hace falta contarla porque la conocemos de sobra, aunque aquí tenemos algunas diferencias. Las más llamativas es que aquí el encargado de asesinar a Blancanieves no es un sicario de la madrastra, si no el hermano de esta, un tipo mudo y amigo de los trucos de ilusionismo. Los enanitos aquí no son tales (bueno, realmente sí hay un enanito), son presos condenados a excavar en las minas. Idea que recicló el grupo Rammstein para el videoclip de Sonne.

Pero sin duda lo más llamativo es la madrastra, que deja de ser una bruja amiga de la magia negra para ser una mujer un poquito cabronceta (sólo un poco) que acaba volviéndose loca por culpa del trauma post parto, con lo que la pobre no es más que una pobre víctima enloquecida.
Por supuesto que para un papel tan goloso, que no deja de ser la protagonista absoluta, había que contar con una actriz de carácter, y para ello nadie mejor que Sigourney Weaver. Sin duda lo mejor del telefilm. Porque sí, estamos ante un telefilm puro y duro, pero con bastantes medios. Rodado en Praga y con casi 30 millones de dólares de presupuesto, el asunto no canta en exceso, luce un aspecto que ya quisieran bastantes películas estrenadas en cines. Quizá, y por ponerle un puntito negativo en su acabado visual, algún efecto infográfico, como los pájaros que rodean a un catalépsica Blancanieves o un fuego que aparece al final. Pero como estamos a mediados/finales de los 90 donde el tema estaba muy verde, se lo perdonamos.

En cuanto a la película como tal es otro cantar. Bastante aburridota, con partes mal explicadas como la relación de Blancanieves con los mineros; y en general bastante predecible todo el conjunto.
Al final, lo mejor S. Weaver, of course; porque el resto del cast es bastante desangelado con un Sam Neil poco menos que perdido y una tal Monica Keena haciendo de una Blancanieves con menos personalidad que un berberecho.

Entre tomas (V)

2012-01-15T16:14:00.006+01:00

Hay binomios en el cine que son inseparables. De la misma manera que hay un Hitchcock/Herrmann, un Cronenberg/Shore o un Burton/Elfman, la filmografía de David Lynch no se podría entender sin Angelo Badalamenti.
Este señor con nombre de filósofo griego comenzó en la filmografía del director con Blue velvet, a partir de ahí se ha encargado de la mayoría de su filmografía: Corazón salvaje, Carretera perdida o Mullholand Drive, donde hizo un pequeño papel como el tipo que escupe el café.
Aunque curiosamente su trabajo en el cine ha pasado bastante desapercibido cuando ha trabajado para otros directores: Pesadilla en Elm street 3, La ciudad de los niños perdidos, La playa o Cabin fever.

Lo que mucha gente no sabe es que Badalamenti colaboró en la composición de la música de los Juegos Olímpicos de Barcelona'92. Suyo es The tourch theme (The flaming arrow), el famoso tema que acompañó a Rebollo en el encendido del pebetero.
Ha colaborado con nombres del calibre de Pet Shop Boys, Anthrax o David Bowie. Pero seguramente el punto álgido de su carrera fue su trabajo en Twin Peaks, que vendió discos como churros. Sin duda debió ser toda una experiencia viendo como lo recuerda:

La batalla del planeta de los ewoks

2012-01-11T18:04:00.005+01:00

Muy bien le debió ir a George Lucas con el telefilm de los ewoks que un año después ya tenía preparada una segunda parte.

Aquí la acción se desarrolla justo después del primer film. La familia de humanos que se estrellaron en Endor tienen la nave reaparada y a punto para volver a su casa cuando el poblado ewok es asaltado por los marauders, que se cargan a todos los humanos menos a la hija pequeña, que se queda vagando por los bosques acompañada por su amigo ewok, Wicket, ya que el resto del poblado ha sido capturado y encencerrado en las mazmorras de Terak, una especie de rey para los marauders.

La batalla del planeta de los ewoks en general es un trabajo más redondo que su predecesora; la historia está algo más trabajada y nos encontramos con muchos más efectos especiales, básicamente stop motion y matte painting. Seguramente al amigo George le debió dar la neura y puso mucha más pasta para la realización, además de darle a la historia un puntito más adulto. Creo que todos los chavales que la vieron en su momento les dio mal rollo cuando a los 5 minutos de película toda la familia humana es aniquilada. Cierto que no se ve nada de forma gráfica, pero era bastante impactante.
Aunque, aun y así, no puede disimular su condición de telefilm. El castillo de los malos es más bien un salón-comedor de cartón piedra que dista mucho del castillo de un rey y aunque los maquillajes son bastante resultones alguno canta bastante, como el personaje de Teek, un bicho peludo que corre más que Flash.

En cuanto al reparto, igualito que la anterior entrega. Aubree Miller vuelve a repetir papel de clónica de Drew Barrymore y Warwick Davis es Wicket. Como nuevas incorporaciones destacar a Carel Struycken, más conocido como el mayordomo de La familia Addams o el gigante onírico de Twin Peaks, que vuelve hacer de personaje maquillado y feo; y a Wilford Brimley, el clásico abuelete que lo recordaremos por un montón de pelis, ha destacar Cocoon o la serie Walker, Texas Ranger. Pero más gracia nos hará que el padre de la protagonista ha sido sustituido por... redoble de tambor... ¡Paul Gleason! la eterna cara de las pelis de adolescentes de los 80. Y aunque en la portada lo veamos en plan chanante con su pistola láser no nos hagamos ilusiones, el pobre muere a los 10 minutos de película. Lo suficiente para que nos apiademos de él.

En la dirección nos encontramos a los hermanos Wheat, Jim y Ken, que luego se especializaron en guionizar secuelas como Pesadilla en Elm street 4, La mosca II o Los pájaros 2. Casi ná.

Al igual que su predecesora, para la edición en DVD le han hecho un lastimoso redoblaje y le han cambiado el título por Los Ewoks: la Lucha por Endor.
Por lo demás, una peli de aventurillas que no mata pero que tiene un bajón bastante gordo a mitad de metraje pero que luego se recupera un poco. Para completistas de Star wars, aunque me temo que estos pasarán bastante de ella.

La aventura de los ewoks

2012-01-10T17:44:00.002+01:00

Si el Tiburón de Spielberg fue el que creó el blockbuster veraniego en los USA, Star Wars fue quien, no sólo lo asentó, si no que también le dio un nuevo empaque gracias al merchandising.
Con la burrada de millones que sacó George Lucas, tanto con la original como con las secuelas, el universo Star Wars no paraba de expandirse.
Y una forma de seguir fue con esos spin of que tuvieron en forma animada con Los ewoks y Droids, pero antes hubo un telefilm de los ewooks.

Una familia estrella su nave en el planeta Endor. Los padres salen en busca de un transmisor cuando son capturados por un ser gigantesco llamado Gorax. Los hijos acaban siendo acogidos por una familia ewok, que harán una expedición en busca de los padres de los chicos.

Una de las cosas que siempre me había resultado curiosa es que durante su primera media hora la película casi parece un documental del National Geographic, ya que los ewoks hablan su propio idioma y nos enteramos de todo gracias a la voz en of de un narrador.

No debió tener suficiente el amigo Lucas con el famoso The Star Wars Holiday Special que decidió hacer esta aventura para la televisión, aunque a su favor hay que decir que aquí se involucró más y supervisó bastante, más que nada para evitar el sonrojo de su anterior aventura televisiva.
Si en los USA se estrenó a finales del 84 aquí tuvimos que esperar al verano de 1985, eso sí, estrenada por todo lo alto en cines. Incluso llegó aparecer un libro de la película en tapa dura (¡yo lo tuve!)

Foto del rodaje

El reparto es bastante más que anónimo. Se podría destacar a la niña Aubree Miller, que parece un clon de Drew Barrymore; y a la madre Fionnula Flanagan, que ahora nos acordaremos de ella por Los otros y Lost.
Y con los clásicos enanitos que siempre hacen de personajes maquillados hasta el cogote: Warkick Davis (Willow, Leprechaun), Debbie Lee Carrington (Desafío total) o Tony Cox (Yo, yo mismo e Irene, Bad santa).

Su director, John Korty, es un don nadie que ha dirigido tropecientos telefilms que, en su mayoría, aquí ni se habrán estrenado. Más curioso me parece que en tareas de diseño de producción tenemos a Joe Johnston, que acabó reciclado a director con Cariño, he encogido a los niños, Jumanji, Jurassic Park 3 o la nueva Capitán América.

La aventura de los ewoks (que para su pase televisivo se le añadió un espantoso redoblaje, además de cambiarle el título a Caravana del valor. Una aventura de los ewoks) cumple perfectamente su cometido de film de aventuras infantiles-juveniles. Ya sea con todos sus tics (un grupo ha de rescatar a alguien de un ser malvado y en su camino van encontrando nuevos aliados, cada cual con una cualidad determinada), con unos efectos especiales muy cuidados para el tipo de producto que es (lleno de stop motion, matte painting, perspectiva forzada) y otros más vergonzosos (la araña de plástico) y una gran banda sonora de Peter Bernstein que no se amedrenta ante la fanfarria de Williams.
Por contra tenemos a un actor protagonista que es para lincharlo, porque entre lo mal que lo hace y que su personaje es ya de por sí antipático se lleva la palma.
Como mínimo sabemos que en este telefilm George Lucas no pondrá su zarpa encima y ni hará añadidos digitales ni la restrenará en 3D.

La crisis aprieta

2012-01-05T18:04:00.000+01:00

Burlesque

2012-01-03T20:24:00.001+01:00

Ali es una chica que trabaja de camarera en un bar de carretera en medio de la nada más absoluta. La chica tiene una gran voz y se muda a Los Ángeles, buscando una oportunidad para triunfar.
En Los Ángeles se topa con el Burlesque, un pequeño teatro donde por las noches hay números musicales, regentado por Tess, una tipa que ha tenido épocas mejores y está hasta el cuello de facturas.

Creo que ha quedado mas que claro que Burlesque es el colmo de los tópicos de chica con trabajo de mala muerte quiere triunfar en el mundo del espectáculo y, a base de sudor y lágrimas (y corazones rotos), termina en los más alto. O sea, esquema argumental ultraplano, donde de A vamos a B, para pasar a C y así hasta completar los 120 minutos de metraje. Cada uno de los cuales estaremos pensando "ahora pasara esto", y pasa esto; "ahora pasara aquello otro" y, efectivamente, pasa aquello otro.

Pero ojo, que la peliculita no es un desastre. De la misma forma que es clásica en cuanto argumento, su realización es más que correcta, jugando con todos los topicazos que un cabaret del nuevo milenio puede dar de sí.

Los actores no son excesivamente estridentes, no así los personajes que interpretan. Christina Aguilera y Cher pasean palmito (y botox) mientras se cuela por en medio alguna bailarina jamona y el resorte cómico de Stanley Tucci, haciendo de gay que lanza puyas irónicas, nos da un respiro entre tanta nube de algodón.

El director es Steve Antin, que así dicho seguramente no nos suene nada; y si digo que ha dirigido Última sospecha 2, secuela lanzada directamente al mercado doméstico de un film con Leelee Sobieski y Diane Lane, seguirá sin sonarnos. Peeeero, si digo que el tipo también ha hecho de actor y que era aquel chaval que salía en Los goonies haciendo del pijín de Troy, que mientras conducía un descapotable le miraba las piernas a Andy y acababa empapado después que le reventase el wc, la cosa nos quedará más clara.
Al parecer el tal Antin es un pelín bujarrilla (se lo había montado con David Geffen años atrás) y aprovechando que estaba liado con Clint Culpepper, presidente de Screen Gems, le pidió a este que le produjese el guión que había escrito.
Luego el tema acabó como el rosario de la aurora porque el director se vio superado por una producción que le venía grande, y entre los retrasos y el aumento de presupuesto hasta los 50 millones de dólares la cosa no acabó muy bien.

El film se estrenó con bastante bombo y platillo en los USA, pero pasó bastante desapercibido, recaudando unos escasos 40 millones. Aunque luego duplicó eso en el resto del mundo, y a eso hay que añadirle que en DVD y Blu-Ray ha tenido bastante éxito.

Al final todo se reduce en un intento de hacer un Moulin rouge de serie B, con muchos menos medios e inventativa, aunque en espíritu está más cercana a los sonrojos argumentales de Flashdance.
Desde luego no es un film que vaya a crear escuela y mucho menos pasará a la historia del musical, pero se puede ver sin sufrir en exceso. Una mala tarde la tiene cualquiera.

Navidades negrísimas

2011-12-31T16:04:00.000+01:00

11-11-11

2011-12-29T21:04:00.001+01:00

Me encanta ver pelis que pasen en mi ciudad, Barcelona. Prefiero las que tienen un par de décadas, por aquello de recordar como era en mi niñez, pelis estilo La cripta, El ojo en la oscuridad... Aunque tampoco hago ascos a las que son más actuales, La tabla de flandes, Fausto 5.0 o el Faust de Brian Yuzna.

Es por esta razón que me llamaba 11-11-11. Y también, porqué no decirlo, por su director, Darren Lynn Bousman, que ha ido haciendo películas que en general he disfrutado, ya sea la genial Repo! The genetic opera o algunas entregas de la saga Saw.

Pero claro, cuando la peli tiene previsto estrenarse el viernes 11 de noviembre de 2011 (algo así como cuando estrenaron el remake de La profecía el 6 de junio del 2006) y de repente la distribuidora no sólo aplaza el estreno, si no que directamente la congelada en el limbo de las películas sin que se sepa que pasará con ella.

Por ahí se dice que el hecho que la hayan masacrado en los festivales por donde ha pasado tiene mucho que ver en el asunto. Posiblemente.

La historia va de un escritor de éxito que tiene terribles pesadillas con la muerte de su hijo y mujer, haciendo que se despierte siempre a las 11.11 h. El tipo viaja desde USA a Barcelona, ya que allí tiene a su hermano y su padre, que se está muriendo. Una vez en Barcelona a nuestro protagonista comienzan a sucederle extraños acontecimientos, todos ellos relacionados con el número 11.

No nos engañemos, el film es flojito, pero tampoco es lo peor que se ha filmado como se dice por ahí. Tiene su ambientación más que conseguida, e incluso los malos, pese a ser señores con careta, dan bastante mal rollo, sobre todo cuando los vemos muy de refilón.
El problema reside que el argumento está muy manido, con demasiados clichés, y el supuesto giro final nos deja totalmente fríos.

Para los que tengan curiosidad por ver como ha quedado Barcelona, mejor pasen de largo. Aunque aparece en todo el metraje (incluso al principio donde el prota tiene un accidente en USA, pero se nota descaradamente que es Barna), no está del todo explotada. Muchos planos de la Sagrada Familia, Plaza España, etc. cuando el protagonista llega a la ciudad, pero luego poquita cosa.

Me parece muy interesante que cuando los americanos ruedan aquí utilizando su códigos cinematográficos, no funcionan en absoluto. Es decir, si vemos a Eddie Murphy en Nueva York en coche y que justo cuando ha de bajar encuentra sitio y encima ni se molesta a cerrar el coche con llave, nos lo creemos. En cambio cuando cambiamos Nueva York por Barcelona, esa misma escena nos parece totalmente irreal.

Como suele pasar en estos casos nos encontramos algunos actores de la tierra, pero todos muy justitos, que serán más reconocidos para los que vean los culebrones del mediodía que para el público general.

Para pasar el rato ya nos vale, así que tampoco hay que masacrarla. Eso si alguna vez la estrenan, aunque pondría la mano en el fuego a que acaba saliendo directamente a DVD.

Los fantasmas atacan al jefe

2011-12-27T19:24:00.001+01:00

Uno todavía se sigue maravillando de la poca vergüenza de las distribuidoras. Vale que productoras pequeñas (y rancias) se quieran aprovechar de algún éxito de las grandes productoras o que las distribuidoras nacionales cambien el título original para sacar partido, como en su momento pasó con Tiburón 3. Y este el caso que nos ocupa, pero para más inri detrás de la jugada tenemos una multinacional como CIC Vídeo, que básicamente era la Paramount.

Aquí debieron pensar que no nos enteraríamos mucho con el títiulo original, Scrooged (nombre del protagonista del Cuento de Navidad de Dickens), y aprovechando que el Pisuerga pasa por Valladolid y que el mayor éxito de Bill Murray había sido Los cazafantasmas (de la que estaba a punto de estrenarse la secuela) pues le pusieron Los fantasmas atacan al jefe. A eso hay que añadirle la frase promocional en el cartel: "De Los cazafantasmas a Los fantasmas atacan al jefe, pero esta vez son 3 contra 1". Aunque hay que decir que en la peli recibe la visita de 4, pero bueno.

Quitando todas estas triquiñuelas publicitarias nos encontramos una revisión del Cuento de Navidad, esta vez ambientada en los 80, en un canal de televisión dirigido por un cabronazo que hace la vida imposible a sus trabajadores, con el "todo por la audiencia" por montera. Como esa escena donde emite un anuncio ultraviolento y una anciana muere al verlo y para su regocijo utiliza la muerte como publicidad. Evidentemente nos encontramos en fechas navideñas y el tipo ha de recibir una lección de la mano de unos fantasmillas.

Los fantasmas atacan al jefe es una (casi) joyita que tiene de todo: humor negro, dosis de género fantástico y una maravillosa banda sonora de un primerizo Danny Elfman.

Aquí me gustaría detenerme porque el caso de la banda sonora tuvo su miga. Elfman tenía muchas tablas gracias a su participación en el grupo Oingo Boingo, pero en cuanto a bandas sonoras estaba algo más verde, su primer trabajo en un film fue en La gran aventura de Pee Wee. Es por esa razón que tuvo que esforzarse para convencer a Richard Donner para que le escogiera para componer la banda sonora. El problema vino luego, cuando los productores dijeron que la banda sonora era demasiado tétrica (contiene muchos fragmentos que nos recuerdan a las de Pesadilla antes de Navidad y Batman returns) y al final se la recortaron mucho en el montaje final del film. Es más, el soundtrack nunca apareció publicado hasta hace poco, cuando la gente de La-la records sacó una de sus limitadísimas ediciones.

Así que si a la estupenda música de Elfman le añadimos un inspirado Richard Donner en la dirección, un reparto muy de la época (Murray, Karen Allen, Robert Mitchum, Bobcat Godthwait —el heavy de Loca academia de policia—, Michael J. Pollard —el chaval de Bonnie & Clyde o el de los inventos de Tango y Cash—, Lee Majors, Anne Ramsay —la mala de Los goonies—).

Pero no todo podía ser maravilloso. La cosa empieza muy bien con ese Papa Noel en medio de un tiroteo en el Polo Norte, o los anuncios de la programación que parecen un cruce de los de Permanezca en sintonía o Perseguido. Y por supuesto con la vena cabronza de Murray; hasta acepto algún tinte de lágrima fácil cuando viaja la pasado o la historieta del chaval que no habla. Pero cuando llegamos al final... ¡ay, señor Donner! como se nos vio el plumero. Cuando llegamos al final se nos caen los cojones al suelo con una escena que tira por tierra todo el trabajo hecho para imponer un final made in USA.

Así que si queremos disfrutar de este film es mejor darle al stop 15 minutos antes de su finalización o cambiar de canal para ver el teletienda, donde siempre hay cosas útiles en las que gastarnos el money.

Entre tomas (IV)

2011-12-25T21:04:00.001+01:00

Brian de Palma y Pacino en el rodaje de El precio del poder

Mi primer contacto con Brian de Palma fue en el lejano 1990, cuando en Noche de lobos emitieron Hermanas. Peli que ni me dio miedo, ni me gusto en exceso. ¿Qué quieren? Tenía 10 añitos. En aquella época si una peli de terror no tenía monstruitos o espíritus, dificílmente me iba a ganar.
Fue precisamente Hermanas la película que hizo que el nombre de Palma comenzara a ser conocido y con la que se le colocó la etiqueta de director hitchconiano. A partir de ahí encadenó éxitos y fracasos, pero que en su mayoría quedan en los anales del cine: El fantasma del Paraíso, Carrie, Vestida para matar, El precio del poder, Los intocables de Elliot Ness, Misión imposible... es un no acabar.

Con una infacia difícil, donde siempre estaba en competición con su hermano mayor y fue el detonante para que sus padres acabaran divorciandose, rodó Una familia de locos (Home movies, 1980), un film que contenía altos tintes biográficos y que en parte fue financiado por Spielberg y George Lucas. La película era un proyecto de los estudiantes a los que impartía clase en el Sarah Lawrence College, en los que ajuntó a alumnos con actores profesionales (Nancy Allen, Kirk Douglas, Gerrit Graham...). Aunque pese a esos tintes biográficos el director siempre ha dicho que "el cine es la mentira venticuatro veces por segundo".

Tipo difícil (Michael Caine decía que el mayor elogio que era capaz de hacer en un rodaje era "la toma vale") que forma parte de la misma generación que Spielberg, George Lucas y Coppola, pero a diferencia de ellos ni ha creado su productora, ni nunca ha estado considerado un director de éxito asegurado. Como él mismo dijo "uno solamente puede llamarse director si ha sido capaz de llevar a la quiebra a una productora".

Muertos de risa

2011-12-22T21:04:00.001+01:00

Después de ver el último moco reseco que ha parido Álex de la Iglesia (que seguramente habrá sido más divertido el rodaje que lo finalmente editado) para vender mortadela y fiambre, estaría muy bien recuperar esa pequeña joya del humor negro y bilis que tiene en su filmografía.

La idea del film nació en la época de El día de la Bestia, pero el proyecto cobró vida mientras el director vasco esperaba que David Newman (Bonnie & Clyde, Superman) le reescribiera el guión de su famosa La máscara de Fu-manchú que nunca llegó a realizarse.
En un principio la idea era que los protagonistas fueran Esteso y Pajares, este segundo llegó a tener varias conversaciones con de la Iglesia, pero al final no se sabe muy bien porqué la cosa no cuajó y se acabó fichando a El Gran Wyoming y Santiago Segura. Quizá porque el primero estaba bastante de moda gracias al Caiga quien caiga y el segundo acababa de tener el pelotazo de Torrente.

Personalmente no soy un fan del director de Balada triste de trompeta, pero por lo general sus películas me llaman porque tienen un toque que no se encuentra en el resto de producciones de este país. A excepción de Perdita durango y Los crímenes de Oxford (precisamente sus películas más internacionales y que me parecen sus peores obras), de todas sus películas encuentro grandes detalles. Otra cosa es que su filmo esté repleta del "efecto de la Iglesia", es decir, películas que empiezan francamente bien pero que no acaban de rematar la faena y acaban mal. Ahí tenemos 800 balas o Crimen ferpecto, que conforme avanza el metraje se desinflan alarmantemente.

El film trata la historia de un chulito de discoteca y un pobre imitador de Nino Bravo que, casi sin quererlo, se convierten en la pareja cómica de las españas de los 70. Todo un viaje temporal hasta los 90 que no deja de ser una excusa para retratar las miserias de la envidia, el odio y la falsedad del ser humano.

Muertos de risa me parece una joya a reivindicar. Toda ella está lleno de un humor soterrado e histérico, aderezado con un reparto lleno de caras conocidas: Jesús Bonilla, un gran Álex Angulo, Eduardo Gómez antes del subidón de Aquí no hay quien viva (aunque yo soy más de La que se avecina), Sancho Gracia o José María Íñigo, entre otros; además de los mentados Segura & Wyoming.

En su contra hay que achacarle un síndrome Forrest Gump, con esa obsesión de hacer que los protagonistas estén metidos en los fregados importantes de la historia moderna de este país (el golpe de Estado, las Olimpiadas...).

Aunque se suele catalogar como un traspiés, Muertos de risa recaudó mucho dinero (más del doble de los 3,5 millones de euros que costó), demasiado como para considerarla un fracaso. Seguramente el público en general esperaba un comedia al uso, algo mucho más cercano a Torrente. Yo mismo viví en mis carnes como era salir del cine y el personal echando pestes porque aquello no era lo que esperaban.
Sin duda, ese público no estaba preparado para encontrase lo que vieron en pantalla, humor más negro que las maracas de Machín. Bravo por Álex.

Supergirl

2011-12-20T18:44:00.003+01:00

El rival femenino de Superman, cágate lorito

A mediados de los 80 la franquicia de Superman comenzaba a dar síntomas que la fórmula se agotaba, al menos en taquilla, donde los millones recaudados iban menguando de forma alarmante. Así que es lógico que se buscaran nuevas vías para seguir explotando el cómic de Siegel y Shuster.

La más lógica era tirar por un spin off protagonizado por otros personajes, y ¿qué era más lógico que buscar el target femenino con Supergirl?

Así que tenemos al productor de Superman ofreciendo cheques a todas las estrellas de Hollywood para que pusieran el careto en esta nueva película. Al final se tuvo que contentar (que no es poco) con Faye Dunaway como la mala de la función, Mia Farrow como madre de Supergirl y un pequeño papel de Peter O'Toole haciendo de no se sabe muy bien qué. Y como suele pasar en estos casos, el papel protagonista acabó en manos de una debutante, Helen Slater, que luego la veríamos en El secreto de mi éxito o en 12:01. Testigo del tiempo, un telefilm de culto con viajes temporales de la mano de Jack Sholder.

Ya sabemos como va esto de los cómics. Muchas sagas, universos paralelos, spin off... vamos, que que llega un momento que saber si han sido respetuosos con el personaje es casi un milagro.

Aquí nos encontramos una civilización que viven Argon City. Dicha ciudad son los restos de Krypton después de su destrucción. Allí tenemos a Kara, la prima de Kal-El, alias Superman, que vive happy flowers de la vida.

Al igual que en Gnomo cop, la ciudad se mantiene con vida gracias a unas esferas de energía que, casualmente, una de ellas es arrojada por Kara, atravesando el manto (para entendernos, un plástico transparente) que rodea la ciudad. Así que ya tenemos a Kara montada en una cápsula detrás de las esferas. Evidentemente la chica acabará en la Tierra, adoptando la falsa identidad de una mosquita muerta llamada Linda Lee, que vive en un internado femenino y (¡bendita casualidad!) comparte habitación con Lucy Lane, hermana de Lois. Pero mientras no lleva un pelucón moreno y uniforme de Escolapios se dedica a combatir el mal bajo los rasgos de Supergirl.

Enseñando muslamen

Supergirl fue un fracaso que, según algunas fuentes, fue debido a su distribución, ya que primero se estrenó en Europa y Asia para luego hacerlo en los USA, con lo que ya hacía tiempo que circulaban copias piratas. Sí amiguitos, la copias alegales/ilegales/piratas o como queráis llamarlas llevan mucho tiempo entre nosotros.

Y al igual que en Catwoman, donde no solo comparten fracaso económico (apenas recaudó la mitad de los 30 millones que costó), detrás de la cámara tenemos un director curioso: Jeannot Swarc, que comenzó rodando en televisión para dar el salto al mainstream con Tiburón 2 y En algún lugar del tiempo, peli de viajes en el tiempo, pero con un romanticismo baboso hasta decir basta, con Christopher Reeve y guión de Richard Matheson; y que, curiosamente, acabó otra vez en la tele, dirigiendo capítulos para, entre otras, Smallville.

Decir que Supergirl es mala sería ser demasiado cruel, juega algunas divisiones por encima de Catwoman. El film de Jeannot Swarc funciona más (y mejor) como divertimento psicotrópico, bastante más cercano a locuras sin pies ni cabeza como Barbarella o los Spiderman de Nicholas Hammon.

Con unos efectos que dejaremos como resultones, hay cositas conseguidas y otras no tanto (sobre todo los cromas y algunos decorados cartón piedra), pero que tienen un encanto de lo artesanal.

Todo ello bajo un guión esperpéntico, absurdo y que a veces es hasta sonrojante, que quiere ofrecer más de lo que el presupuesto y los medios de la época daban de sí; obra de David Odell, que acabó escribiendo los de Cristal oscuro y Masters del Universo.

Años después apareció un Director's cut que incluía media hora más. Recordemos que la versión estrenada ya nos llevaba hasta las dos horazas. Así que no sé quien es el guapo que se quedaría con ganas de más.

Entre tomas (III)

2011-12-18T19:44:00.002+01:00

Michael Jackson, antes de ser blanco, y John Landis

De niño es fácil tener miedo de muchas cosas, la imaginación hace malas pasadas y una chaqueta colgada en el perchero durante la oscuridad de la noche puede adoptar mil formas, a cada cual más horripilante. Pero si algo me daba pavor de niño era la transformación de Michael Jackson en el videoclip Thriller. No había nada más eficaz para que me comportase y dejase de hacer trastadas que la amenaza de poner en el vídeo el clip. Aquello no me asustaba, eso es decir poco, me acojonaba como pocas cosas. Seguramente porque el hombre lobo era el monstruo que me daba más respeto. Pero esta transformación tenía un plus. La gran mayoría piensa que era un hombre lobo, pero no, realmente era un hombre pantera.

Tal fue el grado de éxito del clip que se llegó a lanzar en vídeo una cinta con el clip integro (14 minutazos) y un making of, algo fuera de lo normal en nuestro virginal mercado videográfico.

La gente se acuerda de la coreografía de los zombis, pero a mi me daba canguelo ese principio con el homenaje a las clásicas series B de monstruos. Por eso siempre me cagaré en las muelas de John Landis y Rick Baker, por hacer las cosas demasiado bien y amargarme las noches de luna llena.

Catwoman

2011-12-15T18:44:00.001+01:00

Habiendo visto las Catwoman de Julie Newmar, Eartha Kitt y Michelle Pfeiffer (no nos olvidemos que Adrianne Barbeau le puso la voz en la serie animada de los 90) ya nos podemos hacer una idea de lo delicado que es interpretar el personaje. La línea que separa lo correcto a la vergüenza ajena es finísima.

Ya desde el estreno de Batman Returns salió la noticia de una película que la protagonista absoluta fuera Catwoman, nada de hombre murciélago, ni chicos mandarina.
Todo ello bajo la batuta de Tim Burton, que había quedado encantado con el personaje, y, por supuesto, Michelle Pfeiffer, que al parecer tenía un contrato firmado, bajo los rasgos de la mujer gato.
El tiempo fue pasando y de la película nunca más se supo. Quizá porque Burton acabó escaldado de todo lo que oliera a Gotham City después de los palos que le dieron, porque prefirió hacer otros films o simplemente la Warner no estaba por la labor.

Curiosamente han tenido que pasar la friolera de casi 20 años para que Burton y Pfeiffer volvieran a trabajar juntos en la todavía no estrenada Dark Shadows.

La cuestión es que mas de diez años después apareció la película de Catwoman, que, al parecer, contó con el estratosférico número de 30 guionistas, aunque al final sólo hay 4 acreditados de forma oficial.
El "afortunado" que se convirtió en director del entuerto fue Pitof (Jean-Christophe Comar). Una elección cuanto menos curiosa, ya que el francés era más conocido por haber estado detrás de los efectos especiales de los films de Jeunet y Caro, y solamente contaba con una película como director, la infravalorada Vidocq.
El director, en cuanto leyó el guión presentó a la Warner una versión alternativa, pero la productora la rechazó por ser demasiado personal y poco comercial.

Para protagonizar el film se contó con una Halle Berry (que personalmente nunca la he visto muy adecuada para el papel) en alza después de ganar un Oscar, y como contrincante usaron la clásica estratagema de poner un cara de primera fila, Sharon Stone.

Si todos estos elementos ya hacían presagiar que las cosas no iban por el buen camino la cosa acabó de explotar cuando aparecieron por la red los diseños del traje de Catwoman. Todo el mundo coincidía, eso era un fake. Aquellos atuendos parecían más propios de una sesión de sadomaso que le traje de un personaje de cómic.
Catwoman fue vapuleada por la crítica (y con razón) y por el público (con más razón aun, que estos han de pagar), cosechando un fracaso en taquilla que le impidió recuperar los 100 millones de dólares de presupuesto.

Antes comentaba lo delicado que es el personaje, es muy fácil pasarse de la raya. Y es justamente eso lo que hace Berry, pasarse pero bien pasada.
A la película le llovieron premios Golden Raspberry (los anti Oscar), con la peculiaridad que Berry lo recogió in person, eso sí, criticando a su representante: "la próxima vez, asegurate de leer primero el libreto”. Ni que ella no tuviera ojos para hacerlo.

Cualquier parecido con universo Batman y este film es puramente anecdótico. Nada, absolutamente nada tiene del cómic. O lo que s lo mismo, como coger el nombre de alguna obra conocida y hacer una película que no tenga nada que ver salvo el título y poco más. Algo así como aquel Spiderman setentero, pero a este se le perdona porque ni tenían presupuesto ni había los medios para hacer algo con cara y ojos.

Catwoman es mala, muy mala. Con momentos que causan auténtica vergüenza ajena, montones de planos ultra rápidos de la ciudad, efectos terriblemente malos, una actriz que es para darle con un calcetín sucio y una historia plana hasta decir basta. Ni siquiera el clásico recurso de agarrarse al malo de turno como un clavo ardiendo nos servirá de salvavidas, porque Sharon Stone sale muy guapa pero tampoco se le ve muy motivada salvo por coger el cheque. Y eso que su personaje tenía ciertos ramalazos de Clayface.
La única forma de aguantar un pase en la tele es un domingo al mediodía mientras hacemos la siesta, y con el volumen bajito.

El enigma de Jerusalén

2011-12-13T18:44:00.004+01:00

En unas excavaciones cercanas a Jerusalén se encuentra el cuerpo de un hombre que data de 2.000 mil años atrás, con el detalle que lleva empastes. Y para más sorpresa junto a él encuentran el manual de una videocámara que todavía no se ha fabricado.

Viendo esta sinopsis, sin duda, uno puede sentirse atraído por esta película de procedencia alemana, el problema es que con semejante potencial se desaprovecha todo lo bueno para acabar con un lío morrocotudo, malos que luego no son malos y malos que luego siguen siendo malos, y un montón de persecuciones que no nos interesan, alargándolo todo hasta la extenuación.

Este telfilm de 3 horazas, que se dice pronto, esta basado en el best seller El vídeo de Jesús, de Andreas Eschbach, que seguramente ya sabría de la existencia del Caballo de Troya de J.J. Benitez. No he leído el libro en el que se basa, pero informándonos un poco enseguida encontraremos que este telefilm se pasa por el forro gran parte de su argumento.

Sin duda el handicap de la obra es su condición de telefilm o miniserie de 3 horas. Si lo hubieran dejado a 90 minutos o dos horas estaríamos ante algo bastante mejor, que igual no sería ninguna obra maestra pero que tendría pinta de pequeña obra de culto.
La cantidad de persecuciones por las que pasa el protagonista son en su mayoría innecesarias y acaban por volverse repetitivas. Este hecho me recuerda poderosamente a Capricornio uno, estupendo film de Peter Hyams en el que un grupo de astronautas viaja a Marte, pero en realidad es todo un montaje de la Nasa que acaba filmando el aterrizaje en un estudio de televisión. Los astronautas se revelarán e intentarán por todos su medios explicar lo sucedido a los medios de comunicación, evidentemente los de la Nasa se dedican a perseguirlos para que no digan ni mu. Y ese el problema de la peli, que una vez planteada se reduce a la persecución de los astronautas, con lo que todo el dilema moral acaba resultando una peli de acción.

El enigma de Jerusalén merece un remontaje y quitarle toda la paja que tiene (que es bastante) para dejarla en una duración estándar, en ese caso sería fácil recomendarla. No deja de ser una vuelta de tuerca del estilo El código Da Vinci o las pelis de La busqueda con Nicolas Cage, aunque el libro de El vídeo de Jesús es bastante anterior a estos films.
Pero teniendo una duración tan excesiva y, sobre todo, para lo que se lía en ella misma solamente es aconsejable para los curtidos en los telefilms de sobremesa de Cangrena 3.

Entre tomas (II)

2011-12-11T19:44:00.002+01:00

Albert Pyun y su Capitán América

Este director chaparraete con pinta de hawaiano (básicamente porque lo es), se ha labrado toda una carrera entre la serie B y Z. Empezó en esto del cine como ayudante en producciones japonesas a principios de los 70, para luego volver a los USA.
Su primer film, Cromwell, el rey de los bárbaros, ha sido su mayor éxito comercial cosechando más de 30 millones de dólares. A partir de ahí sus películas comenzaron a navegar por los escasos medios que le daba la Cannon, hasta que a finales de los 80 presenta el guión de la secuela de Masters del Universo. Justo en medio de la pre-producción, cuando ya se habían gastado unos cuantos fajos de billetes en vestuario, Yoram Globus y Menahen Golan le cortan el grifo por problemas con los derechos de Mattel. Pero Pyun no se amedrenta y se saca de la manga un nuevo guión para aprovechar el dinero invertido, coge las riendas de director, ficha a Jean-Claude Van Damme y nos vomita en la cara un hit para los videoclubs, Cyborg.
Todo esto para acabar en la 21 Century de Menahem Golan y engendrar un delirante Capitán América, que no termina de salir en cines para acabar de hacerlo directamente en vídeo, que seguramente es mucho menos interesante que todo los problemas que rodearon esta co-producción.
A partir de ahí cuesta abajo y sin frenos en compañía de Kevin Sorbo, Michael Paré, Steven Seagal, Ice-T y Christopher Lambert.

Amigo de coger cyborgs y convertirlos en ninjas, cada noche llora y le reza al niño Jesús para que algún día se apiaden de él y le dejen lanzar el montaje de Capitán América que tenía en mente hace 20 años.

Guerra sucia

2011-12-06T20:44:00.001+01:00

Que me perdonen los más puristas, pero Juan Piquer Simón era un adelantado. Cuando en estas tierras se tiraba o bien por el cine de autor o las comedietas de humor grueso y chicas destapadas, él prefirió tirar por un cine más espectacular (dentro de sus limitaciones, que eran muchas) y buscando la gracia del mercado internacional.

Con su primer largo, Viaje la centro de la tierra, buscó adaptar la obra de alguien conocido a nivel mundial porque eso le facilitaba enormemente vender el film a distribuidoras de todo el mundo (aparte de rodar en inglés). Viendo que la jugada le salió bien (según él, sacaron un beneficio del 300%) siguió por estos derroteros de hacer un cine enfocado para vender más allá de las fronteras hispánicas, pero en lugar de adaptar obras conocidas prefirió copiar el estreno revienta taquillas procedente de los USA. Que los yankis sacaban Supermán, él Supersonic Man; que se ponía de moda el slasher con Viernes 13 a la cabeza, Piquer se sacaba de las chistera Mil gritos tiene la noche; ¿alguien dijo E.T.?, pues tenemos Los nuevos extraterrestres; que nos venía una oleada de pelis marinas como Abyss o Profundidad 6, él nos regala La grieta.
A partir de ahí la cosa se le comenzó a torcer con producciones mucho más modestas, como La mansión de los Cthulhu, que ya no tuvieron ningún tipo de repercusión.

Una de las muchas facetas del director valenciano, aparte de meterse de lleno en sus producciones (ya fuese con el guión, efectos especiales, decorados, etc.), era la producir obras ajenas, normalmente producciones muy pequeñas con tufo a exploitation, ahí tenemos Escalofrío o Más allá del terror. Films de los que siempre acababa teniendo rencillas con el director de turno y acababa rodando escenas o controlando el montaje.

Guerra sucia es sin duda una curiosidad dentro de la filmografía del director valenciano. Básicamente por su escapismo al thriller de espías, mafias y ajustes de cuentas; muy alejado de su elemento habitual, el cine fantástico, lleno de monstruos, hombres musculosos en mallas y aventuras exóticas en continentes mitológicos.
Aquí nos encontramos las andanzas de un mercenario, un tipo que no se quita sus Ray-Ban ni para cagar, que se acuesta con todo lo que se menea y tenga dos cromosomas X, y se cepilla quien se atreva a llevarle la contraria.

Estamos ante una serie Z con todas las de la ley, donde presenciamos multitud de escenas recicladas de algunas de sus películas anteriores y un documental sobre la visita de Juan Pablo II a las tierras del toro y la pandereta, muy poco le importa a Piquer que el formato cambie de un plano a otro o que veamos escenas donde los mismos malos de SuperSonic Man corretean por la misma central nuclear que en la susodicha. Pero tampoco le podemos pedir más a un subproducto que costó escasos 9 millones de pesetas (54.000 euros) y que su única intención era la de venderla en el mercado internacional de Milán al mejor postor, que acabó siendo la Cannon.

Decir que es mala es decir poco. Seguramente nadie se acordaría de ella si su director no fuese quien es. Y ni eso, porque Piquer ni siquiera firmó con su nombre (quizá a sabiendas de la baja calidad de la cinta), si no que aparece acreditado como Alfredo Casado, el que era su socio.
A los que les guste el Piquer de muñequitos, maquetas y cromas casposos, quedarán decepcionados, a los que les vaya los thrillers de espías y explosiones, quedaran decepcionados. Conclusión, decepción al canto.

Entre tomas (I)

2011-12-01T18:04:00.000+01:00

Michael Winner y Charles Bronson en el rodaje de El justiciero de la ciudad

Decía John Huston que el bueno de Charles Dennis Buchinski, más conocido como Charles Bronson, era "una granada de mano a la que se le ha quitado el seguro". Cualquiera lo diría viendo la estampa superior, donde M. Winner parece darle instrucciones mientras Charly debe estar pensando "dame una pistola y unos cuantos macarras como blanco".
Aunque lo que realmente pensaba Winner de él era que "la clave de Bronson es su furia reprimida y la sensación constante de que si no miras cada minuto a la pantalla te perderás la erupción".
Puede que Winner tuviera razón, pero eso no deja que veamos la filmo de Charly y nos encontremos un puñado de películas míticas: La gran evasión, Doce del patíbulo, Hasta que llegó su hora o la saga de El justiciero de la ciudad.

Al parecer Bronson fue huérfano de padre a los 10 años, poco después estaba picando piedra en la mina, para acabar reclutado en el ejército en la Segunda Guerra Mundial. Después se convirtió en cocinero, alquilaba hamacas en la playa y hasta llegó a ganarse los garbanzos recogiendo cebollas en el campo. Con semejante currículum, ¿cómo no iba a pasarse media vida matando quinquis?

Satán, fuerza del mal

2011-11-29T18:44:00.002+01:00

Satán, fuerza del mal es un telefilm que intenta seguir la lejana estela de El exorcista. Para eso se vale de un colegio interno femenino en el que hay extraños sucesos, como que la gente muera por combustión espontánea. No pdrá faltar la aparición de un sacerdote que, despues de morir y aparecer en el limbo, recibe la misión de volver entre los vivos para perseguir a las presencias satánicas.
No me andaré con rodeos, nos encontramos ante una mierda como un piano. Por suerte el sufrimiento solamente durará menos de 80 minutos.

La gracia del telefilm y la única razón por la que apareció en VHS en este país es por, como nos habremos percatado viendo su carátula, por uno de sus protagonistas, o mejor dicho, uno de sus secundarios. Porque por mucho que aparezca en la foto nuestro amigo Harrison Ford no deja de ser un secundario que (vamos a reventar detalles) muere a mitad de metraje calcinado por las llamas.

Satán, fuerza del mal se estrenó en la televisión estadounidense pocas semanas antes de que Star Wars aterrizara en los cines, con el consiguiente estrellato de Ford. Seguramente los fans de la saga de George Lucas reconocerán de donde han saqueado la imagen de Harrison en el cartel.
Por eso es cachondísimo verlo haciendo de profesor pedófilo que se pasa por la zambomba a toda fémina que se cruce en su camino, a poder ser menor de edad. Pero si en Indiana Jones lo veíamos interpretar correctísimamente a un profesor, aquí es lo mismo pero sobreactuado hasta la extenuación. Aunque lamentablemente el reírnos de un pre Han Solo no es excusa para perder el tiempo en un telefilm ramplón que da menos miedo que un capítulo de Hostal Royal Manzanares.

El secreto de mi éxito

2011-11-17T18:44:00.007+01:00

El secreto de mi éxito es sin duda, y de forma superior a Wall Street, una recreación perfecta de lo que fueron los 80 dentro del marco de los yuppies. Toda una plasmación del sueño americano, empezar desde lo más bajo y llegar a lo más alto, pisando a quien haya que pisar o follándose a quien haga falta, incluso si es a tu tía (como es el caso del film).

Si nos acercamos mucho a la pantalla mientras la vemos seguro que podremos oler la laca de todos esos ejecutivos que se pasean por los fotogramas, cargados de maletines, corbatas y mullets mientras pasean por esa Nueva York de postal que en el film nos la enseñan de todas las maneras posibles: atardeceres, soleada, la urbe en toda su ebullición... sin duda Holllywood nunca fue mejor anuncio para los turistas.

Una de las muchas maravillas del film es su condición (!equivocadísima!) de cinta juvenil. Pero que el hecho que esté protagonizada por Michael J. Fox no nos nuble la vista. Que este metro sesenta con patas y un eterno flequillo acabara de sacarse de la manga un Regreso al futuro y un Teen wolf (así a saco, una detrás de otra, como el que no quiere la cosa) puede llevarnos a equívoco, pero Miki ya estaba cansado de su imágen teen con solo 2 películas como protagonista absoluto, pero montones de horas en tv y telefilms ya la habían explotado hasta el infinito y más allá.
De ahí se explica su ímpetu para lanzarse con balas (de fogueo) como Rock star, Noches de neón, Corazones de hierro o ese inteligentísmo auto retrato que es Colegas a la fuerza.

El secreto de mi éxito parece parida por algún italiano de los 70. Me aventuro con un Mariano Laurenti o un Luigi Russo a la dirección de una segunda parte donde nos expliquen que pasa en las alcobas de la casa del tío Prescott.
Es difícil entender como un producto para el lucimiento de Michael J. Fox (los más de 100 millones recaudados en el mundo lo avalan) es capaz de acercarse tanto a cualquier italianada parida para la explotación de la pilingui del momento dispuesta a enseñar todas sus virtudes en pantalla. Y ese es el único elemento que le falta a este film, algo más de carne.

Y quien mejor que los guionistas de Top Gun para dejarle en bandeja de plata este suculento plato a Herbert Ross, director que tenía el culo pelado de reirse en los morros de Woody Allen (Sueños de un seductor), Barbra Streisand (Funny lady), Walter Matthau (La pareja chiflada) o Kevin Bacon (Footloose). Y si a ese guión portentoso le añadimos a Helen Slater, que poco antes había subido a los altares de Hollywood para pegarse el gran morrazo con Supergirl (de la que ya hablaremos), y una cachonda y húmeda Margaret Whitton, mejor que mejor. Aunque tampoco debieramos olvidarnos de Richard Jordan y Fred -Herman Munster- Gwynne.

Estoy totalmente convencido que la única intención del director era hacer una nueva versión de El graduado para el público de los 80. Demasiadas similitudes para que los protagonistas de ambos films casualmente no levanten un palmo del suelo.

Que sí, que la peli está muy bien (¡salvo por el último cuarto de hora puramente made in Hollywood!), Michael J. Fox mola y su tía nos pone cachondos, pero si por algo nos acordaremos es por su banda sonora, con el clásico Oh yeah! de Yello (su otro tema mitiquísimo es The race, y si no que se lo digan a Mikimoto), carne de cañón para cualquier banda sonora que se preciase en los 80 y para Duffman. Con todos ustedes EL TEMA y LA ESCENA:

Mr. Boogedy

2011-11-15T18:14:00.002+01:00

Mr. Boogedy es una de esas rarezas que, teniendo bastante culto en los USA (sobre todo siendo el producto que es), aquí no es excesivamente conocida, aunque los pocos que la vieron en su momento todavía la recordarán.
Para empezar hay que decir que no estamos ante un largo, si no ante un mediometraje de apenas tres cuartos de hora que fue rodado para emitirse en el Disney Channel un domingo por la noche, que es cuando emitían telefilms propios. Por estos lares la pudimos catar en un recopilatorio de aquellos que sacaba Filmayer de El canal Disney, concretamente en un especial titulado Fantasmas para reír. O para llorar, porque viendo la carátula que se gastaban...

Mr. Boogedy narra la historia mega manida de la familia que compra una casa en Nueva Inglaterra, que, nadie me pregunte como puede ser, no han visto ni en fotos hasta el día que llegan para quedarse (eso sería cosa del boom del ladrillo). La cuestión es que (¡evidentemente!) la casa está embrujada. Un fantasma llamado Mr. Boogedy campa a sus anchas por la mansión.

Dirigida por Oz Scott (experto en telefilms y series de tele) a partir del guión de Michael Janover (que procedía de The Groundlings, una compañía de teatro especializada en la improvisación de donde han salido gente como Lisa Kudrow, Pat Morita -sic-, CassandraPeterson o John Lovitz, entre muchos otros).
El mediometraje originalmente tenía que haber sido un film paródico de las pelis de terror (lo que hoy en día sería un Scary movie cualquiera) protagonizado ni más ni menos por Cheech y Chong cuando el guión fue ofrecido a la Columbia, pero la major no estaba por esas historias y el guión acabó en Disney, que decidió reconvertirlo en un mediometraje para toda la familia.

El nombre de Boogedy fue un pequeño hurto de Michael Janover, el guionista, cuando vio Los ojos del gato, aquella estupenda cinta basada en relatos de Stephen King. Concretamente del segmento done un millonetis hace dar la vuelta al edificio por la cornisa a otro tipo mientras le espetaba "¡Boogedy! Boogedy!!".

Pese a su condición descaradamente pobre tiene un elenco que, como mínimo, nos sonará bastante: Richard Masur (uno de los que la palman en It), David Faustino (el chaval de Matrimonio con hijos, y que se llevó el papel después que rechazaran a Joaquin Phoenix), Kristy Swanson (que sería la primera Buffy en la peli de Buffy, la cazavampiros), Benji Gregory (el hijo de la familia Tanner en Alf) y John Astin (el Gómez Addams orginal y que ha aparecido en demasiadas películas zetosas). Casi nada.

Por lo demás estamos ante un telefilm tan modesto que rozaría la serie Z si no fuese por estar bajo el amparo de Disney. El guión, repleto de chascarrillos que causan vergüenza ajena, canta a leguas que simplemente estaban probando si de la historia se podía sacar más chicha para una serie.

El éxito que obtuvo hizo que Disney se planteara hacer una serie, pero al final se decantó por hacer una segunda parte, también telefilm pero esta vez de 90 minutos, llamado Bride of Boogedy. Aquí se volvió a contar con el mismo guionista y director y varios de los actores originales pero el resultado ya no dejó satisfechos ni al público ni a la Disney, que pese a que no hace mucho recibió la propuesta de hacer una tercera parte o un remake por parte de Oz Scott, no están muy por la labor, ni siquiera de sacar las dos partes en DVD.

Realmente no estamos ante nada del otro mundo, la ponemos junto a cualquier episodio de El cuentacuentos, que es de la misma época, y se nos cae el alma a los pies. Peeero, como siempre ocurre en estos casos, el factor nostalgia nos puede. Además, siempre está bien recordar que hubo una época que en el Disney Channel no solamente hacían telefilms para lanzar a la enésima Hannah Montana.

Elvira's Haunted Hills

2011-11-10T17:44:00.001+01:00

Elvira fue puramente un fenómeno ochentero, una vez metidos en los 90, su fama fue menguando. Cierto que iba haciendo sus apariciones y sus historias de Halloween, pero ya no era lo mismo.

Es por eso que resulta sorprendente que en pleno año 2001 apareciera este Elvira's Haunted Hills, aunque eso sí, estrenada de tapadillo porque Elvira ya se había convertido en un dinosaurio para las nuevas generaciones.

Todo el entuerto de la trama es de una poca originalidad aplastante. Un argumento que por una extraña razón parece hipnotizar a las parejas de cómicos: los hermanos Calatrava, Tim Conway & Tom Knotts o Martes y trece; ya fuese con Horror story, Detectives casi privados o Aquí huele a muerto. Es decir, la clásica pareja donde uno es tontísimo y el otro más o menos normal que acaban metidos en un castillo donde no paran de aparecer fantasmas o seres igual de espeluznantes.

Aquí tenemos a Elvira a mediados del siglo XIX perdidas por esos caminos de tierra junto a su sirvienta con la idea de ir a París a montar un show estilo cancán. O sea, lo mismo que en la pasada película. Aunque, ojo, no estamos ante una secuela, precuela o nada de eso.
Así que tenemos a la pareja perdidas hasta que un carruaje las recoge y la lleva a un castillo supuestamente maldito donde viven unos personajes a cada cual más estrafalario.
Y, casualidades de la vida, Elvira es el vivo retrato de la mujer del señor del castillo que murió en extrañas circunstancias.

Si la película que protagonizó a mediados de los 80 ya tenía un presupuesto ajustado aquí directamente nos encontramos una producción de saldo; un millón y medio se gastaron en los decorados de cartón piedra que luce el film, que se lo podíamos pasar al ciclo dedicado a Poe por Roger Corman, pero que en pleno siglo XXI solamente podíamos pensar en escasos medios y poca gracia para aprovecharlos.

Rodada en Rumanía para abaratar costes la se queda en poca cosa, más bien a unos de esos truños de los que hace gala ultimamente Fred Olen Ray. Los mismos chistes de siempre en el mundo de Elvira, osea, insinuaciones de mamellas y culamen.

Actores de tercera fila a excepción de, evidentemente, Cassandra Peterson y ¡atención! Richard O'Brian, más conocido por The Rocky Horro Picture Show y secuela, que se metió en el rodaje dos semanas antes de su inicio después de la escampada de Richard Chamberlain.
Pero el que más gracia me hace de todo el elenco es un tal Gabriel Andronache, un rumano que no tendría ni idea de inglés porque se nota mucho que está doblado y cuando habla normalmente no le enfocan la cara. Todo muy auténtico. Casi como el hecho que el tipo, después de rodar un par de pelis más (una de vampiros con ¡Ted Nicolau! -director de TerrorVision- en el guión) dejó el mundillo para invadir los canales del teletienda más costroso en Italia y vender su dieta revolucionaria.

Y en la silla de director Sam Irvin, que solamente ha dirigido ponzoñadas, aunque curiosamente fue productor de Dioses y monstruos, aquella peli con Brendan Fraser e Ian McKellen; y fue asistente de De Palma en Vestida para matar.

Si aún con todo eso estáis dispuestos a verlas vosotros sabréis, pero seguramente vuestra alma arderá en los infiernos mientras el feo de los hermanos Calatrava os susurra al oído alguna canción de David Bowie.

Elvira. Mistress of the Dark

2011-11-08T18:44:00.001+01:00

A principios de los 80, Maila Nurmi, la Vampira presentadora de ciclos de pelis de terror en la televisión americana, aunque seguramente la recordaremos más por sus apariciones en las pelis de Ed Wood, presentó un proyecto de resucitar al personaje al canal de televisión KHJ-Tv. Por diferencias creativas se quedó fuera del proyecto y el canal de televisión decidió tirar adelante el show y para ello fichó a la actriz Cassandra Peterson, creando el personaje de Elvira (ya que no podía usar el nombre de Vampira), un cruce de Morticia Addams, Lily Munster y Vampira, con un vertiginoso escote, que se dedicaba a presentar películas de terror.

El personaje adquirió tal fama que en menos de año tenía un club de fans formado por más de 50 mil socios, lanzó discos, aparecía como artista invitada en series y programas de televisión, tenía un montón de merchandising con su imagen (camisetas, tazas, gorras, etc), aparecía en anuncios y se editaban cómics. Además que Cassandra Peterson había hecho pequeñas apariciones en film como Jekyll y Hyde... hasta que la risa los separe o Como flotas, tío.

Es por eso que no es de extrañar que con tal fama y la cantidad de dinero que movía las domingas de Elvira, perdón, la figura de Elvira, el siguiente paso era ponerle una película a su entera disposición, pero en este caso no con un gran estudio, si no con algo más modesto.
Producida por la New World Pictures (aquí fue distribuida por José Frade), la que había sido productora de Roger Corman, el film sería un película de presupuesto ajustado, con un guión firmado por los autores de Automan, el programa de Pee-wee Herman y las pelis de los Barbarian Brothers, casi nada.

Y como la película iba a tirar por la comedia nada mejor que fichar a un director especializado en el ji-ji y el ja-ja. El "afortundado" resultó ser James Signorelli, que en su haber tenía un montón de programas del Saturday night live y un único film, Quien tiene una suegra tiene un tesoro, o lo que es lo mismo, un producto para lucimiento de los ojos locos de Rodney Dangerfield.

El film comienza con ciertos tintes autobiográficos, con Elvira presentando un programa que emite antiguas películas de serie B y Z para un canal de mala muerte, con lo que decide largarse de allí y presentar un show en Las Vegas. Pero, como la vida es muy dura, ella misma se ha de financiar los 50 mil dólares que cuesta el show que, evidentemente, no tiene. Por esas casualidades del destino (o de los malos guionistas con malos argumentos) recibe la herencia de una tía que acaba de morir: una antigua casa y un libro de recetas.
Así que tenemos a Elvira en medio de un pueblecito lleno de gente muy poco dada a los excesos de la presentadora de tv y con un tío suyo que intenta por todos los medios conseguir el libro que le ha quedado en herencia.

Elvira. Mistress of the Dark es una película muy mediocre, una comedieta de serie B puramente ochentera que la mayoría de sus gracias vienen dadas por las curvas y el pechamen de su protagonista. En su intento de mezclar la comedia con el fantástico fracasa de mala manera

Prueba de ello es su mediocre reparto en el que destacan: Daniel Greene, el prota de Destroyer, brazo de acero (Atomic cyborg) de Sergio Martino, y que sale haciendo pequeños papeles en un montón de pelis de los hermano Farrelly; y Edie McClurg, la eterna secundaria de un montón de pelis donde siempre hace el papel de vecina cotilla.

Y como suele suceder en estos casos, el paso de la tele al cine no acabó de funcionar, y todos esos fans que seguían las correrías de Elvira por televisión le dieron la espalda, haciendo que la película apenas recaudase 5 millones de dólares, o lo que es lo mismo, la tercera parte de lo que costó.

El film tuvo su versión videojuego para Pc, Elvira: Mistress of the Dark, un juego de rol que poco o nada tenía que ver con el film, donde teníamos que ir recorriendo su castillo. El éxito que tuvo, acompañado de buenas críticas, hizo que en 1992 apareciera una secuela tardía de éste, Elvira II, the Jaws of Cerberus.

El secreto de Joey

2011-11-03T19:14:00.003+01:00

Dice la Wikipedia que Roland Emmerich quería ser diseñador de producción, pero que después de ver La guerra de las galaxias tomó la decisión de ser director. Maldita fue la hora.

Recuerdo que de pequeño teníamos esta peli por casa, y por mucho que mirara la carátula había algo que no me llamaba. No es que me diera miedo ni nada de eso, simplemente tendría pelis mejores que poner en el VHS. Y visto lo visto, tenía mejor olfato para detectar los truños hace 25 años que ahora.

La historia del chaval que tiene poderes telequinésicos y se le muere el padre, con el que habla a través de un teléfono de juguete, ya tiene su gracia como peli de terror, pero si a todo eso le añadimos que el tal Joey se encuentra en una casa abandonada un antiguo muñeco de ventrílocuo que tiene vida propia y se dedica a amargarle la vida al crío ya tenemos todos los ingredientes para generar un clásico del terror.

Lástima que Roland Emmerich, ese señor obsesionado con destruir el mundo (Independece day, El día del mañana, Gozilla, 2012...), estaba más preocupado en hacer su versión de E.T. El extraterrestre, con unas gotitas de Encuentros en la tercera fase y Poltergeist (amén de los enumerables guiños a Star Wars), que se debió limpiar el culo con esas buenas ideas mientras fotocopiaba el guión de la película de Spielberg.

Además, es curioso que en esta su segunda película (aunque muchos la catalogan como la primera, realmente su debut fue con El principio del arca de Noé, basada en el chorto que presentó para su tesis) pasa totalmente por americana, en cuanto a estética, como está rodada y lo hace con buena nota. Es por eso que me sorprende que su siguiente película, El secreto de los fantasmas, tuviera ese aire tan descuidado.

El secreto de Joey es un batiburrillo de ideas que por si solas podían haber funcionado pero que en conjunto se convierten lastres unas de otras. Hasta la hora de metraje parece que el director tiene claro los elementos de niño, padre fantasma y muñeco satánico, pero es ahí cuando comienza a meter las aventuras de los niños en un laberinto, gente que pone en cuarentena la casa para investigar los poderes del niño, y pasamos de una posible película de terror a una de aventurillas infantiles estilo Goonies, y ahí es cuando definitivamente nos perdemos en la historia. Por no hablar de la parte final en la que Emmerich, el que quiso ser el Spielberg alemán y se quedó en el Ronald McDonald del celuloide, debió pensar "no sé que hacer y pongo escenas abstractas y me quedo tan ancho".

Y es por eso que me resulta triste que habiendo tenido tantos y tan buenos mimbres, se haya desperdiciado solo por la cabezonería de un director por intentar ser el realizador de E.T. y no tener un poquito de personalidad.
Y pese a lo mucho que la aborrecí en su visionado, todavía le sigo dando vueltas algunas cosas que me parecen francamente buenas (el muñeco da mal rollo y solamente la cagan cuando habla, mientras no dice nada se limita a soltar gruñidos que le dan un aspecto amenazador; el reportaje en blanco y negro que habla de él; o el laberinto del final, realmente siniestro) pero que en su conjunto naufragan, como es el caso de esa música insoportable que debieron hacer con un teclado Casio o igual eran los descarte de La corona mágica.

Se acabó el Halloween

2011-11-02T10:04:00.000+01:00

El secreto de los fantasmas

2011-11-01T17:44:00.005+01:00

Warren y Fred son una pareja de veinteañeros que se dedican a rodar chortos y películas de mala muerte. Un día, Warren recibe la notificación de que ha de ir a la lectura del testamento de su abuelo, un millonetis que le ha dejado toda le herencia. Herencia que finalmente se reduce a un tiquet de una casa de empeño, que previo pago de 20 dólares le darán un maletín repleto de fotografías y un viejo reloj.

Esa noche a las 12, (la hora que salen los fantasmas, según decía Mortadelo en El armario del tiempo) del reloj sale una especie de ectoplasma que se mete en los sueños de Fred, que acaba teniendo visiones con el abuelo de Warren y su mayordomo. Al día siguiente dedicará todo su ingenio en fabricar un animatrónic con el aspecto del mayordomo. Esa misma noche el fantasma del mayordomo tomará el control del muñeco y ayudará a los chicos en su aventura de buscar la fortuna perdida del abuelo en un viejo caserón.

Leyendo fríamente la sinopsis uno puede pensar que estamos ante una entretenida cinta juvenil con ese encantador regusto de los años 80, ¡hasta a mí me lo parece! Pero no, nada más lejos de la realidad.

La tercera película del hoy todo poderosos Roland Emmerich fue un intento de meterse en Hollywood rodando este engendro a medio camino entre Alemania y los USA, con actores americanos pero con equipo técnico germano. Y para conseguirlo se valió de todos los tic de las pelis que nos llegaban de Hollywood, empezando con una cancioncilla de Belouis Some que nos taladra desde los títulos de crédito hasta el final y más allá; y con una estética demasiado ochentera hasta para una película de los ochenta, con esa casa repleta de muñecos y posters de pelis, hasta el coche fúnebre que conducen los protas.

Los actores son malísimos, empezando por el prota, un tío con nariz de cerdo que cada vez que lo veía me venía a la mente el pobre Porky, y su amiguete director de chortos que, si en la época hubieran hecho una adaptación de Los cazafantasmas de la Filmation, podría haber encarnado sin problemas a Jake Kong Jr.

Pero para darle la nota yanki, Roland se sacó de la manga a dos símbolos de la comedia adolescente ochentera, por un lado a Chuck Mitchell, que nadie sabrá quien es pero que si apunto que era el Porky del Porky's de Bob Clark la cosa está más clara; y como villano de la función a un perdidísimo Paul Gleason.

Estamos ante un film muy torpe, con escenas que están fatalmente rodadas, como esa en la que los protas luchan contra una armadura, que da la sensación que está ahí para alargar el metraje hasta unos mínimos 85 minutos. Por no hablar que hay un momento que hablan de cosas que no hemos visto. Quizás escenas que acabaron en la sala de montaje y podría ser que apareciera en la versión alemana que es la versión apadrinada por Emmerich y dura 20 minutos más.

Los efectos flojísimos, a excepción del animatrónic del mayordomo, que sin ser para tirar cohetes no molesta y es bastante digno.

El secreto de los fantasmas (o Hollywood-Monster en su versión original y Ghost Chase en su distribución en USA) es el clásico ejercicio de Emmerich de querer ser Spielberg. Es por eso que nos encontramos en una especie de aglomerado de E.T. El extraterrestre, solo que aquí cambiamos los chavales por veinteañeros y al extraterrestre por un fantasma mezcla entre Yoda y E.T.

Los cazafantasmas 3

2011-10-30T12:14:00.000+01:00

Cada vez con menos presupuesto

Gnomo cop

2011-10-27T19:44:00.002+02:00

Me lo veo venir. Más de uno dirá: "¡Gnomo cop! Que buena. Super divertida. Que risa con lo del pupus y los escupitajos." Pues nada más lejos de la realidad, Gnomo cop es muy mala, no hay nada más que hablar.

Parece mentira que Stan Winston dirigiera este film que debe ser la película que más emitió Antena 3 los sábados al mediodía en la década de los 90.

Stan Winston y el gnomo (ojo, que va con g)

A Winston no hace falta presentarle como uno de los más grandes en tareas de maquillajes y efectos especiales, pero quizá su labor como director sea más desconocida para el gran público.
En el 88 estrenaría Pacto de sangre (Pumpkinhead), la película, de escaso presupuesto que ha ido consiguiendo cierto culto con los años, era un estreno muy coherente: monstruito demoníaco, sangre y venganzas. Todo ello producido por Dino DeLaurentiis que le dijo: "Recuerda, chico, lo más importante es la cara del monstruo". Winston se lo miró pensando "algo sé de monstruos".

El primer contacto que Winston tuvo con Gnomo cop fue durante el rodaje de Una pandilla alucinante, en el que uno de los productores, Peter Hyams, le dijo que leyera el guión cuando simplemente se titulaba Gnome, lanzándole infinidad de preguntas sobre como haría al gnomo.

Peter Hyams acabó desentendiéndose del proyecto pero Winston siguió ahí, básicamente intrigado en como conseguir hacer un gnomo de medio metro que resultara creíble.

La historia de un gnomo que vive en el subsuelo y sale al exterior a cargar con energía solar un cristal que mantiene con vida a su pueblo para luego verse metido en medio de una operación policial y acabar siendo el principal testigo, es tan sumamente ingenua, tanto en su planteamiento, y desarrollo que cuando la veamos nos preguntaremos si no hemos sintonizado el Disney Channel.

Con unos medios más que justitos, que hacen que la línea de la serie B con el telefilm sea más que difusa, la película solo llama la atención por ver a un gnomo (que siempre me ha recordado al gelfling de Cristal oscuro) moverse de forma robótica, decir cuatro tonterías y hacer el simpático.

Y del elenco simplemente decir que sigue la misma línea: Anthony Michael Hall, que poco después sería el malo de Eduardo Manostijeras (curiosamente otra creación de Winston), Claudia Christian, una habitual en las cult movie de serie B (Arena, ring de las galaxias o Hidden) y la mandíbula cuadradísima de Robert Z'Dar, más conocido como Maniac Cop.

Gnomo cop fue pasto de "la maldición Winston" como él mismo decía. Ya que justo después del estreno de Pacto de sangre la productora de DeLaurentiis quebró y cuando su segundo film estaba a punto de estrenarse, Vestron Pictures, su productora, cayó en bancarrota. Eso hizo que el film apenas se viese en festivales y no fue hasta 1992 (3 años después que empezara la preproducción) que se estrenó directamente a vídeo. Curiosamente fue Carolco quien la distribuyó y, como bien es sabido, ésta desapareció a mediados de los 90 por sus problemas económicos.

Este intento de refrescar el género de buddy movie añadiéndole un gnomo al poli de turno acabó siendo el segundo y último trabajo de Winston como director, al menos en lo que a largometrajes se refiere, ya que luego se puso tras las cámaras en el videoclip Ghosts, de Michael Jackson, y en el chorto de Terminator 2 3D.

Mi novia es una extraterrestre

2011-10-25T19:44:00.006+02:00

Aunque ahora está un poco desaparecida, Kim Basinger pilló unos cuantos años donde metió la cabeza en las películas que reinaban en las carteleras: Nueve semanas y media. Atrapados sin salida o Una cita explosiva, hasta que comenzó a dejar ese lugar privilegiado a partir de CooolWorld .
Pero justo en su momento de más esplendor, en 1988, apareció en esta comedia junto a Dan Aykroyd, sin duda que con intención de repetir en la comedia después de la que protagonizó junto a Bruce Willis, y deshacerse de su imagen de mujer fatal.

Aykroyd ejerce aquí de un científico muy en la línea del que ya interpretó en Los cazafantasmas, pero aquí, en lugar de buscar vida en el más allá, la busca en otras galaxias. Intentando mandar una señal a otro planeta y por un cúmulo de circunstancias (lluvia, unos botones metálicos en el lugar menos indicado, o sea, esas cosas que solamente pensábamos que pasaban en las pelis de Kurt Russell en Disney) hace que la señal llegué a otra galaxia, pero con tal mala fortuna que, por cuestiones que nunca explican en la película, pone en peligro un planeta habitado. Los seres que viven allí mandan a Basinger para que Aykroyd vuelva a mandar otra señal, que será la única manera de evitar la destrucción del planeta.

El embolao fue dirigido por Richard Benjamin, actor ocasional (La pareja chiflada, Desmontando a Harry) que a como director se ha especializado en comedietas amables (Esta casa es una ruina, Air America), aunque de vez en cuando se ha marcado algún thriller (Espías sin identidad) y tuvo aquel fracaso de Ciudad muy caliente con los colosos Reynolds & Eastwood.

Es muy curioso que la idea del film ya circulaba por Hollywood a principios de los 80, pero que en sus inicios fuese más orientada al cine de terror con una perversa madrastra alienígena.

La película combina efectos y trucajes más que correctos (toda la parte de la nave espacial) con otros bastante abominables (¡esos cromas!). Y luego hay que darle de comer a parte el bolso parlante, que es para darle a comer aparte, una suerte de muppet que nunca me ha quedado claro si es que se quisieron reír del personal o es que no les quedaba ni un céntimo para hacerlo.

En cuanto al reparto poco que destacar aparte de Aykroyd y Basinger, el debut en el cine de Juliette Lewis. Pero el rey de la función y que termina comiéndose todos los planos donde aparece es John Lovitz, un actor buenísimo que no ha recibido la cancha que merece. Sin duda su personaje es el más cachondo y divertido de la función, un hermano calavera que se dedica a ir de ligón a lo Travolta pero que en realidad es un hortera de cuidado. No me extrañaría que estuviese inspirado en el Larry Laffer.

La película, filmada en los estudios de la Fox, donde se construyeron la nave de Kim Basinger o una enorme antena satélite, acabó siendo un batacazo en la taquilla americana, donde apenas recaudó la mitad de los 20 millones que costó.

En Spain la distribuidora fue un poco más lista y no la estrenó hasta julio del 89, basicamente para aprovecharse del estreno americano de Batman en donde también teníamos a Basinger luciendo palmito.

Mi novia es una extraterrestre ha perdido muchísimo con el tiempo. De ser una comedia más o menos simpaticona ha terminado oliendo a rancio dos décadas después, con gracietas que algunos reirán y a otros les parecerá de vergüenza ajena. Pero es general de eso se trata el síndrome Aykroyd, un humor tan suyo que solamente lo entiende él.

Dentro del laberinto

2011-10-20T20:00:00.005+02:00

De Henson a Henson y tiro porque me toca. Nada más terminar Cristal oscuro nuestro titiritero favorito comenzó a darle vueltas a otra película, básicamente era ir un poco más allá de la película 100% de muppets y añadirle personajes humanos.

Para ello volvió a contar con la colaboración de Brian Froud creando los diseños de goblins y demás seres fantásticos que aparecen en el film, además de aportarle la idea inicial (un bebé rodeado de goblins), y, en el último momento, dándole las riendas del guión al Monty Phyton Terry Jones que trabajaría sobre la primera versión que había ideado el propio Henson y Dennis Lee, que años después se encargaría de la música y canciones de Fraggle Rock.
Además, aprovechando la amistad que tenía con George Lucas a raíz de haber participado en la creación de Yoda, consiguió que éste se metiera en la producción a través de Lucasfilm.

Dentro del laberinto cuenta la historia de Sarah, la clásica adolescente con sus problemas internos que prefiere refugiarse en su mundo de fantasía que vivir la vida real. Harta que sus padres la traten como a una niña y que además la tengan como la niñera de su hermano pequeño. Una noche entre los llores de éste pide al rey de los goblins que se lo lleve. Cual será su sorpresa cuando el mismísimo rey haga acto de presencia para llevárselo. La única forma que tendrá Sarah de recuperar el bebé es llegar hasta el mismísimo castillo de los goblins que yace en el centro de un laberinto.

5 meses de rodaje en los estudios Elstree en Londres después de más de 2 años de preparación, la participación de casi 700 personas (entre ellos de Ron Mueck) y 25 millones de dólares es lo que necesitó Henson para llevar a buen puerto su proyecto, un cruce entre Alicia en el país de las maravillas, Blancanieves y El mago de Oz que tiene muchas reminiscencias a la serie de animación que idearía el propio Jones una década después y que tendría una adaptación en forma de aventura gráfica para PlayStation y Sega Saturn, Blazing Dragons.

Sin duda este film es mucho más redondo que Cristal oscuro, para ello Henson se valió de aportarle un tono menos oscuro (al menos a simple vista) dándole un envoltorio más comercial, cosa que, sin duda, viene marcada por la participación de George Lucas.

Pero al igual que en su anterior film, aquí no se escatima en medios y cada uno de sus planos derrochan vida por los cuatro costados, haciendo que nos olvidemos por completo que estamos viendo un film de marionetas y gente disfrazada. Y aunque a sus decorados se les nota su condición de cartón piedra eso ayuda a darle una atmósfera irreal.
Quién puede olvidarse de Ludo, el hedor eterno, Didymus, Ambrosius, las aldabas parlantes, ¡el pijama a rayas del bebé Toby! (que era el hijo del ilustrador Brian Froud), el gusanito que te invita a tomar el té... es comenzar a recordar toda la fauna que pulula por la película y no parar.

Un acierto y una apuesta valiente fue poner una popstar como malo de la función, aunque no creo que David Bowie y sus mallas fueran la mejor elección hay que reconocerle que mantiene el tipo y se encarga de un buen puñado de canciones pegadizas. !Y es que hay que dice que Dentro del laberinto es un musical! Que cosas tienen algunos.

Sólo un aspecto negativo más. El final y su asalto en plan guerrilla al castillo. Un poco más y nos encontramos por ahí a Annibal Smith y su puro.

Por mucho que nos pese en USA fue un fracaso, logrando recaudar solamente la mitad de su presupuesto (25 millones de dólares), aunque en otros países, como Japón, tuvo cierto éxito

Después de este film Henson nunca más volvió a dirigir en el cine y siguió con otros proyectos televisivos, básicamente porque su fracaso económico lo desmoralizó y lo llevó a una depresión. A saber que más tenía que decir en el mundo del celuloide.

Cristal oscuro

2011-10-18T18:14:00.005+02:00

Primera película dirigida por Jim Henson a medias con Frank Oz, que también era su debut en la dirección, que acabaría promocionándose como el primer film de acción real en el que no aparece ningún humano.
Si lo normal es que un proyecto parta de un guión y a partir de aquí se siga con el diseño de personajes y decorados (diseño de producción que se llama) en el caso de Cristal oscuro fue al revés. Henson había quedado fascinado por unos trabajos del ilustrador inglés Brian Froud y le encargó varios diseños de criaturas. A partir de esos bocetos, Henson iría tramando el argumento.

Un argumento que nos remitía a las clásicas historias plagadas de seres mitológicos, todo muy al estilo Tolkien. En el caso de Cristal oscuro tenemos un mundo habitado por los místicos, seres bondadosos que siempre están en meditación, y los skeksis, los malos de la función que dominan el mundo, dos razas que antaño fueron una, los urskeks, pero la rotura del cristal oscuro los dividió.
Una profecía dice que cuando aparezca la conjunción de los 3 soles un gelfling reparará el cristal y todo volverá a su armonía, es por eso que los skeksis se dedican a exterminar a esta raza. Pero lo que ellos no saben es que un gelfling vive con los místicos, que le marcarán el camino a seguir para que recupere la parte del cristal perdida y la recomponga.

Sin duda ese argumento es el punto flaco del film, todo planísimo. Los buenos son muy buenos y los malos son muy malos; y el macguffin tampoco es para tirar cohetes, lo hemos visto mil veces: el protagonista ha de llevar un objeto a un punto determinado para que desencadene el final de una era.

Pero por suerte tenemos el aspecto visual, que eso ya es otro cantar, amigos. Decir que cada elemento de cada unos de los disfraces/marionetas están cuidados al detalle es quedarse corto. La cantidad de detalles que vemos en cada plano rebosan vida por los cuatro costados. Simplemente viendo son primeros 5 minutos, donde el skeksis emperador muere es para quitarse el sombrero o la gorra.

Tal fue el nivel de querer dar veracidad a la mitología del film que llegaron intentar inventar un lenguaje propio para los skeksis, pero el hecho de tener que subtitular esas partes hicieron que se lo replanteasen. Sin duda, los 5 años que emplearon en hacer la película están justificados al máximo.

Una cosa que me parece muy bien vista por Henson es que pese a ser su debut cinematográfico llevó la producción a su terreno, con lo que la película se nutre de ello. Al igual que Frank Oz, que con el tiempo se labró una filmografía como director más que cuca: La tienda de los horrores, Un par de seductores, Bowfinger o The score.

El film siempre ha tenido esa áurea oscura (nunca mejor dicho) de peli incomprendida que fracasó en su momento, aunque esto último hay que coger con pinzas ya que cosechó más de 40 millones habiendo costado 15 (aunque se dice por ahí que realmente fueron 25 millones).
Sin duda su fama viene marcada por su estética, terriblemente sombría y tétrica, demasiado para una película de "muñecos" que se vendía enfocada a un público infantil. Sus personajes son puramente grotescos, a excepción de sus protagonistas, los gelfling, que son los más humanoides del film, aunque por contra son los más sosos y robóticos.

Pero ya en su momento la película debió tener algo especial cuando alguna edición en VHS llegó a incluir un making of, cosa poco habitual en los 80.

Cristal oscuro siempre me ha recordado a Tron, películas que en su momento no fueron entendidas por la gran masa y no acabaron de funcionar del todo, pero que décadas después fueron pasto del culto impartido por lo que en su momento les dieron la espalda y que, como en el caso del film de Steven Lisberger, acabó teniendo un (flojísimo) remake/secuela. Y en el caso del film de Henson & Oz hace años se habla de una segunda parte llamada The Power of the Dark Crystal. Y para qué, me pregunto. Si ahora la harán toda hecha por ordenador.

Això no pot fer-se per televisió

2011-10-13T18:44:00.005+02:00

Hacía más de una década que por la cabeza me venían imágenes pérdidas de un programa televisivo que veía por las mañanas en televisión. Lo recordaba muy vagamente, pero a la mente me venías flashes de la realización de un programa de televisión hecho por niños y/o adolescentes a los que con mucha asiduidad les tiraban a la cabeza un cubo con algún líquido viscoso.

Pero una de las cosas que me dejaban alucinado es que de vez en cuando alguien del programa se dirigía a la cámara y nos daba a elegir entre dos opciones, según lo que eligiésemos debíamos tocar un botón u otro de los que aparecían en pantalla. En la época yo tendría 10 añitos pero ya era más que consciente que aquello era un rollo patatero porque ni el programa era en directo y mucho menos era de aquí y ni un crio se tragaría lo de tocar un botón en la pantalla. ¡Pura televisión interactiva!

Pero claro, con tan pocos datos conseguir sacar el título era una misión imposible, así que ya llevaba años resignado, dando por hecho que nunca me enteraría con que programa me entretenía antes de ir al colegio a las 9 de la mañana.
Hasta que, el otro día, visitando una de esas webs americanas que taaaanto me gustan que se dedican a meter imágenes retro/vintage, sobre todo de los 80, me encuentro la foto que hay un poco más abajo y mi cerebro comienza acosarme con flashbacks.

El programa se llamaba You Can't Do That on Television y estuvo en antena desde 1979 hasta 1990 en las pantallas canadienses para pasar al Nickelodeon americano. Los 30 minutos de duración se abrían con unas animaciones puramente Terry Gilliam y era un compendio de gags y bromas hechas por chavales que cada vez que decían "no lo sé" les caía encima el chorrazo viscoso.

Después de bastante investigación di con el título con el que se pasó por estas tierras: Això no pot fer-se per televisió.
Se emitía en la 2 allá por el 91 a las 7.30 de la mañana para el circuito catalán, así que es normal que el texto comentado le sonará a chino a todo el mundo. Entre otras cosas porque a esas horas y encima emitiéndose por la 2 en el circuito catalán como que no debía tener muchos seguidores.

Los noventa acababan de empezar y todavía no eramos conscientes que todo aquel mundo preadolescente y lleno de jolgorio y felicidad se acabaría; una época que masticabamos chicles Cheiw, teníamos nuestros caramelos Chimos, Chispas era nuestra primera colonia (tanta "CH" en los nombres de esos productos me hacen pensar que había una mano negra detrás de todo) y todavía no nos habíamos preguntado porqué las tías de Friends siempre van empitonadas (entre otras cosas porque la serie aun no existía).

Día de bat-descanso

2011-10-12T10:44:00.000+02:00

Caos en alta mar

2011-10-06T18:14:00.003+02:00

Principios de los 90. A Tim Burton le sonrie la vida, su carrera ha sido un crescendo que desemboca en convertirlo en el Walt Disney de los emos, hasta estuvo en negociaciones para construir un parque de atracciones temático sobre su obra.

La cuestión que es un día recibió un guión firmado por Adam Resnick y Chris Elliott, dos guionistas que habían hecho fortuna escribiendo para El show de David Letterman y, sobre todo, creando la serie de culto Búscate la vida (Get a life), de la que Elliott también era el protagonista.

La historia trataba en clave de comedia las desventuras de un chico bien que por un despiste acaba formando parte de la tripulación de un barco de mala muerte compuesta por borrachuzos. En su estancia en la nave se convertirá en el bufón de abordo, a la vez que se topará con extraños seres como Chocki (hijo de un hombre y un tiburón), gigantes de hielo y demás fauna mitológica.

A Burton no le interesó demasiado el guión, al menos para dirigirlo (decía que si él la dirigía sería demasiado cara); pero básicamente porque se veía bastante claro que sería un paso atrás hacer un film que estaba más cerca de La gran aventura de Pee Wee que de Ed Wood. Pese a todo accedió producirla junta a su socia de entonces, Denise Di Novi.

La película fue producida por Disney porque tenían a Burton detrás, pero cuando vieron la película se echaron las manos a la cabeza. El propio Burton no quedó nada satisfecho del resultado. Lo que hizo que la dejaran bastante de lado y la estrenaron de forma muy minoritaria, lo que propició el desastre, apenas recaudó 4 millones de dólares de los 10 que costó.

Una de las curiosidades del film es la cantidad de gente perteneciente al mundo Burton que colaboró en él: la banda sonora es de Steve Bartek (que tiene toques del Elfman de la época de Pesadilla antes de Navidad), que había estado junto con Danny Elfman en Oingo Boingo y le había hecho los arreglos de varias bandas sonoras; el vestuario era de gente que participó en Eduardo Manostijeras; o la actuación de Mike Starr, que poco después aparecería en Ed Wood.
Hablando del reparto, bizarrísimo: Brion James, Russ Tamblyn, David Letterman y un cameo de Alfred Molina.

Caos en altas mar (Cabin boy, 1994) tiene un argumento tan chorra que haría las delicias de cualquier consumidor de los telefilms propios que emite Disney Channel, pero por suerte es tan corta (no llega ni a la hora y cuarto) que apenas molesta y su estética camp es lo que nos ayuda a seguir el visionado. Muchas maquetas, stop motion, fondos pintados, maquillajes que cantan bastante pero que tienen mucha gracia. Algo como lo que pasaba en Bitelchús pero no tan conseguido.
Para fans de los primeros trabajos de Burton y de la vis cómica de Chris Elliott.

Saint

2011-10-04T18:14:00.010+02:00

La figura de Papá Noel, Santa Claus, Babbo Natale o como queramos llamarle ha sido más que explotada en el género de terror. Desde la archiconocida saga de Noche de paz, noche de muerte, pasando por Navidades negras o las menos conocidas Noche infernal o No abrir antes de Navidad. Pero pese a esta retahíla de títulos, la figura más ancestral del personaje, sus orígenes, no habían sido explotados.

Y desde Holanda nos llega este film, no en vano las raices del actual Santa Claus tiene sus orígenes en los Países Bajos con Sinterklaas. Pero claro cuando ves que el director es Dick Maas (director de El ascensor, Amsterdamned: Misterio en los canales o aquel horror de películas que luego se convertirían en serie televisiva, Los Flodder) comienzas a desconfiar del resultado final. Y eso que el punto de partida es muy bueno, ambientándolo todo en pleno siglo XV cuando el obispo Nicolás y su grupo de sicarios se dedican a robar y asesinar en los pueblecitos, hasta que un grupo se revela y los asesinan. Me encanta el detalle que la gente tenga que dejar joyas y dinero en los zapatos para que sea Santa el que se los lleva o que sus esbirros entran por la chimenea pero para cargarse a los que viven en la casa.
Después el film da un salto en el tiempo hasta los años sesenta del siglo XX cuando reaparece un fantasmagórico Santa Claus que se carga a una família salvo a uno de los niños, que en ese momento no estaba en casa. Ahí la película vuelve a dar un salto en el tiempo hasta el 2010 para encontrarnos al niño que se ha convertido en un policía con su consiguiente trauma. Y evidentemente el Santa Claus asesino volverá para cargarse a unos cuantos.

Dick Mass, que ejerce de hombre para todo (se dedica a componer la banda sonora, producir, escribir el guión y dirigir), nos presenta una película muy muy estandard que no sorprende en nada, el clásico slasher que hemos visto mil veces pero pasado por el túrmix moderno que impuso Scream. Es decir, cero por ciento de sexo y bajo mínimos en escenas gore o excesivamente gráficas.

En esta nueva vuelta de tuerca del asesino que vuelve a la "vida" para vengarse al más puro estilo Freddy Krueger, no se le puede destacar ni siquiera en los punto mínimos como es el maquillaje del asesino en cuestión, que tampoco es que sea para tirar cohetes, impone mucho más cuando no se le ve la cara y solamente vemos su figura. Y lamentablemente, en lugar de explotarlo por ahí se abusa de los primeros planos.
En resumidas cuentas, que nis los más curtidos en el slasher más light le podrán sacar partido. Pobre Dick Maas, que se pensaba que con este film tenía entre manos una franquicia al estilo Pesadilla en Elm street. Aunque ojito, que en su Holanda natal el film pegó bastante fuerte.

Ya no respetan ni a los clásicos (II)

2011-09-29T16:44:00.002+02:00

Después de los Buenetes llegan los...

¡Buenitos!

Howard... un nuevo héroe

2011-09-27T18:44:00.022+02:00

Se podría decir que en sus inicios (exceptuando THX 1138) la carrera cinematográfica de George Lucas estuvo marcada por los éxitos, ya fuese como director (Star Wars) o productor (Indiana Jones). Pero al parecer al amigo George no le iba mucho lo de dirigir y se dedicó a delegar, quedándose en la retaguardia, ya fuese como productor o creando argumentos. Y con esta táctica las cosas le siguieron saliendo bien hasta que se encontró con este Howard... un nuevo héroe, aunque popularmente, entre coleguillas, se le conoce más por Howard el pato.

Howard the duck, surgido de la mente de Steve Gerber y dibujado por Val Mayerik, apareció por primera vez en las páginas impresas a finales de 1973.
El cómic hablaba de un planeta llamado Duckworld, donde patos antropomórficos viven a sus anchas. En él vive nuestro amigo Howard, que por culpa de un demonio llamado Thog acaba en la Tierra viviendo con Beberly, una chica humana.

Como las ventas de los cómics, pese a tener cierto culto, no eran muy buenas, que el autor se estaba pasando con la crítica social y no se le ocurrió otra cosa que meter un puticlub en las historietas, Marvel lo sacó de la publicación. Éste, aparte de demandar a la editorial, se alió con Jack Kirby y sacó Destroyer Duck, basicamente para sufragar los gastos del juicio contra la editorial. A todo esto Disney entra en escena, las similitudes entre Howard y el pato Donald son más que evidentes, y ante la amenaza de la productora, Marvel acepta retocar lo suficiente al personaje para que no recuerde tanto a Donald.

Allá por 1975 Lucas tuvo la idea de llevar el cómic a la gran pantalla, pero por problemas de derechos la producción no se inició hasta pasada una década. Ya en mitad de los 80 le encargó el proyecto a su colega Gloria Katz (guionista de American Graffiti e Indiana Jones y el templo maldito), que junto a Willard Huyck, que acabaría siendo el director del film, escribió el libreto.

Y aunque curiosamente la primera intención era que el film fuese en animación, la necesidad de Universal para sacar una producción que reventase el verano de 1986 transformó la producción en un film de imagen real, convirtiéndose en la primera adaptación de un personaje Marvel al cine (los Spidermans, Hulks y compañía de Nicholas Hammond y Lou Ferrigno, eran telefilms y series de tv por mucho que aquí se estrenaran en cines).

Howard es un film que nos puede hacer gracia por el factor nostalgia, pero siendo claros y quitándonos los sentimentalismos de tiempos pasados está claro que es una mala película.
Empezando por la tergiversación del personaje original, ya sea por su carácter como por su apariencia física (y eso que los trajes del pato costaron 2 millones de dólares) que no se parecía lo más mínimo al de los cómics. A eso añadirle que los efectos especiales, en general y pese a estar la ILM detrás, son bastante ramplones, dándole al conjunto cierto tufo a Los cazafantasmas, pero con efectos peores. Por no hablar de los cambios de dimensiones en las escenas donde Howard deja de ser un enanito disfrazado para ser un animatrónic (¿alguién dijo la escena que lo desnudan en la comisaría?) o en la escena del ultraligero que según el plano Howard mide 90 centímetros o metro y medio.
Como adaptación es un insulto, la típica infantilización para todos los públicos en la que se dejaron el toque cínico en la papelera. Aunque también entiendo que no se van a dejar millones en una producción dirigida a las masas con un protagonista que va a incomodar al gran público como era el Howard en papel. Es por eso que me sorprenden que fuesen capaces de meter escenas con cierto contenido sexual. Sí, hablo de esas dos escenas que todos tenemos en mente: cuando Howard atraviesa las paredes al principio del metraje donde aparece una pata en pelotas duchándose (de chaval rompí la cinta tanto rebobinar y poner esta escena que me descojonaba) y (¡claro que sí!) la escena zoofílica entre el pato y Lea Thompson condón incluido.

Aunque a su favor mencionaré el maquillaje de Jeffrey Jones, que es realmente muy bueno por mucho que al final de su transformación acaba convirtiéndose en una especie de Bitelchús. Y que por muy flojos que sean los efectos, prefiero estos trucajes clásicos a la infografía actual.

La idea era crear una franquicia, prueba de ello es que Lea Thompson firmó por tres películas de la saga, pero el fracaso económico chafó los planes.
Acostumbrados a que las producciones de Lucas reventaran las taquillas, con Howard... un nuevo héroe se llevó un buen revés, ya que le costó Dios y ayuda recuperar los casi 40 millones de dólares que se gastaron ella, consiguiendo un beneficio de apenas 1 millón.
La película es mala, sin duda, pero no deja de ser un clásico de los 80.

El fracaso de Howard le supuso a nuestro amigo George bastante quebraderos de cabeza de nivel económico. Tantos que se vio obligado a vender a una división de Lucasfilm llamada Pixar a un tal Steve Jobs por 5 millones de dólares. El resto es historia.

El gran lío

2011-09-22T17:44:00.006+02:00

Debut en las tareas de director de Dan Aykroyd en este film con un espantoso título impuesto por la distribuidora de turno a partir del original, Nothing but Trouble. Curiosamente en nuestro país apareció una década después otro film con el mismo título, dirigido por Barry Sonnenfeld y con Tim Allen. Un bodrio, vamos.
Pero sigamos con el film de Aykroyd, uno de esos actores a los que nunca he llegado a entender cual era su gracia, lo mismo que me pasa con el protagonista del film, Chevy Chase. ¿De verdad este tío tiene gracia? Hombre, hay que decir que John Carpenter llegó a decir que era su actor favorito, ahí lo dejo.

Chevy Chase es un millonetis de la bolsa que un buen día conoce a una primeriza Demi Moore y con intención de ligársela se la lleva junto a unos amigos a Atlantic city. Pero pese a su BMW último modelo y su sistema de gps acaban perdiéndose en una extraña localidad de minas de carbón llamada Valkenvania. Dentro del pueblo cometen una infracción de tráfico y en su intento de huida acaban siendo capturado por el policía del pueblo, que los lleva ante el juez Alvin Valkenheiser, un vejestorio de más de cien años que los acaba encerrando en su casa y haciéndoles la vida imposible.

El gran lío es un yo me lo guiso, yo me lo como por parte de Aykroyd y su troupe. Empezando por la historia, escrita conjuntamente con su hermano Peter, que está basada en una experiencia real que tuvo cuando fue detenido por una falta leve y llevado a un juzgado esa misma noche en un pueblo de esos perdidos. Además de reservarse el papel del juez Valkenheiser y del deforme Bobo, dos personajes bañados en capas y capas de maquillaje que lo hacían casi irreconocible.
Luego el cast, toda una reunión de esa remesa de cómicos canadienses que acabaron en el Saturday nigh live: el propio Aykroyd, Chevy Chase, Jon Candy o Valri Bromfield.

Y, como no podía ser de otra forma en la mayoría de películas comentadas en este blog, El gran lío significó un fracaso mayúsculo. Con un presupuesto muy alto para la época (y más para ser una comedia con toques fantásticos) de 40 millones de dólares apenas consiguió recaudar menos de 10. Este fracaso condenó a que en muchos países acabase estrenándose directamente a vídeo, como en nuestra tierra, cosa que se nota mucho en su poco cuidado doblaje. Quién sabe que parte de culpa pudo tener un sosísimo trailer o un cartel muy poco inspirado (el cartel alternativo mola mucho más, obra de Boris Vallejo, que ya había hecho algunos para pelis de la National Lampoon).

Con todos estos ingredientes uno puede pensar que la película es un bodrio, pero eso no es así. Para empezar nos encontramos con la clásica película del grupo que se pierde en un pueblo lleno de tarados (estilo La matanza de Texas o Deliverance) pero pasado por el túrmix humorístico de Aykroyd, aunque, todo hay que decirlo, su humor no es que sea fetén precisamente. En general el tipo se las suele gastar con un estilo grotesco como la escena donde el juez se come un hot dog o la nariz con forma de prepucio que luce. O sea, que a ese género de supervivencia le dan un golpe de tuerca humorístico que no se había explotado.

Los maquillajes y, sobre todo, el diseño de producción, son de primera, simplemente echando un ojo al interior de la casa del juez nos damos cuenta del nivel de detalles que llegaron a tener, además de todos los alrededores de la casa que es una mezcla entre chatarrería gigante y parque de atracciones en decadencia.
En definitiva, que si uno es capaz de olvidarse que el protagonista es Chevy Chase (cosa que, por otro lado, aquí no molesta en absoluto porque el tío está muy controlado) se le puede sacar chicha. Eso sí, se nota que la cosa no la acababan de tener clara porque el final es raro, raro, raro.

Boris y Natasha

2011-09-20T18:14:00.025+02:00

Las aventuras de Rocky y Bullwinkle (o lo que es lo mismo, The Rocky and Bullwinkle Show) es una serie de animación estadounidense que tuvo mucho éxito allá por los 60. Desconozco si la serie se emitió por estas tierras, al menos hasta la década pasada, que pasó a formar parte de la programación de el Club Super 3.

La serie era un constante de gags, en su mayoría basados en juegos de palabras, protagonizada por una ardilla voladora y un arce, y unos villanos llegados desde Pottsylvania, Boris Badenov, Natasha Fatale y su cabecilla Jefe sin miedo.
Entre historieta e historieta habían aventuras de otros personajes, entre ellas la de un policía montado de Canadá de la que también hubo versión cinematográfica, Dudley de la montaña.

No sería de extrañar que TV3 pusiera en su parrilla los dibujos de Rocky y Bullwinkle para aprovechar el posible tirón de la versión cinematográfica que se estrenó en el 2000 de la mano de Des McAnuff, un tipo que tiene una carrera cinematográfica más bien escueta, pero que tiene una bastante más respetada en los escenarios de Broadway.
El film se estrenó a bombo y platillo, con un extenso reparto formado por Robert De Niro, Jason Alexander, Rene Russo y Randy Quaid, además de algunos cameos.
La película, producida por De Niro y su productora Tribeca, mezclaba actores reales con personajes animados pero, pese a estar rodada una década después, no estaban tan bien integrados como en ¿Quién engañó a Roger Rabbit?
Las aventuras de Rocky y Bullwinkle fue un fracaso mayúsculo, perdiendo más de 35 millones de dólares. No nos engañemos, la película fracaso más que merecidamente porque es malísima.

Lo que muy poca gente sabe o recuerda es que a principios de los 90 ya hubo una versión en carne y hueso de la serie animada. Boris y Natasha, al resultar imposible usar a Rocky y Bullwinkle en una película de acción real, se decantaba por explotar a los personajes malos de la serie.

El proyecto de la película llevaba varios años rondando por los estudios con la intención que fuese protagonizado por Danny De Vito y Meryl Streep, pero problemas con los derechos hicieron que la cosa quedase congelada. Hasta que en 1991 la cosa se desbloqueó y empezó el rodaje de Boris y Natasha, eso sí, con dos actores muy poco conocidos encabezando el reparto: Dave Thomas y Sally Kellerman.

En un principio la intención era estrenarla en cines, pero entre que el film no era precisamente para tirar cohetes, ni había ninguna cara conocida que pudiera llamar la atención al público, acabó estrenándose directamente en la televisión por cable americana allá por 1992.

Dirigida por Charles Martin Smith, que así a pelo no nos sonará mucho, pero recordando que fue el director (o culpable) de Muerte a 33 revoluciones por minuto y Air Bud ya nos resultará algo más conocido, pero si además lo hubicamos en su faceta de actor secundario en films como Los intocables de Eliot Ness o American Graffiti la cosa nos queda más clara.

Como decía, el reparto es cuanto menos modesto, pero si nos fijamos encontraremos algunas caras que como mínimo nos pudieran sonar: Larry Cedar, del que ya dí buena cuenta en Contacto en Londres; Sid Haig, el capitán Spaulding de La casa de los 1.000 cadáveres; o Rance Howard, padre del director de El Grinch.
Y después tenemos una mini aparición de John Candy y, aprovechando que es la mismo productora que Mira quién habla, un cameo de John Travolta haciendo de ¡John Travolta! Señores, todavía no se había estrenado Pulp Fiction.

El argumento es más simple que las instrucciones de una chincheta: Boris y Natasha son enviados a los Estados Unidos para buscar a un científico que ha conseguido inventar un chip que hace que el tiempo retroceda. Una vez allí los malentendidos y los malos chistes están servidos.

Si Las aventuras de Rocky y Bullwinkle ya era mala no quiero ni decir como es Boris y Natasha, que se filmó lo que se gastaron en cafés en la peli protagonizada por De Niro. A su favor hay que decir que se preocupan de seguir el estilo narrativo de los dibujos animados pero que la cosa no da para más con su más que evidente falta de medios y con unos actores con menos carisma que una piedra, aunque al menos en ésta no se gastaron 80 millones como en la de De Niro.

No matarás... al vecino

2011-09-15T18:44:00.008+02:00

Hace unas reseñas comentaba la fijación de Fred Dekker por escribir y/o dirigir películas llenas de referencias, y otro que es experto en estos menesteres es Joe Dante.
Parece que pocos se acuerdan, pero hubo una vez que Tom Hanks no era ese actor oscarizado y el chico que toda madre quisiera tener como yerno, si no que se montaba sus comedietas, algunas más afortunadas (Esta casa es una ruina, Big) y otras no tanto (Lo que cuenta es el final, Dos sabuesos despistados), y vivía de ellas hasta que hizo esa película que tiene nombre de queso para untar y se reconvirtió al actor made in USA que conocemos hoy en día.

En su etapa más cómica protagonizó este film que luce un humor negro por los cuatro costados. En un suburbio americano, o sea, el clásico barrio residencial de casitas donde el paperboy de turno pasa todas la mañanas y el lechero te deja la botellita en la puerta (rollo Spielberg ochentero) llegan unos nuevos vecinos. Nadie sabe nada de ellos, nunca salen, tiene el jardín hecho un asco... cosa que hace que los lugareños del lugar estén con la mosca detrás de la oreja y comiencen a investigar sobre la identidad de los misteriosos vecinos.

La película es el clásico ejercicio de Dante, que, como siempre, está acompañado por toda su troupe habitual: Corey Feldman (ya algo crecido y seguramente todo un experto en porros, farlopa y drogas varias), Henry Gibson, Dick Miller, Robert Picardo y Jerry Goldsmith en la banda sonora. En cuanto a otros nombre tenemos por ahí a Bruce Dern y Carrie Fisher, que pese a que no hacía mucho de su escena de princesa Leia embutida en un minúsculo bikini, aquí luce un aspecto de estar muy entrada en años y en otras cosas. Que no es precisamente Scarlett Johansson haciéndose fotos en pelotas, vamos.

Se podría decir que No matarás... al vecino (espantoso título el que se sacó de la manga el distribuidor de un intraducible The Burbs) fue el inicio del ocaso de Dante. El director surgido de la factoría Corman tuvo unos comienzos realmente fuertes con Pirañas, Aullidos, En los límites de la realidad, Gremlins, El chip prodigioso... sin duda nos encontramos con una especie de Spielberg a menor escala (no es casualidad que éste apadrinara algunos de sus éxitos). Pero el paso por la taquilla de la película que hoy nos ocupa no fue la esperada. Es cierto que casi triplicó su presupuesto, pero tratándose de una producción con Dante y Hanks en cabeza la productora esperaba muchísimo más millones en las taquillas.

Cierto es que el inicio de la trama es prometedor, con ese humor soterrado a costa de los arquetipos de vecinos (el obsesionado con lo bélico, el bocazas, el amanerado con su perrito llepafigues...), pero que lamentablemente no aguanta el último tramo de metraje, sobre todo por culpa de ese final demasiado blanco, apto para todos los públicos y demasiado made in Hollywood.

Después de su estreno la carrera de Dante nunca sería igual, a excepción de Gremlins 2, que pese a funcionar muy bien recibió muchos palos por parte de la crítica, sus siguientes films pasaron muy de puntillas: Matinee, Pequeños guerreros, Looney Tunes: De nuevo en acción y varios telefilms y capítulos de serie hicieron que el nombre del director ya nunca fuese garantía de diversión.

Si antes comentaba la poca vista del distribuidor a la hora de traducir el título hay que decir que estás cosas acaban por volverese en tu contra, ya que algún otro distribuidor (IVS) plagió directamente el poster para un gran bodrio llamado Loco experimento, una basura sobre viajes en el tiempo.

Moebius

2011-09-13T21:14:00.004+02:00

Un tren del metro de Buenos Aires desaparece, nadie sabe que ha sido de él ni donde está. Además, los semáforos de las instalaciones comienzan a dar señales erróneas, pese a que no pasa ningún tren marcan un prohibido el paso como si pasara un convoy por las vías.
Nadie tiene ni idea de lo que está pasando en las entrañas de Buenos Aires, hasta que aparece un joven topólogo que comienza a desarrollar una hipótesis de lo que ha sucedido.

No voy a comentar mucho más del argumento de este film argentino, realizado por un grupo de estudiantes de la Universidad de Buenos Aires y dirigido por el profesor Gustavo Mosquera y que está basado muy libremente en el relato corto Un metropolitano llamado Moebius (A Subway Named Möbius) de Armin Joseph Deutsch.
Y no voy a decir nada porque es de esas películas que cuanto menos se sepa mejor.

El film, que fue rodado en 1996, tiene ese tufillo a capítulo de Expediente X o The twilight zone (La dimensió desconeguda), y aunque en este tipo de películas se les acaba pasando factura la condición de estar basadas en relatos cortos, ahí esta La caja (The box, 2009) como ejemplo, en Moebius esto no es así. O dicho de otro modo, que coger 15 o 20 páginas y alargarlas hasta la extenuación para sacar una película de 90 minutos en adelante, acaba por notarse y la buena idea de su relato original acaba por convertirse en un desastre.

Que la película está justita en cuanto a medios es bien patente, está rodada con una cámara de 1926 y todo coordinado por dos profesores y ayudados por 43 alumnos, y con un presupuesto de menos de medio millón de euros de la época.
Pero esa falta de medios no importa, porque la historia no pide nada más. Además que tiene un montaje tan bien hilvanado que ayuda mucho a su conjunto (ahí está la escena del protagonista perseguido por los túneles). A todo eso añadámosle un gran trabajo de los actores, aunque con el protagonista, Guillermo Angelelli, tengo mis reservas. Bajo mi punto de vista el más flojo de todos.

Aun y así no todo van a ser flores. Lo más flojo, para mi gusto es el final, porque cuando tienes un planteamiento tan interesante la resolución final siempre acaba decepcionando.
Es por esa razón que soy un defensor del final de Perdidos. Si en la serie parida por J. J. Abrams hubieran dado todas las explicaciones que el público demandaba se hubiese caído en una decepción tremenda (y ridícula).

Para el que tenga ganas de desenpolvar sus cajas del armario decir que en el Creepy número 6, en su segunda temporada, hay una historieta llamada El metro, firmada por Javier Santonja y J. Flores Thies, que parece una vuelta de tuerca o, mejor dicho, la otra perspectiva del relato de Deutsch.

El director del film, Gustavo Mosquera, acabó emigrando a USA, donde rechazó dirigir Límite vertical o Leyenda urbana, y estuvo trabajando en un thriller apadrinado por John Woo, pero en el último momento el proyecto acabó en aguas de borraja. Estuvo trabajando durante un tiempo en el eterno proyecto de llevar El eternauta a la gran pantalla, cosa que finalmente no fructificó, pero en cambio todo acabó derivando en un posible biopic de uno de los creadores del personaje, Héctor Germán Oesterheld.

La Sombra

2011-09-08T18:14:00.003+02:00

Se suele decir que esta película fue la que hundió la carrera de Russell Mulcahy. Hombre, yo siempre he pensado que Los inmortales II ya le asestó un golpe durísimo, pero sí que es cierto que La Sombra fue su última oportunidad de codearse con las grandes producciones de Hollywood.

El personaje de La Sombra nació a principios de los años 30 donde consiguió su máxima popularidad gracias a los seriales radiofónicos, en los que llegó a participar Orson Welles. Más tarde, cuando se decidió que pasase a protagonizar historias en las revistas pulp, fue cuando se contrató a Walter B. Gibson para que las escribiese.
Ya en aquella época el personaje fue llevado a la gran pantalla con las clásicas mediocridades de la época y un serial de la Columbia.

Tuvieron que pasar 50 años para volver a verlo en los cines, eso sí en una gran producción que no escatimaba en medios.
Al parecer, el productor Martin Bregman tenía los derechos del personaje y quería rodarla, pero, después de una década buscando al director adecuado, no acababa de poner en marcha el proyecto. Hasta que se le ocurrió darle la riendas a Russell Mulcahy, al que ya le había producido Seducción peligrosa y Extremadamente peligrosa. Que viendo esos títulos no sé como no se dió cuenta que contratar a Mulcahy sí era realmente peligroso.

Lamont Cranston es un personaje que vive en el Tibet entre bacanales gracias a ser el rey del opio de la zona, hasta que es secuestrado por un moje que, con la intención de reformarlo, le enseña a desaparecer literalmente y convertirse en invisible, y a controlar la mente de las personas. Una vez rehabilitado volverá a Nueva York, donde se hace pasar por un multimillonario playboy mientras por las noches combate el crímen bajo los rasgos de La Sombra.

Uno de los aspectos que quizá más se criticó fue la elección de Alec Baldwin para encarnar al protagonista, cosa que me parece bastante acertada. Vale que Baldwin no es Al Pacino, pero para hacer de chico-percha en una peli de superhéroes vamos más que sobrados.

El resto del equipo estaba a la misma o a más altura, con un reparto lleno de caras conocidas: Ian McKellen, Penelope Ann Miller, Jonathan Winters, Peter Boyle, Tim Curry e incluso una mini aparición de nuestro vicioso favorito, Max Wright.

El vestuario era obra de Bob Ringwood (Dune, Batman, Batman Returns...), la música de Jerry Goldsmith y el guión de un David Koepp que estaba en alza (Parque Jurásico, The paper). Y desde luego todos estos apartados lucen con luz propia, hago incapié en los fabulosos decorados que nos transportan a los años 30, repletos de edificios, coches y cualquier detalle que se nos pase por la cabeza que pudiera haber en la época. Los efectos especiales también son destacables, sobre todo tratándose de mediados de los 90, cuando la infografía comenzaba a dar sus primeros pasos en las grandes producciones hollywoodenses.

Como he comentado, la película fue una gran superproducción en la que no se escatimaron medios, peeeero eso no se reflejó en la taquilla donde apenas recuperó los 40 millones de su presupuesto. El batacazo fue mayúsculo ya que la Universal creía tener entre manos una franquicia del estilo Batman. Y al igual que ésta salió con una campaña de merchandising bastante importante, desde la clásica colección de figuras articuladas de la mano de Kenner (que aquí no llegaron), cómics o máquinas de pinball. Pero más curioso me parece el caso del videojuego que programó Ocean para la SuperNintendo, que acabó siendo cancelado por culpa del fracaso de la película.

Pero, si tenía un reparto de campanillas, sus efectos eran buenos y la recreación de los años 30 fabulosa, ¿por qué fracasó? Basicamente por dos razones. La primera, La Sombra tiene el hándicap de que es aburridísima. La historia es cansina y soporífera, faltándole la épica de todo superhéroe que se precie.
Y segundo, los personajes de cómic estilo reto no interesan para nada a las audiencias. Ahí tenemos Doc Savage, Rocketeer, Dick Tracy o The Phantom, que se estrenaría un par de años después. En la actualidad, con toda esa avalancha de superhéroes que estamos sufriendo podemos ver como hay dos divisiones. Los de primera, los Supermán, Batman, Spiderman... que son conocidos y queridos por todos. Y los de segunda, personajes que no tienen ese nivel de popularidad. Por ejemplo ni Thor ni El capitán América y mucho menos Green Lantern han recaudado lo que se esperaba de ellas, y si no han fracasado es porque los estudios se han dejado muchos millones en campañas de publicidad.

Después de el descalabro de la película, Mulcahy rodó Soldado, una serie B con Dolph Lundgren; a partir de ahí se dedicó a rodar para televisión episodios de series (Historias de la cripta, Queer as Folk USA...) y telefilms (El coleccionista de novias, La isla misteriosa...) y de vez en cuando asomaba la cabeza en la gran pantalla (La sombra del farón, Resurrección...), aunque, en general, no eran muy apreciadas por el público.
Es por eso que me sorprendió mucho cuando le dieron la silla de director en la tercera parte (y la peor) de la saga Resident Evil. Aun y así, y pese al éxito del film, la carrera del director australiano volvió a encauzarse en el mundo televisivo.

Resurrección

2011-09-06T19:44:00.002+02:00

Vale, lo reconozco, Christopher Lambert me cae simpaticón. Que sí, como actor es pésimo y su filmografía no es que esté plagada de obras maestras precisamente, pero eso de esos (malos) actores de la liga de Lundgren, Seagal y compañía que me parecen cuanto menos entrañables.

Resurrección la fui a ver al cine y, la verdad, no salí con mala impresión. El film da lo que promete, alguna escena truculenta, un psicópata chiflado y a Lambert poniendo cara de Lambert mientras hace sus pesquisas.

Mi teoría es la siguiente, Lambert se fue un buen día al cine con su señora, su amigo imaginario, su amante, su perro o con quien le diera la gana. Se metió en la sala donde proyectaban Seven y salió en éxtasis. "Yo hubiera matado por protagonizar Seven", debió pensar. Y ni corto ni perezoso llamó a Brad Mirman, su hombre de confianza que ya había escrito guiones para su lucimiento (Jaque al asesino, Los inmortales III, The piano player, Gideon y Absolon), y le debió decir "desarróllame un guión donde hago de poli atormentado y me dedico a perseguir a un psicópata que va matando al personal mientras me deja pistas".

Y una vez con el guión acabado solamente era cuestión de buscar un director. Y para esa función nadie mejor que Russell Mulcahy, que había tenido su subidón de la mano de Lambert con Los inmortales y llevaba un tiempo de capa caída.

Sin duda nos encontramos ante uno de esos casos de plagio que no se veía desde la época que los italianos saqueaban cualquier éxito llegado desde USA (Tiburón 3, Alien 2...). No solamente el argumento sigue a rajatabla el del film de Fincher, es que hasta copian toda la estética videoclipera con lluvia constante.
No contento con ello hasta ficharon a Leland Orser, que tenía un papelillo en Seven (además sale David Cronenberg haciendo un minúsculo papel, supongo que por amiguismo con el director).

Pese a lo trillada que está, su increíble cúmulo de clichés la peli es mucho más que soportable, y eso es lo que la engrandece aun más. Que pese a darnos lo mismo de siempre, te mantiene 100 minutos distraido. Es más, antes de revisarla me vi Seven y tengo que decir que me sigue sin gustar, quizá por su rollo más ambicioso y con esa sensación de que quieren reinventar el género (que por otra parte sí hicieron). En cambio Resurrección me parece un divertimento más agradable de ver y bastante más desenfadado.

Con un presupuesto no excesivamente olgado el film funcionó. Solamente en Spain recaudó más de 5 millones de euros. ¿Es que se fue todo el personal en masa a ver la última de Lambert aquel verano de 1999? Nos debimos pensar que en el 2000 el mundo acabaría y ver la peli de Lambert expiaría nuestros pecados, vaya usted a saber.

El cuarto deseo

2011-09-01T18:44:00.005+02:00

El cuarto deseo, también conocida por estos lares como Darby O'Gill y el rey de los duendes a partir de los pases televisivos, fue una de las primeras películas de Sean Connery (y según dicen la que llamó la atención de Broccoli para que lo fichará para encarnar a James Bond) y la primera que rodaba en Hollywood.

Al parecer, allá por 1947, Walt Disney viajó a Irlanda y quedó tan prendado del paisaje, las costumbres y el folclore de esa tierra que se empeño en producir un film que transcurriera allí. Así que, basándose en unas historias de Herminone Templeton Kavanagh que hablaban de duendes, ninfas y demás seres de la mitología irlandesa, Lawrence Edward Watkin (guionista de la versión Disney de La isla del tesoro) escribió el guión de El cuarto deseo.

El director encargado de su realización fue Robert Stevenson (descendiente del autor de La isla del tesoro o El extraño caso del doctor Jekyll y el señor Hyde), que tuvo una carrera medianamente existosa en su Inglaterra natal y emigró a USA, pero algunos fracasos con la RKO lo relegaron a la televisión. Allí acabó dirigiendo episodios de El Zorro, aquella serie en blanco y negro o la película Fiel amigo, ambas obras producidas por Disney, cosa que hizo que le acabaran dando las riendas de El cuarto deseo. A partir de ahí se quedaría en Disney para dirigir algunas de sus películas más recordadas: Un sabio en las nubes, Mary Poppins, Ahí va ese bólido o La bruja novata.

La película narra la relación entre Darby O'Gill, un abuelete que cuida unas tierras de su señor, y el rey Brian, el monarca de los duendes irlandeses. Durante años los dos han jugado al gato y al ratón, ya que de atrapar al duende, Darby conseguiría que le concediera tres deseos.
Un día Darby consigue capturarlo, pero en lugar de usar sus tres deseos encierra al rey Brian en un saco, a la espera de pensar bien que desear. Mientras tanto intentará ajuntar a su casadera hija con el nuevo conserje de las tierras.

La película está llena de efectos, o mejor dicho, trucajes para parar un tren. Desde toda la recreación del pueblo, que se construyó en los estudios que tenía Disney en Burbank, con sus fondos pintados, pero sobre todo lo que se lleva la palma son las escenas en las que interactúan humanos y duendes, donde nada, absolutamente nada da el cante, todo cuadra. Con laboriosos trucajes de perspectiva forzada parece que los duendes son auténticamente seres fantásticos.
Y aunque algunos trucos, como la muerte, cantan más, no hay que olvidar que es una película de finales de los 50.

Y pese a que nos encontramos con momentos algo babosos e incluso alguna canción, el clímax final es bastante más oscuro de los que una producción Disney haría suponer.

Una década después, Disney lanzó El abuelo está loco, también dirigida por Stevenson, que si bien no es una secuela sí tiene muchos puntos en común, ya que casi todo el film pasa en un bosque repleto de gnomos.

Juraría que aquí nunca se llegó a estrenar en cines, es más, la versión que apareció en vídeo de la mano de Filmayer llevaba un doblaje muy flojito que se notaba que no era para cines, y con voces de la época en la que salió en videoclubs.

El cuarto deseo, que fue la primera película Disney que tenía un estreno mundial fuera de América, tuvo una carrera comercial más que digna. Aun y así es considerado un clásico menor de la compañía, pero no por eso hay que dejarse engañar, en ella hay bastantes detalles que merecen, como mínimo, un visionado.

Una pandilla alucinante

2011-08-30T17:44:00.003+02:00

Quien iba a decir que con este remedo de Los goonies comenzaríamos a saber que no solamente las cintas de vídeo y de casete podían ser vírgenes o que los hombres lobos tienen pelotas.

Fred Dekker siempre se ha caracterizado por ser un homenajeador. House, una casa alucinante, su primer guión, tenía que ser un cúmulo de referencias a las clásicas obras de casas encantadas (aunque luego S. Cunningham hiciera de las suyas y le metiera bastante humor), y su primera incursión como director, El terror llama a su puerta, está repleta de guiños al mundillo.
Con lo que su siguiente película no podía ser menos. Una pandilla alucinante es otro pastiche como los que se hacían Abbott y Costello en los 40, pero eso sí, aquí todo tiene más gracia y bastante buen gusto, además de unos medios más generosos.

Aquí la cosa va de un grupo de chavales, autollamados la pandilla del monstruo, que están obsesionados con ellos, ven pelis de Jason y leen a Stephen King, descubren que Drácula, el hombre lobo y compañía existen. Y no sólo eso, si no que están conspirando para envolver el mundo entre tinieblas.
Su única oportunidad es encontrar un talismán que cada 100 años es capaz de abrir una puerta al limbo, donde han de encerrar a los monstruos.

Una pandilla alucinante funciona maravillosamente bien, tanto como exploitation de Los goonies (Dios nos libre de no hacer la comparación de cualquier peli protagonizada por un grupo de niños con el film de Richard Donner -¿alguién dijo Super 8?-), teniendo la suficiente mala leche para meter unos monstruos más aterradores en un film juvenil.
Dekker no se andaba con chiquitas, nos metía muertes, la transformación de un hombre lobo la mar de dolorosa (no es Un hombre lobo americano en Londres pero no nos importa), Drácula partiendo cuellos al final o a éste mismo a medio transformar cuando ha sido alcanzado por un disparo, por no hablar del prólogo, que debía imponer en su momento.

Además que teníamos guiños a esas conversaciones que teníamos de niños: "¿Quién ganaría en un combate entre Stallone y Schwarzenegger?" o "¿Que le pasa a un hombre lobo si lo reventamos con dinamita?" Pues aquí nos dan la respuesta.

Otra versión del cartel, más chanante pero menos comercial

Pero no todo han de ser buenas nuevas. Tiene sus puntos negativos, totalmente de cara a la galería. ¿Qué demonios hace Van Helsing levantando el pulgar al final? O el efecto babosil de convertirnos a Frankie en amigos de los niños, por no sacar a relucir lo trillado de poner diferentes estereotipos de personajes en la pandilla (el gordo, el malote...). Seguramente todo esto serían más imposiciones de la producción (ahí estaba Rob Cohen, productor de Perseguido y director de Pánico en el túnel y Triple X), como el hecho que le obligasen a no superar los 90 minutos.

Uno de los puntos fuertes de la película es la ambientación y sus decorados y, sobre todo, los maquillajes. Pero claro, teniendo a Stan Winston detrás de éstos no podía ser menos.
Uno de los problemas con los que se encontró el equipo de Winston es que no tenían los derechos para usar los diseños de los monstruos como aparecían en las pelis de la Universal y tuvieron que resideñarlo del todo. Aunque la verdad, muy originales a la hora de rediseñarlos no fueron.
La momia y Gillman (más conocido como la criatura de la Laguna Negra) están geniales, aunque curiosamente son los monstruos que menos juego dan, uno es un pez y el otro un amasijo de polvo y vendas (¿de verdad alguien tiene miedo de la momia?). Drácula es Drácula y no tiene mucho misterio, pero el hombre lobo ya está más cogido por los pelos, se le nota demasiado que de busto para arriba es una estructura que no deja al actor mover la cabeza.

Aunque nos parezca mentira la película fue un fracaso en la taquilla americana (de los 15 millones que se gastaron apenas recuperaron 4), pero fue con su distribución en vídeo cuando comenzó a generar simpatías (que no culto) que la convirtieron en una cinta de cabecera para infantes y adolescentes de la época. Prueba de ello es la edición en DVD que apareció en zona 1 con sus dos discos repletos de extras. Aquí los amigos de Suevia nos la metieron doblada con esa edición tirando a regulera, donde el documental que en la edición yanki duraba 90 minutos lo han cortado a escasa media hora y se han comido los comentarios en audio, todo ello rematado con una espantosa carátula que parece una mala fotocopia a color. Esto es África, señores.